Connaissance en danse | Platforme de danse | TANZ Association Suisse TAS

Motivation & développement Culture Dancing the Legacy : Elizabeth Roxas-Dobrish entre carrière, art et esprit Ailey Cette interview offre un aperçu du parcours artistique d’Elizabeth Roxas. Danseuse, enseignante et chorégraphe, elle a marqué la danse moderne au fil des décennies. L’accent est mis sur son étroite collaboration avec Alvin Ailey et sur son long engagement au sein de l’Alvin Ailey American Dance Theater, une compagnie qui conçoit la danse comme une expression de l’identité culturelle et de l’expérience collective. L’entretien met en lumière la danse comme une pratique artistique qui se développe au fil du temps et se façonne par la transmission entre générations. Elizabeth Roxas évoque son expérience d’œuvres majeures telles que Revelations et explique comment le répertoire reste vivant tout en étant continuellement réinterprété par les danseurs et danseuses. Un autre point central concerne son rôle d’enseignante et la transmission du savoir dans la danse. Il est également question du développement artistique, de l’expérience personnelle et de la manière dont les danseurs et danseuses restent liés à la danse au-delà de leur carrière active sur scène. Le travail d’Elizabeth Roxas illustre de manière exemplaire une approche dans laquelle la danse n’est pas seulement interprétée, mais vécue et transmise. Ici, vous trouverez Dance Stories, l’entretien vidéo avec Elizabeth Roxas-Dobrish Cliquez ici pour en savoir plus sur Alvin Ailey Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 06/2026, Annatina Luck Fotocredit: Ernest Sarino Mandap Share
Entraînement & apprentissage DancePodGuest Art, responsabilité et science de la danse Comment concilier direction artistique et responsabilité envers les personnes ? Et quel rôle les connaissances scientifiques jouent-elles dans ce contexte ? Steffen Fuchs est l’invité de ce podcast : chorégraphe, spécialiste en science de la danse et directeur de ballet à Coblence. Il parle de son parcours dans la danse, des expériences marquantes qui ont façonné son parcours artistique et de la réalité du travail avec une compagnie. Au centre de l’entretien se trouvent les questions liées aux carrières des danseurs·euse·s et à la responsabilité d’un directeur. Il est également question des possibilités particulières qu’offrent les petites compagnies ainsi que de l’équilibre entre vision artistique et travail durable avec les danseurs·euse·s. Un autre point central concerne la science de la danse, à laquelle Steffen Fuchs s’intéresse de près. Il explique comment les perspectives scientifiques influencent son travail et pourquoi les connaissances en matière d’entraînement, de santé et de charge physique jouent aujourd’hui un rôle de plus en plus important dans la danse. Une conversation sur la direction, l’art, la science et l’avenir de la danse. Cliquez ici pour écouter le podcast en allemand Suivez Steffen sur Instagram Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 05/2026, Annatina Luck Fotocredit: Arek Glebocki, Fotograf / Videograf Share
Entraînement & apprentissage Dance Science Un nouveau bulletin fait le lien entre la recherche et la pratique Le dernier numéro du IADMS Bulletin for Dancers & Teachers est consacré à des thèmes centraux liés à la santé, à la gestion des charges et à la force mentale dans le domaine de la danse. Des spécialistes internationaux issus de la médecine de la danse, des sciences de l’entraînement et de la pédagogie de la danse offrent des éclairages concrets sur les recherches actuelles – de la prévention des blessures et du renforcement musculaire à la santé mentale et à la méditation dans le quotidien de la danse. Les contributions s’adressent aux pédagogues de la danse, aux danseur·euse·s et aux institutions de formation, et montrent comment concevoir des environnements d’entraînement durables et favorables à la santé. Cliquez ici pour consulter le numéro complet en anglais. Référence source: IADAMS:https://bulletin.iadms.org/index.php/iadms/issue/view/162/183 Fotocredit: KI generiert Share
Danse communautaire Social Un espace sûr pour les jeunes femmes – portrait de roundabout roundabout est une offre de la Croix-Bleue et s’adresse aux filles et aux jeunes femmes. Dans un espace protégé, roundabout associe danse, communauté et échanges, créant ainsi un lieu où les participantes peuvent développer leur confiance en elles, renforcer leur bien-être et s’épanouir personnellement. Ce qui caractérise particulièrement roundabout, ce sont les personnes engagées qui portent le projet. Avec beaucoup d’engagement, les responsables de groupe, les collaboratrices et les bénévoles créent un espace sûr dans lequel les jeunes se sentent les bienvenues et prises au sérieux. En tant que projet important de promotion de la santé et de prévention, roundabout apporte une contribution précieuse à de nombreux jeunes dans toute la Suisse. Lisez ici l’interview de Luana Canzoneri, de roundabout. Luana, comment es-tu arrivée chez roundabout? Cette histoire remonte à plusieurs années – à ma vingtaine – et a commencé par différents détours. À cette époque déjà, certaines de mes amies étaient actives chez roundabout en tant que responsables de groupe. Durant cette période, j’ai eu l’occasion d’animer ici et là des ateliers cantonaux pour roundabout ZHGL. Un mardi de l’année 2015, on m’a contactée pour assurer un remplacement de dernière minute dans le groupe Youth à Zurich Enge. C’est ainsi que j’ai finalement repris ce groupe de manière fixe. Peu après, nous y avons également créé un groupe Kids, que j’ai dirigé jusqu’en 2024. En 2017, un poste s’est libéré au sein de l’équipe cantonale et m’a été proposé. Depuis lors, j’ai également pu contribuer au niveau stratégique et coacher et accompagner nos responsables de groupe dans leur précieux travail. Tu as dirigé un groupe pendant 10 ans et tu reprendras, à partir du 1er mai 2026, la direction régionale de roundabout pour Zurich/Glaris et Argovie/Suisse centrale. Qu’est-ce qui t’a motivée à t’engager à l’époque – et qu’est-ce qui te motive encore aujourd’hui à faire partie de roundabout? Je me suis fixé comme objectif de créer autant de souvenirs que possible dans ma vie – pour moi, mais aussi pour les autres. Car je crois qu’au final, c’est exactement cela que nous emportons avec nous. roundabout ne crée pas seulement de nombreux souvenirs pour nos participantes, mais offre aussi un espace sûr où l’on peut se découvrir et grandir – et repartir avec un bon « petit sac à dos » pour le monde extérieur. Pour les filles et les jeunes femmes en particulier, le système dans lequel nous vivons n’est pas toujours simple. Il est d’autant plus précieux d’avoir une « sisterhood » qui renforce et soutient – associée à la danse. Et nous, les danseuses, savons à quel point la danse peut nous donner confiance en nous. Que signifie pour toi personnellement l’entraînement chez roundabout? Qu’est-ce qui le rend particulier par rapport à d’autres offres de danse? Chez roundabout, les relations sont au centre. Nous dansons ensemble – un peu comme dans une école de danse. Chacune peut venir telle qu’elle est. Mais ce qui nous distingue particulièrement, c’est le moment convivial. Il offre un espace pour rendre le monde extérieur – qui peut parfois être bruyant et déroutant – un peu plus calme. Un espace sûr où l’on peut se poser et réfléchir à ce qui nous préoccupe avec des personnes partageant les mêmes valeurs. Car malheureusement, il n’est pas évident pour tout le monde d’avoir dans son entourage des personnes de référence – que ce soit dans la famille ou parmi les amies – auprès desquelles on peut se montrer sous toutes ses facettes. Chez nous, cet espace existe, si l’on souhaite l’utiliser. Tout est possible, rien n’est obligatoire. Souvent, il peut déjà être très bénéfique de laisser tout le reste de côté pendant 90 minutes – pour danser, être soi-même et simplement bavarder un peu. Des études montrent que de nombreuses participantes font état d’un bien-être accru et d’une image corporelle positive. Comment perçois-tu cet impact dans ta pratique? Référence aux résultats de l’étude : 83 % des participantes signalent un effet positif sur leur bien-être ; par rapport aux résultats de l’étude HBSC 2022, les participantes de roundabout sont plus satisfaites de leur image corporelle que les adolescentes suisses. Comme chez roundabout la performance n’est pas au premier plan, un facteur de pression important peut déjà disparaître dès la séance d’essai. Cela permet un accès plus rapide aux sensations – et de découvrir à quel point il peut être réjouissant de se sentir soi-même, de ressentir son corps et de bouger. Et grâce au moment convivial, une occasion précieuse s’offre également de remettre en question les exigences de notre société – en particulier envers les jeunes filles et les jeunes femmes – et d’en discuter ensemble. L’étude montre également que 61 % des participantes sont devenues plus actives au quotidien depuis leur participation à roundabout. Cela correspond-il à ce que tu observes dans ton travail chez roundabout? La première chose qui me vient à l’esprit est le dicton allemand « Qui se repose rouille ». Nos participantes ne restent pas inactives : elles viennent s’entraîner chaque semaine et découvrent le plaisir du mouvement. En même temps, je dirais que cela s’applique à pratiquement toutes les offres qui incitent les personnes à bouger. Le sentiment d’appartenance est un élément important chez roundabout. En tant que responsable régionale, comment favorises-tu ce sentiment d’appartenance et de confiance?* Référence aux résultats de l’étude : 95 % se sentent appartenir au groupe ; 87 % peuvent discuter de leurs problèmes avec une personne de confiance dans le groupe ; la communauté constitue un facteur central pour la santé mentale. C’est comme une goutte qui tombe dans l’eau et crée des vagues. Tout ce que nos responsables de groupe font chaque semaine avec les participantes, nous essayons à notre tour de le vivre au sein de l’équipe cantonale pour nos responsables. Nous créons pour elles un espace sûr – sous forme de rencontres de responsables ainsi que de formations cantonales et nationales. En même temps, nous restons en étroit échange avec elles. Et souvent, sans même s’en rendre compte, elles transmettent automatiquement ce qu’elles vivent elles-mêmes. Quelles opportunités et quels défis vois-tu pour l’avenir de roundabout dans ton rôle de responsable régionale?* À une époque où le monde numérique semble occuper toujours plus d’espace, je vois en même temps une grande opportunité : que les contacts sociaux retrouvent de l’importance à l’avenir. roundabout offre précisément un lieu pour cela – où l’on se rencontre, danse ensemble, transpire et entre dans de véritables échanges. Le défi consiste peut-être à traverser cette période intermédiaire – jusqu’à ce que cela revienne davantage au centre. Mais je pense que nous nous en sortons plutôt bien. www.roundabout-network.org Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 03/2026, Annatina Luck Fotocredit: David Fürst Share
Motivation & développement DancePodGuest Entre discipline et autodétermination La danse classique est considérée comme l’incarnation même de la discipline, de la précision et de la perfection. Derrière l’apparente légèreté sur scène se cachent toutefois d’importantes exigences physiques et mentales. La danseuse de ballet active à l’international Giulia Tonelli fait partie de ces artistes dont la carrière incarne, tout en questionnant, de nombreuses représentations traditionnelles du ballet classique. Dans un entretien avec TAS, Giulia évoque son parcours artistique, sa collaboration avec des chorégraphes marquants tels que Jirí Kylián et Hans van Manen, ainsi que ses expériences au sein de grandes compagnies européennes. Elle offre ainsi un aperçu rare de la réalité de sa profession. Une partie centrale de l’entretien est consacrée à un tournant important de sa vie : la maternité. Giulia Tonelli raconte comment cette expérience a transformé son rapport au corps, à la performance et à la pratique artistique. Elle remet ainsi en question certaines représentations existantes concernant les femmes, la carrière et la maternité dans le ballet professionnel. Aujourd’hui, Giulia Tonelli s’engage de plus en plus comme voix en faveur de davantage d’ouverture et de changement dans le monde de la danse. Elle aborde les thèmes de la résilience, de l’autodétermination ainsi que le développement de nouveaux modèles et conditions de travail pour les danseuses. Cet entretien se comprend ainsi non seulement comme une rétrospective personnelle d’une carrière internationale, mais aussi comme une réflexion sur la question suivante : comment rester présente à la fois sur scène et dans la vie ? Cliquez ici pour écouter le podcast en anglais. Site web: gtonelli.net Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 03/2026, Annatina Luck Fotocredit: Carlos Quezada Share
Danse pour enfants & adolescents Social Quand la danse ouvre des portes Un espace protégé où personne n’est jugé, où les erreurs sont permises et où le mouvement devient langage : le projet de danse Kids in Dance ouvre aux jeunes de nouvelles possibilités de se découvrir. Pendant deux semaines, ils répètent au théâtre Gessnerallee, développent ensemble une pièce scénique et se dépassent peu à peu. Ce qui en naît est bien plus que de la danse : c’est un lieu d’appartenance. Cliquez ici pour lire l’article: Plus d’informations sur « Kids in Dance ». Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 03/2026, Annatina Luck Fotocredit: © D. Münch Share
Danser en vieillissant Dance Science Le pouvoir émotionnel de la danse chez les personnes âgées Dans son mémoire de master à l'Université de Berne (2024), Sabrina Jud s'intéresse à la danse chez les personnes âgées, en tant qu'activité physique suscitant des émotions. Elle a étudié comment des états émotionnels tels que la joie et l'activation se développent avant, pendant et après la danse. Le contexte social a également joué un rôle important dans cette étude. Les résultats montrent que la danse n'agit pas seulement sur le corps, mais déploie également son pouvoir particulier dans l'interaction entre le mouvement, l'expérience individuelle et l'expérience collective. Vous pouvez lire le résumé ici en anglais Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 02/2026, Annatina Luck Fotocredit: AI generated Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie Le potentiel de la danse à l'école : conclusions issues de la recherche Le PD Dr Valentin Benzing est responsable d’un groupe de recherche et postdoctorant dans le domaine de la pédagogie du sport à l’Institut des sciences du sport de l’Université de Berne. Ses recherches apportent des connaissances importantes sur la façon dont des formes de mouvement comme la danse peuvent influencer positivement les processus de développement cognitif, social et émotionnel des enfants et des adolescents. Dans cette interview, nous abordons le potentiel de la danse à l’école et la manière dont elle peut favoriser l’apprentissage, la motivation et le bien-être. Tu peux lire l'interview ici Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 02/2026, Annatina Luck Fotocredit: AI generated Share
Évolution du style & esthétique Culture Un dialogue sans paroles Dans ce nouvel épisode de notre série « Fascination Danse », nous plongeons dans l’univers du tango argentin, une danse nourrie par la connexion, la présence et la sensibilité musicale. Né à Buenos Aires et à Montevideo, il raconte des histoires d’intimité, de tension et d’improvisation. Chaque pas naît dans l’instant, porté par le dialogue entre la musique et les danseuses et danseurs. Cette danse se déploie dans une étreinte, dans un subtil jeu de conduite et d’écoute. Le tango argentin est moins une succession de pas qu’une véritable conversation : intuitif, émotionnel, marqué par l’élégance et l’ancrage. En Suisse également, la scène du tango est dynamique, avec des milongas, des cours et des professeur.e.s passionné.e.s qui transmettent toute la richesse de cette danse. Cliquez ici pour voir la vidéo > Faszination Tanz – Tango Argentino Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 12/2025 Fotocredit: Canva Image Library Share
Rehabilitation & thérapie Pédagogie La perception corporelle comme voie d’apprentissage Christine Scheidegger travaille avec des personnes qui sortent des cadres habituels. Elle enseigne individuellement à des enfants et des adolescents présentant des troubles du comportement, souvent diagnostiqués autistes et/ou atteints de TDAH. Afin de stimuler de manière ciblée leurs intérêts, leur conscience corporelle et leur confiance en eux, Christine intègre la psychomotricité et le mouvement à son enseignement. Ses élèves développent ainsi une nouvelle confiance en soi et font leurs premiers pas vers une meilleure intégration scolaire. Christine a une idée précise des aspects de la danse qu’elle souhaite explorer dans le cadre du CAS Health & Performance, et nous sommes ravis de l’accompagner dans cette aventure. Christine, comment as-tu commencé, et comment as-tu vécu le début de vos études? Au départ, j’étais très curieuse de découvrir les personnes que j’allais rencontrer au cours de cette formation. Après la première semaine de cours, en juillet, j’ai été enthousiasmée par la diversité et le mélange des profils venus du monde entier. Andrea Schärli a su concevoir le MAS Dance & Science de manière à permettre aussi bien aux danseurs professionnels, aux professeurs de danse qu’à des personnes issues d’autres domaines, comme moi, de se former parallèlement à leur activité. L’ambiance de travail est très ouverte, collaborative, et les expériences des participants sont d’une grande diversité. C’est une vraie source d’enrichissement. J’ai donc très bien démarré, et bien sûr, le fait d’aimer la recherche me motive énormément. Qu’est-ce qui t’a poussée à choisir le CAS Health & Performance ? Quel domaine de recherche ta fascine particulièrement? Je souhaite acquérir des bases solides sur le corps, en anatomie, en orthopédie, etc., en lien avec le mouvement et la danse. J’aimerais aussi découvrir différentes méthodes d’entraînement. Chez mes élèves, je constate souvent des restrictions physiques ou des schémas de mouvement monotones, que j’aimerais pouvoir aborder de manière ciblée. La danse comme moyen d’améliorer la santé physique et psychique des enfants et des adolescents est au cœur de mon intérêt. Lors de mon évaluation sur les méthodes de recherche, j’ai d’ailleurs découvert un nouveau champ fascinant : la danse intergénérationnelle. Il a été démontré que les effets de l'entraînement dans les groupes intergénérationnels sont supérieurs à ceux des groupes spécifiques à un âge à plusieurs égards. Je suis certaine que je découvrirai encore beaucoup d’autres thématiques passionnantes au fil de mes études. Comment vis-tu les enfants et les adolescents pendant vos cours? Pourrais-tu partager un exemple concret illustrant pourquoi la danse est particulièrement bénéfique pour les personnes atteintes de TDAH? Les enfants et les adolescents avec lesquels je travaille refusent souvent d’apprendre ce qu’on attend d’eux et veulent décider eux-mêmes de leurs activités. Comme cela n’est pas possible dans un cadre scolaire classique, ils viennent me voir pour des séances individuelles. Je peux vous donner un exemple : j’ai accueilli un garçon de sept ans qui avait été renvoyé de trois écoles en raison de son comportement. Il rejetait tout ce que je lui proposais, sa confiance envers les enseignants était profondément ébranlée. Il m’a vite fait comprendre qu’il aimait écouter fort la musique et danser. Pour répondre à ce besoin, je l’ai emmené dans la forêt, en lui expliquant que nous pourrions y écouter de la musique à plein volume et danser librement. Le sol irrégulier l’a immédiatement ralenti, sans que j’aie besoin d’intervenir. Il dansait de manière très intense, monotone et incontrôlée, mais il savourait cette liberté et se sentait accepté. Peu à peu, je l’ai amené à découvrir de nouveaux mouvements à travers le jeu du miroir – par exemple, marcher lentement. Dès qu’il a pris davantage contact avec le sol, nous avons élargi son espace de mouvement : nous avons dansé autour des arbres et couru sur les collines. Grâce à cette expérience positive du mouvement et au plaisir qu’il y a trouvé, il s’est progressivement ouvert à d’autres apprentissages, comme celui des lettres. Pourquoi penses-tu que la danse et le mouvement ont particulièrement aidé ce garçon? Je pense qu’il a pu me faire confiance et se sentir en sécurité parce que j’ai pris son besoin au sérieux. Le mouvement l’a aidé à canaliser son agitation et à mieux percevoir son corps, ce qui lui a permis de se réguler plus facilement. En même temps, il a ressenti de la joie et de la réussite en dansant, ce qui a renforcé sa confiance en lui. C’est mon interprétation. Mais je souhaite aller plus loin dans la compréhension de ce qui aide réellement un enfant – c’est d’ailleurs l’une des raisons pour lesquelles j’ai choisi ces études. Quels enseignements espères-tu tirer pour ton travail en tant qu’enseignante spécialisée? Mon objectif est de proposer des séances individuelles et des groupes destinés aux personnes atteintes d’autisme et/ou de TDAH, axés sur le mouvement et la perception corporelle. Mais je souhaite d’abord élargir mes horizons. Ce serait bien de mieux cerner quel type d’offre pourrait également être bénéfique pour ces enfants et adolescents en dehors du cadre scolaire. Quels sont tes objectifs ou ta vision personnels? Ma vision est de permettre à d’autres enseignants ou à des proches d’accompagner consciemment les enfants et les adolescents à travers le mouvement, afin de les soutenir de manière bienveillante et active. Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 11/2025, Annatina Luck Fotocredit: Designed by Freepik Share
Corporéité & somatique Dance Science Pratiques artistiques entre stabilisation et déstabilisation L’ouvrage collectif Routinen im Tanz (Routines en danse) s’intéresse à la manière dont les routines agissent dans la pratique chorégraphique contemporaine, et à la façon dont elles génèrent de la stabilité tout en rendant possible le changement. La routine est souvent perçue comme une source d’ennui et de désintérêt, transformant les personnes en machines. C’est quelque chose dont beaucoup veulent s’éloigner – notamment dans le domaine artistique, où la routine est peu valorisée, contrairement à la créativité et à l’improvisation, très appréciées. L’art serait censé représenter l’exact opposé de la routine. Longtemps, les routines ont été envisagées comme quelque chose pouvant mener à l’immobilisme. Ces dernières années, cependant, la recherche a montré que les routines sont de plus en plus comprises comme des déclencheurs de processus de changement et de transformation. Les contributions de ce volume montrent que les routines en danse sont complexes. Elles structurent les processus de travail, rendent possible la collaboration et ouvrent des marges pour l’innovation esthétique. Les routines allègent la perception, la cognition et la réflexion. La multitude de routines du quotidien constitue la condition préalable permettant de tourner l’attention vers le changement et la nouveauté. À une époque marquée par de multiples crises sociales, l’importance de routines dynamiques capables de réagir aux écarts passe au premier plan. Ainsi, Gabriele Klein montre que les routines ne sont pas de simples répétitions : elles consolident et transforment simultanément. Routine et transformation sont indissociablement liées. Dans un processus de recherche artistique, Katarina Kleinschmidt étudie comment des ordres de connaissances émergent lors des répétitions, comment ils se stabilisent puis se déstabilisent temporairement, et comment les interprètes doivent y développer leur propre logique. D’autres contributions portent sur les pratiques d’écriture et de notation qui accompagnent, documentent et influencent les processus chorégraphiques. Noter – que ce soit dans des journaux de mouvement, des audiodescriptions ou des partitions graphiques – génère ses propres routines, lesquelles influencent les décisions esthétiques. Un autre axe porte sur les routines de transmission et de perception. Il s’agit ici des habitudes linguistiques dans l’enseignement, des processus corporels de préparation tels que l’échauffement ou la mise en condition, ainsi que des attentes du public. On voit clairement dans quelle mesure la perception de la danse est marquée par des routines culturellement acquises – et à quel point cela peut dérouter lorsque des productions rompent ces attentes, comme lors de la création de la pièce Macbeth de Pina Bausch. Le volume examine également de nouvelles formes de pratique dans l’espace numérique. Les réseaux sociaux, les nouveaux modes d’apprentissage et les systèmes d’entraînement et de perception basés sur l’intelligence artificielle modifient la manière dont le mouvement est produit, partagé et compris. Enfin, les textes éclairent les routines dans des institutions telles que les théâtres et les hautes écoles. Ils montrent que si les routines sont nécessaires dans le contexte institutionnel, elles doivent néanmoins être constamment renégociées lors de bouleversements – par exemple lors d’un changement de direction. L’exemple du Tanztheater Wuppertal révèle lui aussi que répétition et renouveau ne sont pas des opposés, mais forment un champ de tension qui s’interpénètre. Dans l’ensemble, le volume ne considère pas les routines comme des structures figées, mais comme des processus vivants. Ceux-ci façonnent les décisions esthétiques, influencent les dynamiques institutionnelles et ouvrent en même temps des espaces pour l’irritation, le changement et la réorientation. Les routines en danse apparaissent ainsi comme des moteurs de dynamiques artistiques aussi bien que sociales. Vous pouvez lire l’intégralité du livre ici (allemand/anglais). Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 11/2025, Annatina Luck Fotocredit: Adobe Shutterstock Share
Inclusion & accessibilité Social Danser aux Special Olympics « La danse, c’est notre passion ! » – Victoria Kälin et Lukas Hämmerli ont décroché la troisième place aux Special Olympics World Winter Games à Turin. Ils sont le premier couple suisse à participer, puisque la danse est toute nouvelle aux Special Olympics Switzerland. Le TVS a rencontré le couple et leurs coachs, Christine Hämmerli et Philipp Anliker. Tu peux lire l'interview ici En savoir plus sur Victoria Kälin et Lukas Hämmerli Reportage vidéo de la SRF > Sportpanorama - Sie wollen sich bei den Winter-Special-Olympics in die Herzen tanzen En savoir plus > Special Olympics Switzerland Référence source: TVS10/2025/AL Fotocredit: Foto: © WeArePepper / Sebastian Schneider Share
Entraînement & apprentissage Dance Science Les différences entre les sexes dans le ballet professionnel exigent un entraînement complémentaire personnalisé Dans son mémoire de master à l’Université de Berne (2024), Cara Hopkins a analysé les différences de performance entre danseuses et danseurs de ballet, à partir des données du projet Dancer’s Health Dans le ballet classique, le répertoire et la qualité des mouvements varient sensiblement entre les femmes et les hommes. Si les sciences du sport et de la danse se sont déjà penchées sur les différences fonctionnelles entre les sexes, les résultats obtenus jusqu’à présent demeurent peu cohérents. Hopkins a approfondi cette question à l’aide de tests fonctionnels mesurant la stabilité, l’endurance, la force et la capacité de saut. Les conclusions sont claires : des différences marquées existent entre les sexes. Son constat principal : un entraînement complémentaire ciblé est indispensable. Il doit être spécifiquement adapté aux besoins individuels des danseuses et des danseurs, afin d’optimiser à la fois la performance et la prévention des blessures. Vous pouvez lire le résumé ici en anglais Référence source: Hopkins, Cara, (2024) Sex Differences in Functional Performance Tests of Professional Ballet Dancers (Masterarbeit, Universität Bern). TanzVereinigung Schweiz TVS, 10/2025 Fotocredit: KI-generiert Share
Motivation & développement Dance Science Les cours de danse sous la loupe : comment les élèves perçoivent leurs professeurs et ce qu’elles en attendent En 2024, Ulrike Gross a obtenu son master en Dance Science à l’Université de Berne. Elle prépare actuellement un doctorat en sciences du sport à l’Université Otto-von-Guericke de Magdebourg. En tant que pédagogue de la danse, elle s’est penchée sur une question essentielle : comment les étudiantes en formation professionnelle perçoivent-elles leurs enseignant·es, et quelles améliorations souhaiteraient-elles voir dans l’enseignement de la danse ? Pour son mémoire, elle a mené des entretiens avec de jeunes danseuses âgées de 17 à 25 ans, portant sur leurs expériences vécues en cours. Ses recherches ont révélé que toutes les participantes adhèrent encore à une conception traditionnelle selon laquelle la formation en danse repose sur un modèle autoritaire et hiérarchique. Elles acceptent des enseignant·es exigeant·es, qui tiennent rarement compte de leurs besoins, et considèrent cela comme la norme. Pourtant, en contradiction avec cette vision, les danseuses expriment une nette préférence pour un climat d’apprentissage plus bienveillant et orienté vers les tâches. L’étude met ainsi en lumière un paradoxe marquant : ces jeunes artistes ont intégré des modèles d’entraînement classiques qui s’opposent à leurs propres attentes en matière de transparence, de dialogue et de soutien. Lisez ici le résumé d’Ulrike en anglais Suivez Ulrike sur Instagram Découvrez ici les tendances et les défis de la pédagogie actuelle de la danse Référence source: Ulrike Gross (2024). How do Dancers Experience their Teachers? (Masterarbeit, Universität Bern). TanzVereinigung Schweiz TVS, 10/2025 Fotocredit: KI generiert Share
Corporéité & somatique DancePodGuest La conoscenza è il primo passo verso la prevenzione L’amour de la danse, la fascination pour le mouvement et la recherche sur les liens entre biomécanique et psychosomatique sont au cœur du travail de Liane Simmel, médecin et ostéopathe. Comment fonctionne notre corps ? Comment rester en bonne santé et performant malgré les exigences physiques élevées ? Dans l’interview DancePodGuest, Liane Simmel répond à ces questions et à bien d’autres encore. Elle parle de son engagement pour la médecine de la danse, insiste sur l’importance de l’autonomie dans les processus de guérison et d’apprentissage, et explique comment les écoles de danse, les enseignants, mais aussi les danseurs eux-mêmes peuvent contribuer à promouvoir une pratique respectueuse du corps et à développer une approche saine de la danse. La Dre Liane Simmel dirige l’Institut de médecine de la danse Fit for Dance. Parallèlement à sa carrière de danseuse, elle a étudié la médecine et l’ostéopathie. Aujourd’hui, elle exerce comme médecin spécialisée en médecine du sport, médecine de la danse, ostéopathie et spiraldynamik, et accompagne également des sportifs en tant que coach en psychologie du sport. Elle enseigne la médecine de la danse dans plusieurs établissements d’enseignement supérieur. Ses deux ouvrages, Tanzmedizin in der Praxis et Ernährung für Tänzer, traduits en plusieurs langues, font désormais référence dans le domaine. Pour son rôle pionnier, elle a reçu en 2016 le prix de reconnaissance du Prix allemand de la danse. Écouter le podcast (DE) > DancePodGuest Liane Simmel Site web Liane Simmel > www.fitfordance.de Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 06/25, AL Fotocredit: Ingolf Hatz Share
Promotion de la santé Médecine Un tabou enfin abordé Les sujets spécifiques aux femmes, tels que le cycle menstruel et la grossesse, restent trop souvent tabous dans le monde de la danse et du sport de haut niveau. Et lorsqu’on les évoque, c’est généralement de manière superficielle. Dans la nouvelle édition de son ouvrage “Tanzmedizin in der Praxis”, la Dre Liane Simmel consacre justement un chapitre entier à la question du cycle féminin en lien avec la danse. Directrice de l’Institut de Médecine de la Danse Fit for Dance, Liane Simmel est elle-même ancienne danseuse et chorégraphe. C’est son intérêt profond pour le fonctionnement du corps humain qui l’a conduite à la médecine. Aujourd'hui médecin du sport spécialisée en danse, ostéopathe, spécialiste de la spirale dynamique et coach en psychologie du sport, elle enseigne la médecine de la danse à l’université et est sollicitée à l’international pour des interventions sur la santé du danseur. Qu’est-ce qui vous a poussée à aborder ce sujet ? Plusieurs raisons m'ont conduite à m'y intéresser. Mais à l’origine, c’est mon éditeur qui m’a proposé ce sujet, que j’ai tout de suite été enthousiasmée par l’idée. Souvent, on parle du «?corps?» de manière générale, tandis que les spécificités propres aux femmes ne sont abordées qu’en passant… alors que la grande majorité des danseurs sont justement des danseuses ! Et plus généralement, la recherche médicale repose encore trop souvent sur des modèles masculins. Or, on ne peut pas simplement appliquer aux femmes des conclusions établies à partir d’études menées chez les hommes. La recherche spécifique aux femmes est plus compliquée, justement à cause du cycle menstruel : une femme est différente d’un jour à l’autre. Ce changement permanent est un défi majeur pour la recherche, où tout reste encore à construire. Aujourd'hui, nous connaissons généralement le cycle menstruel en soi, mais nous en savons étonnamment peu sur son influence précise sur les autres fonctions du corps. C’est justement pour cela que j’ai tenu à jouer la carte de la sincérité dans mon livre : détailler ce que nous savons réellement à ce jour, ainsi que tout ce que nous ne maîtrisons pas encore. Ce qui m’a particulièrement marquée, c’est que moi-même, malgré ma formation médicale et le fait d’être une femme, j’aurais aimé découvrir plus tôt certaines notions liées à mon propre cycle. C’est justement pour poser ces bases que j’ai écrit ce chapitre : inviter chacune à s’intéresser à son propre cycle menstruel. Et même si nous n’avons pas toutes les réponses aujourd'hui, l’important est justement de commencer à en parler. Quel est l’impact du cycle menstruel sur le corps, l’énergie et le bien?être psychologique ? Et à quoi faut?il prêter attention en danse selon les différentes phases du cycle ? Le cycle menstruel comprend quatre phases, et la manière dont elles affectent la capacité à s’entraîner reste extrêmement individuelle. Quand on demande aux danseuses à quel moment elles se sentent le plus en forme, on constate une grande diversité de réponses. Néanmoins, des tendances générales émergent, ainsi que quelques études scientifiques illustrant la manière dont les tissus du corps répondent en fonction de la phase du cycle. La phase menstruelle C’est la période des règles, qui commence le premier jour des menstruations. Généralement, les danseuses se sentent plus fatiguées, ont davantage envie de repos, et la récupération nécessite plus de temps. Cette phase peut s’accompagner de symptômes variés, liés à la situation hormonale ainsi qu’aux contraintes mécaniques du corps. C’est pourquoi je recommande généralement d’être plus à l’écoute de soi-même à ce moment du cycle, et de réduire légèrement l’intensité de l’entraînement si possible. La phase folliculaire Les taux d'œstrogènes commencent à remonter, et avec eux, l’énergie générale ainsi que la motivation à s’entraîner. Généralement, c’est la meilleure période pour construire du muscle, renforcer le corps et découvrir de nouvelles chorégraphies, car la concentration, la précision du mouvement ainsi que la capacité d’apprentissage sont accrues. Des études scientifiques suggèrent d’ailleurs que le renforcement musculaire est plus efficace pendant la phase œstrogénique. Bon à savoir pour les danseuses : l’augmentation du taux d'œstrogènes rend le tissu conjonctif plus souple. C’est un avantage en termes de souplesse générale, mais cela accroît aussi le risque de blessures. Il est donc conseillé de ne pas trop forcer sur les exercices d’assouplissement pendant cette phase, pour éviter des microtraumatismes. La phase ovulatoire C’est à ce moment du cycle que la testostérone entre en jeu, ainsi que la prise de risque. Et justement, plus on approche de l’ovulation, plus le risque de blessure devient important — notamment en ce qui concerne la rupture du ligament croisé antérieur du genou, qui atteint son pic de vulnérabilité à ce moment précis du cycle. Il est donc préférable d’être plus vigilante pendant cette période, notamment lors des exercices impliquant des sauts complexes ainsi que des combinaisons sollicitant intensément les genoux. La phase lutéale Pendant cette phase, la température basale du corps augmente généralement d'environ 0,5?degré. Certaines femmes décrivent des bouffées de chaleur ainsi qu'une transpiration plus abondante. Il est donc important de s’hydrater suffisamment pour compenser la perte de liquide. Vers la fin de cette phase, de nombreuses danseuses ressentent une sensation de lourdeur au niveau du bassin, ainsi qu'une gêne liée à des ballonnements, voire des symptômes prémenstruels marqués tels que des douleurs et des crampes. À ce moment du cycle, il est généralement peu utile de s’entraîner à intensité maximale. C’est également une période où la tension du bassin change : la muqueuse utérine s’épaissit, devient plus lourde, ce qui peut exercer une traction sur les ligaments qui maintiennent l'utérus en place. Vers la fin de la phase lutéale, juste avant les règles, le sacrum a ainsi tendance à basculer légèrement vers l’avant. De nombreuses danseuses, notamment en danse classique, ont alors du mal à maintenir un bassin correctement aligné et peuvent ressentir une accentuation de la lordose lombaire. Dans ce cas, un simple travail de respiration en position allongée peut apporter un réel soulagement. C’est également à ce moment que le bas?ventre ainsi que la sangle abdominale profonde deviennent plus difficiles à mobiliser, donnant à certaines femmes l’impression d’avoir un petit ventre arrondi. C’est un phénomène totalement normal et temporaire, sans lien direct avec une prise de poids. Il n’y a donc pas lieu de s’inquiéter ! Pendant cette phase du cycle, il peut justement s’avérer utile de mettre davantage l’accent sur les aspects artistiques et musicaux du travail en danse, plutôt que de rechercher à tout prix la performance technique. Et qu’en est?il du lien entre alimentation et cycle menstruel ? Il est délicat d’établir des règles générales en matière d’alimentation selon les phases du cycle. Bien sûr, certains ouvrages détaillent des recommandations spécifiques pour chaque phase du cycle, mais lorsqu’on creuse, on s’aperçoit généralement qu’il s’agit de témoignages individuels isolés. Évidemment, l’alimentation joue un rôle majeur, mais elle ne doit pas devenir trop rigide. Ce que je recommande, c’est de développer une alimentation intuitive où vous restez à l’écoute de votre corps. À trop vouloir tout maîtriser par des règles extérieures, on finit par perdre la capacité d’écouter ses propres besoins. Pendant les règles, où l’on perd du fer, il peut effectivement être utile d’augmenter la part d’aliments riches en fer. Et lorsqu’on sait que certaines femmes peuvent souffrir de diarrhée en fin de cycle, limiter la consommation d’aliments trop fermentescibles (choux, légumineuses, etc.) peut apporter plus de confort. Mais là encore, tout dépend des personnes : beaucoup de femmes ne ressentent absolument rien de particulier, et il serait inutile de leur imposer des restrictions spécifiques. Et qu’en est?il du syndrome prémenstruel (SPM) ? Quelles en sont les causes et comment les danseuses peuvent?elles y faire face ? On parle généralement de dysménorrhée lorsque des règles s’accompagnent de douleurs spasmodiques. Et l’on parle de syndrome prémenstruel (SPM) lorsque ces douleurs ainsi que les variations de l’humeur entravent la vie quotidienne. Souvent, la frontière entre les deux est floue. Les causes du SPM ne sont pas entièrement connues à ce jour. Ce que nous savons, c’est que les fluctuations hormonales — notamment la chute du taux de progestérone — peuvent engendrer des symptômes plus marqués chez certaines femmes que chez d’autres. Il est probable qu'une composante génétique soit en jeu, car lorsqu'une mère en est affectée, ses filles ont plus de risques de l’être à leur tour. On observe également que, pour certaines femmes, le SPM s’atténue ou disparaît après une première grossesse. Mais nous manquons encore de recul ainsi que d’études spécifiques pour en comprendre tous les mécanismes et proposer des traitements ciblés. Pour le moment, l’approche repose principalement sur la prise en charge des symptômes. Quel message souhaitez?vous transmettre aux danseuses ainsi qu’aux enseignants ? Il est crucial de garder à l’esprit que nous ne sommes pas la même personne tous les jours, que nous ne disposons pas du même état de ressources chaque jour du cycle. C’est justement pour cela qu’il est important d’apprendre à s’écouter, à identifier ce que l’on est capable de faire ce jour-là, ainsi que ce dont on a réellement besoin. À mes yeux, la capacité de s’adapter ainsi à soi?même est fondamentale. Ce point est d’autant plus important que la danse repose généralement sur un travail de groupe, où tout le monde est censé exécuter les mêmes exercices, au même moment. Bien sûr, on ne peut pas attendre des danseuses qu'elles synchronisent toutes leur cycle menstruel (à l’image des sœurs dans un couvent !), ce qui rend la prise en compte du cycle d’autant plus délicate en contexte de cours collectif. C’est justement pour cela que je plaide pour une plus grande proactivité de la part des écoles et des enseignants. Ouvrir le dialogue, créer un climat de confiance où chacune peut s’exprimer librement est à mes yeux un élément central. Il me semble également important que des produits d’hygiène soient mis à disposition dans les vestiaires des institutions de danse. C’est un petit geste qui permet d’éviter à une danseuse de demander timidement : « Auriez?vous un tampon, par hasard?? ». De plus en plus d’écoles posent justement des questions spécifiques aux jeunes danseuses à propos de leur cycle menstruel : est?il présent, est?il régulier?? L’objectif est de sensibiliser les plus jeunes à l’importance de consulter un·e gynécologue en cas d’anomalies. Car si le cycle devient irrégulier, trop espacé, voire inexistant, cela peut signaler un déséquilibre majeur du métabolisme ainsi qu'un éventuel état de RED?S (Déficit Énergétique Relatif), fréquent en danse. C’est pourquoi je tiens à rappeler à toutes les danseuses que leur cycle menstruel est un outil extrêmement précieux pour évaluer leur état de santé générale. Si vos règles sont régulières, vous pouvez généralement conclure que vos ressources métaboliques ainsi que la manière dont vous prenez soin de votre corps vous permettent de répondre à vos besoins du moment. Et je trouve que c’est une manière extrêmement positive de concevoir les choses?! Et du côté des plus jeunes danseuses?? Aujourd'hui, l’âge moyen des premières règles est d'environ 12,4 ans, justement à une période où la croissance des seins ainsi que d’autres changements corporels ont lieu. Et lorsque je vois des écoles de danse où les filles de cet âge sont contraintes de porter des justaucorps clairs, voire roses, je m’interroge réellement. Qu’attend?on de jeunes filles encore peu expérimentées vis?à?vis de leurs règles, à un moment où elles ne maîtrisent pas encore totalement ce qu'elles vivent?? Beaucoup d’entre elles ressentent une gêne, voire de la détresse, à un âge où tout est en pleine évolution. Et d’autres écoles choisissent de proposer une solution en imposant le port d’un short noir à toutes celles qui ont leurs règles. Mais c’est justement ainsi qu’on stigmatise davantage, qu’on renvoie à une norme du corps féminin où l’on tente de dissimuler à tout prix la menstruation. À mes yeux, c’est totalement inacceptable. Ce sont justement ces détails du quotidien qu’il est crucial d’interroger, en mettant fin au tabou du cycle menstruel ainsi qu’au body shaming. Et cela nécessite avant tout une parole libre ainsi qu’un dialogue ouvert. C’est ainsi que nous ferons évoluer la danse. Pour en savoir plus Site de Liane Simmel?> www.fitfordance.de Bibliographie conseillée „Tanzmedizin in der Praxis“ de la Dre Liane Simmel Anatomie, prévention, recommandations d’entraînement… Un ouvrage accessible, illustré de nombreux exemples, exercices ainsi que de précieux conseils. „Ernährung für Tänzer“ de la Dre Liane Simmel et Eva?Maria Kraft Les notions de base ainsi que des recommandations spécifiques à destination des enseignants de danse, des danseurs professionnels ainsi que des danseurs en formation. Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 06/2025, AL Share
Danse communautaire Social C'est qui, le Dr Pirouette ? Hella est danseuse, professeure de yoga, massothérapeute et clown hospitalier. En plus de se produire sur de grandes scènes, elle apporte la danse et la joie jusque dans les chambres d’hôpital, où elle offre des instants de bonheur aux enfants malades. Dans cet entretien, elle raconte comment est née son personnage, la « Dr Pirouette », et comment elle parvient à établir un lien unique avec les enfants. Grâce à l’humour, à l’empathie et au mouvement, elle réussit à apaiser leurs peurs et à leur rendre le sourire. Pour eux, la danse à l’hôpital devient un moyen d’oublier un moment la maladie et de retrouver un peu de légèreté. Hella montre ainsi que la joie et le mouvement peuvent, même dans les situations les plus difficiles, faire toute la différence. Lire l’entretien complet Liens Site web Documentaire SRF Référence source: Quelle: TanzVereinigung Schweiz TVS, 10/2025, AL Fotocredit: Theodora Stiftung Share
Planification pédagogique Dance Science L'Art of Hosting dans l'enseignement de la danse : une pédagogie centrée sur l’élève Danseuse, pédagogue et chercheuse en sciences de la danse, Ieva Ginkeviciute associe depuis 2009 pratique artistique et réflexion académique. Elle conçoit des espaces où le corps, la danse et l’apprentissage collectif se rencontrent. Dans son mémoire de master (MAS in Dance Science, université de Berne, 2024), elle s’intéresse à une question centrale : comment mettre en place un enseignement véritablement centré sur l’élève, et ce dans différents styles de danse. Pour y répondre, elle a expérimenté des méthodes issues de l’Art of Hosting, telles que le Circle Practice et le World Café. Ces outils de leadership participatif reposent sur l’intelligence collective : partage des savoirs, prise de décision commune et répartition des responsabilités. Transposées à l’enseignement de la danse, ces approches ouvrent la voie à une pédagogie où les élèves contribuent activement à façonner les processus d’apprentissage, favorisant ainsi une atmosphère ouverte, coopérative et stimulante. Les résultats sont parlants : dans le cadre du ballet, ces méthodes ont notamment renforcé la joie de danser et le sentiment de communauté. D’autres styles de danse ont montré des réactions plus nuancées, mais dans l’ensemble positives. L’étude met en évidence qu’un enseignement de la danse n’a pas besoin d’être strictement hiérarchique : les démarches coopératives encouragent la collaboration, l’initiative personnelle et l’esprit d’équipe. Vous pouvez lire le résumé ici Suivez Ieva sur Facebook et Instagram En savoir plus sur Ieva ici Référence source: MAS Thesis Ieva Ginkeviciute, Universität Bern (2024) Fotocredit: T. Brazinskas Share
Planification pédagogique DancePodGuest Mouvement écrit, danse vécue Comment, en tant qu’enseignant·e·s de danse, pouvons-nous créer des espaces d’expression pour nos élèves de danse ? Karin Hermes nous livre un aperçu de sa démarche artistique et pédagogique. Elle souligne l’importance de prendre le temps, de partir de ce qui est présent – son propre corps, ses émotions, ses pensées – pour s’ouvrir à la danse. Karin Hermes est chorégraphe, performeuse, pédagogue de la danse et spécialiste en cinétographie Laban. Elle enseigne à la Haute école des arts de Berne (HKB) dans le cadre du master Musique et mouvement. Elle est également responsable de la médiation de la danse au Bern Ballet et à la Bühne Bern. Passionnée par le patrimoine culturel et l’histoire de la danse, elle a réalisé en 2012 le court-métrage « La Suisse bouge », retraçant 100 ans de création chorégraphique en Suisse. Dans ce podcast, elle revient sur les origines de son intérêt pour la notation chorégraphique, le rôle central de cet outil dans son nouveau roman historique « Purpur », qui se déroule durant la Seconde Guerre mondiale, et l’importance, aujourd’hui plus que jamais, de tirer des leçons du passé. Écouter le podcast (en allemand): DancePodGuest avec Karin Hermes Voir le court-métrage: «La Suisse bouge» 100 années danse en Suisse Site web: hermesdance Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 06/2025, AL Fotocredit: Adina Hermes, Reinhard Winkler Share
Motivation & développement Dance Science Entre médecine, danse et pédagogie Hannah Aerni a obtenu son diplôme fédéral en médecine humaine. Elle enseigne les bases de la médecine conventionnelle dans une école de naturopathie renommée, travaille comme professeure de danse à la Kaiser Tanzschule et à Dancing Classrooms, et comme assistante d’éducation dans une école zurichoise. Elle a également collaboré à des projets de danse pour les élèves de l’Opéra de Zurich en tant qu’assistante chorégraphe. Cet été, avec le soutien de TAS, elle a entamé le MAS in Dance Science... Votre parcours professionnel est impressionnant et témoigne d’une immense passion. Comment vous décririez-vous ? Merci pour ces compliments. Je vois que nous commençons directement par les questions difficiles. Comment je me décrirais... oui, sans hésiter comme passionnée et pleine de joie de vivre. Je suis aussi polyvalente et j’ai des centres d’intérêt variés. Les interactions sociales sont très importantes pour moi, et j’aime transmettre mon enthousiasme aux autres. Enfant, ma mère me décrivait toujours comme flegmatique. Avec le recul, je dirais plutôt que j’étais rêveuse, lente et trop cérébrale. Déjà à l’époque, le mouvement m’aidait énormément à lâcher prise et à ramener mes pensées dans l’instant présent. La danse vous a accompagnée tout au long de votre vie. Pourquoi ? En résumé : la danse me rend heureuse et épanouie. Bien sûr, cela amène à se demander pourquoi. J’ai déjà donné une partie de la réponse à la question précédente. La danse me permet d’être pleinement dans le moment et de relâcher les tensions. Elle m’apporte un rapport positif à mon corps, me donne régulièrement de nouvelles réussites et renforce mon estime de moi. Et bien sûr, elle crée aussi du lien. Vous vous engagez également dans des projets de danse en milieu scolaire. Quelles expériences en retirez-vous ? Beaucoup d’expériences différentes, toutes extrêmement précieuses. La plus grande différence se situe entre les projets intégrés au programme scolaire et les activités facultatives. Les propositions facultatives attirent en général des enfants motivés, qui savent déjà bien s’exprimer par le corps, qui sont ouverts et s’y sentent à l’aise. Les projets obligatoires, eux, me rappellent régulièrement combien d’enfants ont des réticences à danser ou n’y ont simplement jamais été confrontés. C’est alors qu’un intérêt insoupçonné, parfois même une véritable passion, peut se révéler. Les enfants s’épanouissent soudainement et se montrent sous un jour tout à fait différent de celui qu’on voit habituellement à l’école. Ce sont pour moi les plus beaux moments. Vous venez de commencer le MAS in Dance Science. Est-ce une étape importante dans votre parcours professionnel ? Oui, j’ai vraiment l’impression que c’en est une. Après la semaine de lancement, je suis déjà convaincue que cette formation permettra, comme je l’espérais, de construire un pont entre mon bagage médical et ma passion pour la danse et la pédagogie. Qu’attendez-vous de ces études ? Avez-vous une vision ? Je pense qu’on navigue plus sereinement dans la vie si l’on ne s’accroche pas obstinément à une vision figée, mais qu’on accueille l’évolution des choses avec ouverture et curiosité. Cela ne veut pas dire que les souhaits et les objectifs sont inutiles, bien au contraire : ils sont des moteurs essentiels pour mobiliser la volonté et l’énergie nécessaires à l’action et à l’engagement. Mais il est tout aussi utile de rester flexible dans ses projections d’avenir. Avec cette attitude, de nombreuses portes se sont déjà ouvertes pour moi et j’ai vécu des expériences inattendues. Je peux donc envisager de multiples débouchés après ces études : m’engager ou co-créer de nouveaux formats pour la médiation de la danse, travailler dans la promotion ciblée de la santé par la danse, ou encore dans la prévention des accidents chez les professionnels de la danse… Toutes ces perspectives m’enthousiasment, et je suis très curieuse de découvrir ce que l’avenir me réserve ! Nous aussi, et nous nous réjouissons déjà de poursuivre cette conversation. Merci beaucoup pour votre sincérité, et plein de succès dans vos études. Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 08/2025, SaV Share
Histoire de la danse & diversité Culture Premiers romans de Karin Hermes et Jochen Heckmann Écrire, créer, chorégraphier… Les chorégraphes Karin Hermes et Jochen Heckmann signent ici leurs premiers romans. À la croisée de la fiction et de l’Histoire, ils tissent des récits émouvants où la danse occupe une place centrale. « Purpur » – Karin Hermes Berlin, années 1940. Oda Schottmüller, danseuse et sculptrice, est partagée entre la passion de son art et la terreur du régime nazi. Lorsqu’Hans Coppi lui propose de laisser le groupe de résistance de la Rote Kapelle utiliser son atelier pour envoyer des messages radio, elle accepte à contrecœur. Bientôt, elle devient elle-même messagère, dissimulant des informations codées dans des partitions de danse qu’elle transporte de Munich à Zurich. Là-bas, les informations codées sont réceptionnées par Elfriede et transmises au groupe suisse de la Rote Kapelle à Berne, qui les transmet par radio à Londres et Moscou. Oda Schottmüller et ses compagnons sont arrêtés en 1942 et condamnés à mort. Oda danse avec la mort, accompagnée du pasteur de la prison Harald Poelchnau, qui cache secrètement des Juifs. Ce roman bouleversant jette un regard sensible sur la résistance au nazisme et établit un lien inattendu avec le scandale suisse des machines Cryptos, bouleversant la vie de Max, petit-fils d’Elfriede. À propos de l’auteure - Karin Hermes est chorégraphe, performeuse, spécialiste de la notation chorégraphique Kinetographie Laban, ainsi que professeure de danse. Artiste accomplie, elle a reçu à deux reprises le Prix suisse de la danse – Kulturerbe Tanz. Aujourd'hui chercheuse à la Haute école des arts de Berne, elle enseigne en master et est médiatrice en danse pour Bern Ballett et Bühnen Bern. Purpur est son tout premier roman. En savoir plus sur le livre: «Purpur» Plus d'infos sur Karin Hermes > www.hermesdance.com « tanzen fallen fliegen » – Jochen Heckmann Julian rêve de devenir danseur. Loin de chez lui, à Paris, il plonge dans le monde des studios de danse, des théâtres et des nuits bohèmes. Pendant ce temps, son père, resté à l’orée de la Forêt-Noire, tente de surmonter le poids du passé. La découverte d’une petite boîte ayant appartenu à son propre grand-père devient le point de départ d’un voyage à deux à Paris, puis à Berlin, où père et fils voient leurs destins bouleversés à l’aube de la chute du Mur en 1989. Poétique, sensuel, sensible, ce premier roman de Jochen Heckmann tisse des portraits où l’intime rencontre la grande Histoire du XXe siècle en Allemagne et se concentrent dans l'année fatidique de 1989. À propos de l’auteur - Jochen Heckmann (1968) a grandi en Forêt?Noire et a étudié la danse classique et contemporaine à Paris après son baccalauréat. Danseur, pédagogue et chorégraphe, il est actif à l’international. Il a dirigé son propre ensemble à Zurich, a été directeur du ballet à Augsbourg, puis, plus récemment, directeur artistique de la Höhere Fachschule für Bühnentanz à Zurich. Également écrivain, il a publié des nouvelles, des textes en anthologies ainsi que des articles pour des magazines et des programmes. Lauréat du Prix littéraire de Mannheim en 2008, tanzen fallen fliegen* est son premier roman. En savoir plus sur le livre: «tanzen fallen fliegen» Plus d’infos surJochen Heckmann: www.choreoart.net Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 06/2025, AL Share
Planification pédagogique Pédagogie Exploration du corps et de la mobilité Amaris Langel dirige avec Heidi J.M. Roth et Carole Marfurt la formation en technique de danse Chladek® à Winterthur: une méthode unique pour les danseuses et les danseurs, chorégraphes et professeurs de danse. Ensemble, elles forment une équipe polyvalente, riche d’une grande expérience et de compétences variées. Dans cette interview, elle nous parle de son parcours de danseuse et d’enseignante, et nous donne un aperçu de la formation proposée. Vous êtes coresponsable de la formation en mouvement et danse en Suisse. Comment avez-vous découvert la méthode Chladek® ? J’ai commencé à prendre des cours de ballet à l’âge de six ans. À l’adolescence, mon corps ne correspondait plus aux standards corporels exigés dans le ballet. J’ai dû faire face à cette réalité. J’ai alors créé un groupe de danse avec des amis, avec lequel nous avons été invités à participer à des événements pour la jeunesse. Je me sentais plus libre dans ce cadre. À 30 ans, j’ai découvert la méthode Chladek® dans un magazine du BGB et j’en ai parlé avec une amie. Elle avait elle-même rencontré cette technique pendant sa formation de professeure de mouvement. Après un entretien avec Annalies Preisig, alors responsable de la formation en Suisse, j’ai su que je voulais m’engager dans ce parcours. Dans le système Chladek®, le corps n’a pas à se plier à un modèle fixe, et l’improvisation joue un rôle central. Qu’est-ce qui est important pour vous personnellement dans votre rôle de responsable de la formation Chladek® en Suisse ? Quel message souhaitez-vous transmettre aux étudiants ? Il est essentiel pour nous que les étudiant.e.s’engagent dans un processus de découverte, d’expérimentation et de ressenti. Rosalia Chladek mettait en avant le développement personnel du danseur : l’objectif n’est pas d’atteindre une forme définie, mais de se confronter à son propre corps et aux principes du mouvement, de se développer sur les plans personnel, artistique et pédagogique, et de trouver son propre langage corporel. Qu’est-ce qui rend le système Chladek® si spécial et unique pour vous personnellement ? La technique de danse Chladek® m’ouvre constamment de nouveaux espaces de mouvement. Elle me permet d’approfondir le geste, de redécouvrir le mouvement, de percevoir les pensées et émotions qui m’habitent, et de les exprimer par le corps. Pendant ma formation, et encore aujourd’hui en enseignant et en dansant, je découvre sans cesse de nouvelles dimensions — de l’extérieur vers l’intérieur et de l’intérieur vers l’extérieur. À quoi les étudiant.e.s peuvent-ils s’attendre et à qui s’adresse cette formation ? J’avais moi-même une trentaine d’années lorsque j’ai commencé la formation. Lors de la dernière session à Winterthur, les participants avaient entre 20 et 60 ans. La formation s’adresse à toutes celles et ceux qui aiment bouger, souhaitent affiner leurs mouvements et élargir leur vocabulaire corporel. Elle convient aussi très bien aux professeurs de danse qui veulent enrichir leurs outils pédagogiques et enseigner de manière plus claire et efficace. Enfin, les pédagogues, musiciens ou artistes à la recherche de nouvelles impulsions dans le domaine du mouvement peuvent en bénéficier. « Donner une forme extérieure à l’expérience intérieure, exprimer ses impressions. » — Rosalia Chladek Les étudiants peuvent s’attendre à 18 week-ends intensifs, vivants et inspirants. Ils seront formés, en parallèle de leur activité professionnelle, par six enseignantes spécialisées : en éducation physique et kinésiologie (technique de danse), création de mouvements (chorégraphie), rythmique, histoire de la danse et anatomie. La méthodologie pédagogique peut être choisie en option dès la deuxième année. À quoi ressemble un week-end de formation type chez vous ? Un week-end commence le samedi matin. Les étudiant.e.s se retrouvent à 9h30 dans le studio de danse de Heidi J.M. Roth et commencent par une préparation physique pour la journée. Après un tour de table rapide, nous entamons une première session de 90 minutes de travail corporel. Suivent ensuite trois autres blocs de 90 minutes, dédiés à la technique physique, à la kinésiologie ou à la création de mouvement. Le dimanche débute comme le samedi, puis se poursuit avec des modules de rythmique et de théorie. Le dimanche comporte trois blocs au total. Les étudiant.e.s disposent de beaucoup de temps et d’espace pour expérimenter, faire des découvertes et explorer librement. Quelle est l’idée fondamentale derrière « l’accompagnement vocal » pendant les cours ? Comment les étudiant.e.s le vivent-ils ? L’« accompagnement vocal » est une particularité du système Chladek®. Rosalia Chladek a développé un vocabulaire très nuancé pour décrire les mouvements. Dans un cours Chladek®, les danseurs découvrent une grande richesse de formulations (souvent issues de l’allemand) qui décrivent les qualités, dynamiques et formes du mouvement. Quand les étudiant.e.s abordent un nouveau principe de mouvement, l’objectif est d’abord d’en faire l’expérience de manière intuitive. Il est bénéfique qu’ils n’aient pas déjà en tête une image figée de ce que le mouvement doit être ou paraître à la fin. Ils apprennent à percevoir et explorer leur corps, ses possibilités et ses limites. Les personnes habituées à un enseignement basé sur la démonstration visuelle découvrent ici une nouvelle manière d’entrer dans le mouvement. Le système Chladek® vise aussi à développer la perception sensorielle et la conscience du groupe. Comment les étudiant.e.s sont-ils accompagnés dans ce processus ? Au-delà de l’exploration individuelle du mouvement et de la perception de son propre corps dans l’espace, le cours inclut aussi des phases d’interaction. Certaines séquences se vivent en binôme ou en groupe, avec parfois un contact tactile encadré par un·e enseignant·e ou un·e pair. Nous intégrons aussi des moments d’écoute, qui peuvent concerner la musique, mais aussi les sons produits par les mouvements, ou encore la manière dont les étudiant.e.s perçoivent le groupe par l’ouïe. Ce processus personnel comporte certainement des moments très intenses et émotionnels. Comment les gérez-vous ? L’accompagnement des étudiant.e.s tout au long de la formation est essentiel. Nous veillons à créer une atmosphère bienveillante, où chacun.e se sent à l’aise et en sécurité. Des entretiens individuels sont régulièrement proposés, permettant aux participants de poser des questions et de recevoir un retour personnalisé sur leur évolution. Oui, il arrive que des larmes soient versées. Nous accueillons les émotions avec respect, nous restons à l’écoute, nous encourageons et réconfortons si besoin. Le groupe, qui chemine ensemble pendant deux ans, partage les moments joyeux comme les passages plus difficiles — c’est un soutien précieux tout au long du parcours. Plus d'informations : Formation en danse et mouvement Laissez-vous inspirer : Archives vidéo La prochaine formation débutera bientôt. Si vous souhaitez mieux connaître le système Chladek®, inscrivez-vous à un atelier de danse : Inscription ici Référence source: TVS, 07/2025, SaV Share
Motivation & développement Dance Science Echoes of Dance Science Il y a dix ans, Andrea Schärli avait une vision — aujourd'hui, elle dirige, avec son équipe, un programme MAS établi et unique, avec des étudiants du monde entier. Andrea raconte dans l'interview comment elle a vécu cette évolution, ce que la communauté Dance Science signifie pour elle, et comment elle envisage l'avenir. Forte d'une formation en danse et d'un doctorat en sciences du mouvement, Andrea a postulé avec succès il y a 15 ans pour un poste d'enseignante dans le domaine de la danse à l'Institut des sciences du sport. Quelque temps plus tard, elle était en pourparlers pour prendre la direction du MAS in Dance Culture. Cependant, Andrea avait sa propre vision : faire passer la science de la danse de l'Angleterre à l'Europe continentale. Sans hésiter, elle a créé trois CAS, posant ainsi les bases d'une réussite qui n'est plus à démontrer : le MAS in Dance Science de l'Université de Berne fête son 10e anniversaire le 21 juin 2025 et attire des étudiants du monde entier, notamment du Japon, de Colombie, de Malte, de Lituanie, des États-Unis, de Norvège, d'Allemagne, d'Italie et d'Autriche, et ce sans aucune publicité. Cela témoigne de son caractère unique et de sa qualité. TAS : Lorsque nous nous sommes rencontrés pour la première interview, le cursus était encore tout jeune. Aujourd'hui, le MAS in Dance Science fête déjà son 10e anniversaire ! Quels sentiments cela vous inspire-t-il ? Andrea Schärli : L'organisation de l'événement a demandé beaucoup de travail. La direction du programme voulait une grande fête, et c'est moi qui ai dû m'en charger (rires). Le jour de la cérémonie, j'ai ressenti beaucoup de reconnaissance, ce qui m'a bien sûr fait très plaisir. Et je suis particulièrement heureuse que les fruits de mon travail soient visibles après 10 ans. La majorité des diplômés n'acquièrent pas seulement des connaissances et de nouvelles perspectives, mais mettent également en pratique ce qu'ils ont appris. C'est tout le contraire d'une formation continue inutile. Stefan Fuchs, par exemple, est directeur de ballet au Théâtre de Coblence et accorde une grande importance à la santé des danseurs et danseuses sous sa direction. Lorsque les méthodes d'entraînement classiques sont dépassées d'un point de vue scientifique, elles sont adaptées et constamment affinées, pour le bien de la santé. Les coopérations avec le secteur de la santé, comme le Centre des troubles du mouvement et de la maladie de Parkinson de l'Inselspital de Berne, donnent également des résultats très encourageants. Ou encore les Seniorstars, une compagnie de danse pour seniors dirigée entre autres par des diplômés, qui bénéficie également des connaissances de la science de la danse. Il suffit de voir ce groupe en direct pour ressentir clairement sa vitalité. TAS : Satisfaction ou envie d'aller plus loin ? Andrea Schärli : En fait, j'ai envie d'aller plus loin. J'ai toujours beaucoup de nouvelles idées. J'envisage un quatrième CAS axé plus particulièrement sur la santé des personnes âgées. Mais après dix ans et un tel succès (nous avons actuellement 29 étudiants), nous devrions également prendre le temps de faire le point et d'évaluer. Jusqu'à présent, nous n'avons que très peu modifié la structure et le contenu du CAS, nous l'avons simplement adapté aux évolutions et aux connaissances actuelles. TAS : D'où tu trouve le courage et la force de vous lancer sans cesse dans de nouvelles aventures ? Andrea Schärli : Je suis de nature énergique. Mon mari me demande souvent : « Comment fais-tu ? Comment arrives-tu à tout mener de front ? ». J'ai lancé le premier CAS pendant ma grossesse, donc tout ce qui vient maintenant me semble assez facile. TAS : La passerelle en coopération avec le Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance et le programme de doctorat à l'Université de Berne sont-ils le couronnement de ta carrière ? Andrea Schärli : Oui, je peux le confirmer. C'est formidable que les diplômés du MAS Dance Science aient la possibilité de revenir à l'institut et que nous puissions continuer à développer ensemble le domaine de la science de la danse. Du point de vue de la recherche en danse, le MAS se trouve un peu dans une impasse. Actuellement, nous proposons des doctorats libres. Cela présente des avantages et des inconvénients et exige un haut degré d'autonomie. TAS : Tu est un peu fière ? Andrea Schärli : Lors de la cérémonie d'anniversaire, j'ai effectivement ressenti une certaine fierté pour la première fois. Catherine Haber, une diplômée de la 3e promotion, m'a remis un livre contenant des anecdotes personnelles et des messages d'anciens élèves dans le cadre de la « célébration ». J'ai lu le livre dans le train pour Zurich et j'en ai lu un peu plus de la moitié en une heure. Il témoigne d'une grande reconnaissance et je suis fière que ma vision soit désormais portée par une communauté vivante. TAS : Des axes de recherche sont-ils déjà prévus pour le programme doctoral ? Andrea Schärli : Mon plan est le suivant : je vais m'allonger sur une chaise longue pendant les vacances d'été et laisser venir l'inspiration ! Et nous échangeons régulièrement au sein du comité « Dance for Health » de l'IADMS sur la manière dont nous pouvons rendre les bienfaits de la danse non seulement tangibles, mais aussi mesurables. « Dance to Live » constituera donc un axe de recherche particulier. Cela pourrait déboucher sur des modules ciblés qui, par exemple, améliorent la qualité et la variabilité des mouvements et peuvent être utilisés indépendamment du style de danse. TAS : Revenons à la célébration de l'anniversaire. L'ambiance était excellente lors de la « Celebration » et j'ai été impressionné par la place qu'occupe l'individualisme dans une communauté... Comment percevez-vous la communauté Dance Science ? Andrea Schärli : Les étudiant.e.s et ancien.ne.s étudiant.e.s viennent en effet non seulement de différents pays, mais ont également des parcours très variés. De plus, il s'agit d'un groupe très hétérogène en termes d'âge (de 20 à 70 ans). Au début, il faut un peu de temps pour que le groupe se trouve. Ensuite, cela va généralement très vite et des synergies se créent. Un exemple : un spécialiste en management rencontre une professeure de ballet expérimentée. En très peu de temps, une nouvelle école de ballet est ouverte. Il est également très intéressant de voir comment les différents styles de danse s'enrichissent mutuellement. Les possibilités offertes par le réseautage entre les étudiants sont multiples et doivent être activement encouragées. Le programme d'études est très chargé et il y aura à l'avenir davantage de place pour les échanges. Cela inclut également la planification de symposiums annuels. TVS: Merci beaucoup pour cette interview, Andrea. Référence source: TanzVereinigung Schweiz TVS, 07/2025, SaV Share
Promotion de la santé Culture Bien-être et accompagnement dans la danse contemporaine Le lien entre danse, santé et bien être bénéficie d’une attention croissante ces dernières années. Deux publications de l’EDN – European Dance Development Network réunissent des connaissances et des témoignages illustrant les effets positifs de la danse sur la santé et le bien être. Practices of Care and Wellbeing in Contemporary Dance – Evidence from the Field E-book de Monica Gillette, EDN 2024 La danse est une forme d’art qui incarne le mouvement ainsi que les transformations profondes de nos sociétés. Mais la pérennité du secteur repose sur notre capacité à créer des environnements qui favorisent à la fois l’impact social de la danse et le bien?être de celles et ceux qui la font exister. Ce rapport met en lumière les nombreuses façons dont la danse nourrit le bien?être collectif et formule des recommandations pour préserver une culture de la danse contemporaine plurielle et vivante. Près de 400 professionnel·le·s du secteur ont participé à son élaboration. À propos de l’autrice - Danseuse et dramaturge, Monica Gillette travaille pour la Tanzhaus Zürich, codirige la Tanztriennale Hamburg et mène des recherches pour le compte du European Dance Development Network (EDN). Elle est spécialisée dans les projets internationaux associant danse, engagement social et échanges culturels. Consulter la publication (EN) > Practices of Care and Wellbeing in Contemporary Dance - Evidence from the Field E-book, Monica Gillette, EDN 2024 Dance and Well?being – Review of Evidence and Policy Perspectives E-book de Jordi Baltà Portolés, EDN 2021 De nombreuses études illustrent comment la danse et le mouvement contribuent à améliorer la santé ainsi que le bien?être individuel et collectif. La danse repose sur l’exploration du corps et de son potentiel expressif, ainsi que sur la recherche d’un équilibre entre santé physique et santé mentale. Ce rapport s’interroge justement sur la manière dont l’expression corporelle et le mouvement peuvent nourrir le bien?être global. Il propose une typologie des différentes pratiques ainsi que des recommandations à destination des pouvoirs publics et du secteur de la danse. À propos de l’auteur - Jordi Baltà Portolés est consultant et chercheur pour de nombreuses organisations internationales et entreprises culturelles. Il s’intéresse plus particulièrement à la politique culturelle locale, aux liens entre culture et développement durable, à la diversité culturelle, aux droits culturels ainsi qu’à l’administration de la culture. Il enseigne dans diverses universités et prépare un doctorat aux universités de Gérone et de Melbourne. Consulter la publication (EN) > Dance and Well-being - Review of Evidence and Policy Perspectives E-book von Jordi Baltà Portolés, EDN 2021 En savoir plus > EDN - European Dance Development Network À propos du European Dance Development Network (EDN) L’EDN est un réseau d’organisations européennes de danse engagé en faveur de la durabilité et des bonnes pratiques dans le domaine de la danse contemporaine. Il accompagne le développement professionnel de ce secteur et sensibilise à l’impact transformateur de la danse sur notre société. Référence source: EDN - European Dance Development Network 25 Share
Danse pour enfants & adolescents DancePodGuest La danse comme espace d’expérience à l’école « Ma curiosité est mon moteur : curiosité pour les gens, curiosité pour la vie. Créer de la danse dans des situations restreintes et des environnements limités me met au défi et me fait me sentir vivante. » Lucía Baumgartner nous livre un aperçu de son travail artistique et pédagogique dans le contexte de la danse à l'école. Lucía Baumgartner est chorégraphe, pédagogue de la danse et médiatrice culturelle. Chaque année, elle permet à environ 2000 élèves dans différentes écoles de découvrir et de vivre des expériences de danse. En tant qu’enseignante, Lucía dispense des cours de mouvement et danse en musique à la PHBern au sein de l’Institut du secondaire, ainsi que dans d’autres institutions universitaires. Elle est à l’origine du Festival de danse de Thoune, a élaboré pendant de nombreuses années le concept de médiation pour le festival de danse STEPS du Pour-cent culturel Migros et a été récompensé·e en 2024 par le prix de la médiation culturelle du canton de Berne. Dans le podcast, elle parle des défis, des moments de bonheur et du potentiel de la danse à l'école. Elle explique pourquoi elle est fascinée par la création d’images en mouvement à travers les corps, souligne l'importance de lever les inhibitions et de bâtir la confiance pour encourager les enseignant·es à intégrer des éléments de danse dans le quotidien scolaire, et partage ses expériences de projets de danse dans une prison pour femmes. Écouter le podcast en allemand > DancePodGuest - Lucía Baumgartner Site web Lucía Baumgartner > influxdance Référence source: TVS 05/2025 Fotocredit: Alexandra Jäggi Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie « Il n’y a rien de mieux que la danse pour rapprocher les gens » Quand on est enfant, on découvre le monde avec tout son corps : on touche, on attrape, on pousse, on tire, on ressent. Le toucher est un sens fondamental qui façonne notre perception. La méthode ContaKids nous reconnecte à cette forme de communication intuitive et crée un espace de partage où mouvement et contact renforcent les liens, développent la confiance en soi et nourrissent une relation de confiance profonde entre l’enfant et le parent. Tanz Association Suisse TAS a rencontré Tasha, enseignante ContaKids, pour en savoir plus sur son parcours. Danseuse et pédagogue passionnée, Tasha a fondé l’école de mouvement FLOTION à Zurich. Formée au ballet, à la danse moderne et aux danses de salon (salsa, bachata, lambada, zouk brésilien), elle aime transmettre le plaisir du mouvement fluide et joyeux à travers des expériences connectées. Comment as-tu découvert la méthode ContaKids ? Je cherchais une formation qui allie ma passion pour le mouvement à mon intérêt pour le travail avec les enfants. En faisant mes recherches, je suis tombée sur ContaKids, et ça a été un vrai coup de cœur ! J’ai terminé la formation l’été dernier, et j’ai lancé mes premiers cours au début de l’année. Qu’est-ce qui te touche dans le travail avec les enfants ? J’adore leur curiosité naturelle, leur ouverture et l’enthousiasme avec lequel ils vivent chaque nouvelle expérience. C’est magique de voir leur réaction quand ils découvrent une activité pour la première fois : ils s’écrient « encore, encore ! » et veulent recommencer dix fois ! Je suis aussi très émue quand je vois un enfant, un peu timide au début, s’ouvrir peu à peu, prendre confiance, rire, sourire, et même se faire de nouveaux amis. C’est une immense joie pour moi d’accompagner ces petits moments d’éveil au monde. Qu’est-ce qui te plaît particulièrement dans ContaKids ? Beaucoup de choses ! Dans ma propre pratique de danse, j’aime beaucoup le jeu, et ContaKids met justement le jeu au centre de l’apprentissage. C’est en jouant que les enfants explorent, apprennent, créent des liens. Un autre aspect que j’aime, c’est la liberté qu’ont les enfants. Pendant que les adultes suivent les propositions du ou de la prof, les enfants peuvent choisir leur façon de participer : ils peuvent observer, plonger dans l’action ou passer à autre chose. Tout est possible. Cela crée un espace sécurisant, sans pression, où chacun peut être pleinement lui-même. Cela m’apprend aussi à me laisser porter par le groupe : j’observe, je ressens l’énergie, et je décide si je continue ce que j’avais prévu ou si je m’adapte. Il m’arrive souvent de m’inspirer d’une idée lancée spontanément par un enfant pour rebondir et inventer l’activité suivante. Enfin, j’aime beaucoup le jeu d’échange des rôles. Issue de la danse de couple, j’ai l’habitude d’alterner les rôles de meneuse et de suiveuse, parfois même au cours d’une même danse. J’invite les parents à faire de même avec leurs enfants. L’atmosphère devient immédiatement plus ludique, plus vivante. Les enfants découvrent leurs parents sous un nouveau jour, ce qui stimule leur empathie. C’est une belle façon de créer une relation basée sur le respect, la bienveillance et l’égalité. Qu’est-ce qui t’inspire dans ton travail ? Ce qui me touche profondément, c’est la joie que le mouvement peut générer – non seulement chez les enfants, mais aussi chez les adultes qui les accompagnent. C’est presque magique de voir comment le simple fait de bouger et de se toucher dans un cadre bienveillant crée du lien et de la complicité. J’aime aussi le sentiment de communauté qui se développe naturellement. Chaque cours est une rencontre : on échange, on partage nos histoires, nos joies, nos défis. À quoi peut-on s’attendre lors d’un cours ContaKids ? Un cours ContaKids, c’est un joyeux mélange de jeux de mouvement, d’activités dynamiques et d’un petit moment de danse festive, suivi d’un retour au calme en douceur. On rit beaucoup, on bouge ensemble, on profite du moment. C’est une belle opportunité pour passer un moment de qualité avec son enfant à travers le jeu et le mouvement, tout en favorisant son développement – coordination, équilibre, confiance en soi. Et pour les adultes, c’est un moyen ludique de renforcer la relation avec leur enfant, de rencontrer d’autres parents et de tisser des liens. En savoir plus sur Tasha > www.flotion.ch En savoir plus sur ContaKids ContaKids est née d’un moment spontané, filmé en 2011 pendant le Ibiza Contact Festival. On y voit Itay Yatuv, le fondateur, danser avec sa fille Sophie. La joie de cette interaction a touché de nombreux parents, qui se sont mis à chercher des moyens de renforcer le lien physique avec leurs enfants à travers le mouvement. > www.contakids.com > Youtube channel ContaKids ContaKids Cards - Un jeu de cartes illustrées pour les enfants de 3 à 6 ans et leurs parents : 29 propositions de mouvements pour jouer, se relier et bouger ensemble, sans avoir besoin de connaissances en danse ou en sport. > Contakids Cards Référence source: TVS 05/2025 Fotocredit: Alexandra Styogantseva Share
Inclusion & accessibilité Social La danse ne connaît pas de frontières Jeunes ou moins jeunes, en fauteuil roulant, dans la rue, sur la plage ou au plus grand festival de performance au monde, la danse transcende toutes les barrières ! Plongez dans l'univers fascinant de la danse à travers deux documentaires inspirants, chacun offrant un regard unique sur le pouvoir du mouvement. EVERYBODY DANCE Dans ce documentaire émouvant, suivez le parcours de cinq jeunes aux handicaps variés et découvrez comment la danse et le ballet ont transformé leur vie. Le film invite les spectateurs à partager le quotidien de danseuses etdanseurs et de leur professeure, entre répétitions et préparation pour un spectacle commun. La danse devient un vecteur de puissance, de mouvement et d'émotion. Kandoo Films (2023) – Réalisé par Dan Watt Voir la vidéo: EVERYBODY DANCE (EN) MOVE! MOVE! est un road movie dansé, une exploration vibrante de la danse à travers le monde. En six épisodes, Sylvia Camarda part à la rencontre de danseuses et danseurs exceptionnels, échange avec eux dans des lieux étonnants et explore la danse sous le prisme des cultures et des traditions. De la capoeira à la samba, en passant par la danse irlandaise, le parkour et même l'IA dansante, le mouvement devient un langage universel. Manufactura Pictures 10 (2024) – Réalisé par Julie Schroell, Eileen Byrne et Heiko Lange Voir la vidéo: MOVE (FR) Référence source: Arte & Kandoo Films Share
Histoire de la danse & diversité Culture Forró – la joie de vivre dansée Référence source: TVS 05/2025 Share
Entraînement & apprentissage Dance Science Musculation pour les jeunes danseuses et danseurs, 1ère partie La danse allie passion artistique et engagement physique. Pour répondre aux exigences de cette discipline, les danseur·ses doivent développer une combinaison de flexibilité, de coordination, d’endurance et de force. Ces dernières années, la musculation a gagné en popularité en tant que méthode d’entraînement complémentaire, aussi bien chez les jeunes que chez les danseurs·ses plus âgé·es. Des sauts puissants aux portés, un nombre croissant de personnes pratiquant la danse intègrent un renforcement musculaire ciblé dans leur préparation physique. Par ailleurs, les recherches en médecine du sport s’intéressent de plus en plus à l’impact de la musculation sur la performance et la longévité dans la danse. Cet article est divisé en deux parties : la première présentée ici se concentre sur l'importance de la musculation pour les jeunes, tandis que la deuxième partie s'intéresse aux danseuses et danseurs plus âgées. Cette première partie met en lumière les principales conclusions, notamment pour les plus jeunes, et souligne comment la musculation peut constituer un élément essentiel non seulement de la pratique de la danse, mais aussi du développement physique global. L'UTILITÉ DE LA MUSCULATION POUR LES JEUNES DANSEUSES ET DANSEURS 1. Prévention des blessures et équilibre musculaire En raison des efforts répétitifs et des techniques unilatérales (par exemple dans le ballet), les jeunes danseurs sont particulièrement vulnérables aux blessures de surcharge telles que les fractures de stress, les tendinites ou les conflits fémoro-acétabulaires. La musculation joue ici un rôle préventif en compensant les déséquilibres musculaires causés par les schémas de mouvement spécifiques à la danse. Par exemple, les danseuses classiques présentent souvent des abducteurs de hanche faibles et des ischio-jambiers surchargés. Un entraînement ciblé des muscles fessiers permet de corriger ces déséquilibres et d'améliorer la stabilité articulaire (Liederbach et al., 2013). Une étude menée sur des danseurs d'élite a montré qu'un programme de musculation de 12 semaines réduisait le risque de blessure de 40 %, en renforçant la capacité de charge structurelle des tendons et des ligaments (Allen et al., 2020). 2. Amélioration de la performance des sauts et de la force explosive Les sauts sont fondamentaux dans de nombreux styles de danse, qu'il s'agisse des grands jetés en ballet ou des mouvements acrobatiques du breakdance, du hip-hop, de la danse contemporaine, du rock'n'roll ou des danses de compétition latines et standards. L'entraînement de la force explosive, notamment les exercices pliométriques (comme les box jumps ou les sauts en profondeur), améliore l'activation neuromusculaire et augmente la hauteur des sauts. Une analyse de Chang et al. (2023) confirme que la pliométrie et les exercices de musculation ciblés peuvent améliorer non seulement la force de saut, mais aussi la stabilité et la posture. Une étude randomisée a démontré qu'une intervention pliométrique de 8 semaines augmentait la hauteur de saut de 12 %, tout en améliorant la stabilité à la réception (Angioi et al., 2009). 3. Amélioration du contrôle neuromusculaire et de la technique La musculation favorise une coordination fine entre le système nerveux et les muscles, ce qui permet une exécution plus précise des mouvements. Des exercices tels que les squats sur une jambe ou les rotations avec des bandes de résistance améliorent le contrôle des pirouettes et des changements de direction rapides (Batista et al., 2021). Par ailleurs, une étude sur des danseurs contemporains a révélé que ceux pratiquant la musculation présentaient significativement moins d'erreurs techniques lors de chorégraphies complexes, grâce à une meilleure stabilité du tronc et une coordination articulaire optimisée (Hamilton et al., 2019). 4. Liberté artistique et force physique Les limitations physiques peuvent freiner l'expression artistique. Les danseurs manquant de force doivent souvent simplifier leurs mouvements ou économiser leur énergie. La musculation permet de lever ces obstacles : un renforcement du core favorise des phases d'équilibre plus longues, tandis qu'une meilleure force des bras facilite les portés (Batista et al., 2021). De plus, des études qualitatives menées avec des danseurs professionnels ont démontré que la musculation améliore la confiance en soi, car elle permet une plus grande aisance physique dans les chorégraphies innovantes (Duffy et al., 2022). 5. Bienfaits psychologiques et réduction du stress La pression de la performance dans le milieu de la danse peut engendrer un stress chronique. La musculation agit comme un régulateur psychophysique : des études montrent que l'entraînement régulier réduit les niveaux de cortisol et améliore la qualité du sommeil, facilitant ainsi la récupération (Koutedakis et al., 2018). Optimisation de l'entraînement musculaire pour les jeunes danseurs Les jeunes danseurs devraient intégrer des exercices explosifs et spécifiques à la danse (comme la pliométrie et le renforcement du core) dans un programme de 2 à 3 séances par semaine. La périodisation, alternant phases d'intensité élevée et réduite, prévient le surentraînement (Michaelson et al., 2020). Toutefois, une mauvaise technique ou un volume excessif peuvent accroître le risque de blessure, d'où la nécessité d'une supervision par des coachs qualifiés (Ambegaonkar et al., 2021). Effets à long terme Des études à long terme montrent que la musculation améliore non seulement les performances physiques, mais aussi le bien-être des danseurs. Toutefois, un ajustement régulier du programme d'entraînement est essentiel pour éviter les blessures et les phases de stagnation (Dang et al., 2022). Conclusion La musculation ne s'oppose pas à l'esthétique de la danse, mais en est un complément nécessaire. Pour les jeunes danseurs, elle pose les bases de la performance technique et de la liberté artistique. Son intégration dans l'entraînement doit être personnalisée et encadrée par des professionnels. Bibliographie Allen, N., et al. (2020). "Strength Training Reduces Injury Rates in Elite Ballet Dancers: A 12-Month Cohort Study." Journal of Sports Sciences, 38(14), 1605–1612. Ambegaonkar, J., Chong, L., & Joshi, P. (2021). Supplemental Training in Dance: A Systematic Review. Physical Medicine and Rehabilitation Clinics of North America. DOI: 1016/j.pmr.2020.09.006 Angioi, M., et al. (2009). "The Effects of Supplemental Training on Dance Performance: A Systematic Review." Journal of Dance Medicine & Science, 13(2), 47–61. Batista, A., et al. (2021). "Strength Training and Artistic Performance in Young Dancers: A Randomized Controlled Trial." Frontiers in Psychology, 12, 678542. Beck, B. R., et al. (2017). "Exercise and Sports Science Australia Position Statement on Exercise Training for Osteoporosis Prevention in Adults." Journal of Science and Medicine in Sport, 20(5), 438–445. Bota, E., & Arn?utu, G. (2023). Sport Performance in Dance – A Systematic Review. Studia Universitatis Babe?-Bolyai: Educatio Artis Gymnasticae. DOI: 10.24193/subbeag.67(4).34 Cadore, E. L., et al. (2013). "Neuromuscular Adaptations to Concurrent Training in the Elderly: Effects of Power Training." Age and Ageing, 42(5), 575–581. Chang, T., & Huang, Y. (2023). Strength Training Protocols for Dance Performance Optimization. Journal of Strength and Conditioning Research. DOI: 10.1519/JSC.0000000000004123 Clark, D. J., et al. (2021). "Resistance Training for Metabolic Health in Older Adults." Gerontology, 67(3), 249–258. Dang, Y., Chen, R., Koutedakis, Y., & Wyon, M. (2022). The Efficacy of Physical Fitness Training on Dance Performance. International Journal of Sports Medicine. DOI: 10.1055/a-1930-5376 Duffy, L. N., et al. (2022). "Beyond the Studio: Strength Training and Psychological Resilience in Professional Dancers." Psychology of Sport and Exercise, 60, 102158. Faigenbaum, A. D., et al. (2009). Youth resistance training: Updated position statement paper. Fiatarone, M. A., et al. (2021). "Cognitive Benefits of Resistance Training in Older Dancers: A Randomized Controlled Trial." Journal of Aging and Health, 33(7–8), 621–632. Girard, J., Koenig, K. L., & Village, D. (2015). The Effect of Strength and Plyometric Training on Dance Performance. Journal of Dance Science. DOI: 10.1179/1743288X15Y.0000000017 Granacher, U., et al. (2011). "The Importance of Trunk Muscle Strength for Balance, Functional Performance, and Fall Prevention in Seniors: A Systematic Review." Sports Medicine, 41(8), 625–646. Hamilton, L. G., et al. (2019). "Core Stability Training Improves Technical Performance in Contemporary Dance." Journal of Dance Medicine & Science, 23(4), 156–164. Hunter, G. R., et al. (2004). Muscle strength and aging. Hwang, P. W., et al. (2022). "Social Engagement and Mental Health in Older Dancers Participating in Group Exercise." Journal of Applied Gerontology, 41(2), 498–507. Keogh, J. W. L., et al. (2016). "Physical and Psychological Benefits of Dance for Older Adults: A Mixed-Methods Systematic Review." Journal of Aging and Physical Activity, 24(4), 639–650. Koutedakis, Y., et al. (2018). "The Role of Exercise in Reducing Cortisol Levels in Dancers." Medical Problems of Performing Artists, 33(2), 123–129. Liederbach, M., et al. (2013). 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"Body Awareness and Injury Anxiety in Dancers: The Role of Strength Training." Journal of Dance Education, 20(3), 144–152. Wyon, M., et al. (2018). "Strength Training for Dancers: A Systematic Review." Journal of Strength and Conditioning Research, 32(9), 2549–2562. Référence source: TVS 03/2025 Share
Entraînement & apprentissage Dance Science Musculation pour danseur·ses âgé·es – 2ème partie La danse allie passion artistique et engagement physique. Pour répondre aux exigences de cette discipline, les danseur·ses doivent développer une combinaison de flexibilité, de coordination, d’endurance et de force. Ces dernières années, la musculation a gagné en popularité en tant que méthode d’entraînement complémentaire, aussi bien chez les jeunes que chez les danseurs·ses plus âgé·es. Des sauts puissants aux portés, un nombre croissant de personnes pratiquant la danse intègrent un renforcement musculaire ciblé dans leur préparation physique. Par ailleurs, les recherches en médecine du sport s’intéressent de plus en plus à l’impact de la musculation sur la performance et la longévité dans la danse. Cet article est divisé en deux parties : la première met en lumière l’importance de la musculation pour les danseurs·ses plus jeunes, tandis que la seconde abordera ses bienfaits pour les plus âgées. Cette deuxième partie expose les principales conclusions sur le rôle de la musculation dans la danse et souligne son importance non seulement pour la pratique artistique, mais aussi pour le bien-être physique des corps vieillissants. LES BIENFAITS DE LA MUSCULATION POUR LES DANSEUR·SES ÂGÉ·ES 1. Prévention de l’ostéoporose et santé osseuse Avec l'âge, la densité osseuse diminue, en particulier chez les femmes après la ménopause. La musculation, pratiquée avec des poids ou des bandes élastiques, stimule la régénération osseuse grâce à des sollicitations mécaniques. Une méta-analyse a révélé que des danseuses post-ménopausées pratiquant un entraînement en résistance trois fois par semaine augmentaient leur densité osseuse de 2,5 % au niveau des hanches, réduisant ainsi significativement le risque de fractures (Beck et al., 2017). Même en cas d’ostéoporose diagnostiquée, un entraînement modéré peut contribuer à réduire le risque de chute (Sherrington et al., 2019). 2. Prévention des chutes et amélioration de l’équilibre Les chutes représentent l’une des principales causes de blessures chez les danseurs·ses âgé·es. Un entraînement combinant renforcement musculaire et équilibre (ex. : appuis unipodaux avec charge, mouvements inspirés du tai-chi) améliore le contrôle postural. Une étude d’intervention a démontré que des danseur·ses âgé·es ayant suivi ce type d’entraînement ont réduit leur risque de chute de 35 %, grâce au renforcement de leurs muscles des jambes et de leurs capacités proprioceptives (Granacher et al., 2011). Cette approche est particulièrement bénéfique pour les styles de danse impliquant des rotations rapides ou des surfaces de scène irrégulières. 3. Lutter contre la sarcopénie et préserver la masse musculaire À partir de 30 ans, la masse musculaire diminue d’environ 3 % par an. Pour les danseurs·ses, cela entraîne une baisse de la puissance de saut et de l’endurance. Les exercices de résistance progressifs (ex. : squats avec haltères, élastiques de résistance) permettent de ralentir ce phénomène. Une étude menée auprès de danseur·ses de plus de 60 ans a révélé qu’un entraînement de six mois augmentait la force des jambes de 20 %, facilitant ainsi la réalisation de portés et de mouvements au sol (Cadore et al., 2013). De plus, le maintien de la masse musculaire contribue à réguler le métabolisme de base, réduisant ainsi le risque de prise de poids lié à la diminution de l’activité physique avec l’âge (Clark et al., 2021). Moita et al. (2017) ont montré que la musculation ciblée améliore la force musculaire et la stabilité, y compris chez les danseurs·ses âgé·es. 4. Gestion de la douleur et santé articulaire Les douleurs articulaires chroniques, notamment liées à l’arthrite, limitent la mobilité de nombreuses personnes pratiquant la danse en vieillissant. La musculation permet de renforcer les muscles environnants, de soulager les articulations et de réduire l’inflammation. Dans une étude randomisée, 75 % des participant·es souffrant d’arthrose du genou ont signalé une réduction de la douleur et une meilleure mobilité après un programme de musculation de 12 semaines (Smith et al., 2020). Pour les danseurs·ses, cela signifie pouvoir prolonger leurs performances sans restriction. 5. Bénéfices psychosociaux et qualité de vie L’entraînement musculaire ne profite pas uniquement à la santé physique, mais joue également un rôle clé dans le bien-être psychologique. Les danseur·ses âgé·es rapportent une amélioration de leur estime de soi, liée au maintien de leur autonomie et de leurs compétences techniques (Keogh et al., 2016). De plus, la pratique en groupe favorise les interactions sociales et contribue à réduire la solitude et le risque de dépression, un enjeu majeur en vieillissant (Hwang et al., 2022). 6. Avantages cognitifs et stimulation de la créativité Des études récentes indiquent que la musculation améliore également les fonctions cognitives, notamment la mémoire et la capacité à gérer plusieurs tâches simultanément. Ces effets sont essentiels pour l’apprentissage de chorégraphies complexes et le maintien des facultés créatives. Une étude menée auprès de danseur·ses amateur·es âgé·es a montré que celles et ceux intégrant un entraînement musculaire apprenaient plus rapidement de nouvelles séquences et ressentaient moins de fatigue mentale (Fiatarone et al., 2021). Optimisation de l’entraînement en musculation pour les danseurs·ses âgé·es Les danseur·ses âgé·es bénéficient d’un entraînement en résistance modéré (2 à 3 séries de 10 à 15 répétitions) avec un accent particulier sur les exercices impliquant l’ensemble du corps. L’entraînement de l’équilibre et de la flexibilité doit être intégré afin de préserver la mobilité (Sherrington et al., 2019). Effets à long terme Des études longitudinales, comme celle de Smith & Taylor (2021), démontrent que la musculation régulière améliore non seulement la performance physique, mais aussi le bien-être général des danseur·ses. En particulier, celles et ceux qui ont intégré la musculation à leur entraînement dès leur plus jeune âge montrent une amélioration significative de leur endurance musculaire et de leur résistance aux contraintes physiques. Toutefois, Dang et al. (2022) soulignent l’importance d’une adaptation continue des plans d’entraînement afin d’éviter les risques de surcharge et de stagnation des progrès. Conclusion La musculation ne va pas à l’encontre de l’esthétique de la danse, mais constitue un complément indispensable. Pour les danseurs·ses vieillissant·es, elle est essentielle pour préserver la santé et le plaisir de danser sur le long terme. Son intégration au programme d’entraînement doit être adaptée individuellement et encadrée par des professionnel·les. Recommandations Pour les danseurs·ses âgé·es : Un entraînement de musculation modéré et structuré est un élément clé pour minimiser la perte de performance liée à l’âge. Il est important de prendre en compte les capacités individuelles et les temps de récupération (Hunter et al., 2004). De manière générale : Une approche interdisciplinaire combinant musculation, entraînement à la danse et physiothérapie est idéale pour tirer parti des bénéfices de chaque discipline. Sources Allen, N., et al. (2020). "Strength Training Reduces Injury Rates in Elite Ballet Dancers: A 12-Month Cohort Study." Journal of Sports Sciences, 38(14), 1605–1612. Ambegaonkar, J., Chong, L., & Joshi, P. (2021). Supplemental Training in Dance: A Systematic Review. Physical Medicine and Rehabilitation Clinics of North America. DOI: 10.1016/j.pmr.2020.09.006 Angioi, M., et al. (2009). "The Effects of Supplemental Training on Dance Performance: A Systematic Review." Journal of Dance Medicine & Science, 13(2), 47–61. Batista, A., et al. (2021). "Strength Training and Artistic Performance in Young Dancers: A Randomized Controlled Trial." Frontiers in Psychology, 12, 678542. Beck, B. R., et al. (2017). "Exercise and Sports Science Australia Position Statement on Exercise Training for Osteoporosis Prevention in Adults." Journal of Science and Medicine in Sport, 20(5), 438–445. Bota, E., & Arn?utu, G. (2023). Sport Performance in Dance – A Systematic Review. 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Danse pour enfants & adolescents Culture « Chaque fois, je suis tellement heureux de pouvoir jouer Michael ! » Le Bâlois Oscar Riccardo Wittek, 12 ans, s’est imposé face à de nombreux candidats et interprète le rôle de Michael dans la première version germanophone du succès de Broadway Billy Elliot, à Zurich. Il suit des cours de ballet depuis six ans et passe presque chaque jour au studio de danse. Dans le rôle du meilleur ami de Billy, il séduit non seulement par ses claquettes et son chant, mais aussi par son charme. TANZ Association Suisse TAS s’est entretenue avec Oscar au sujet de son rôle de Michael, de ses expériences sur scène et de l’équilibre entre l’école et la comédie musicale. Michael est le meilleur ami de Billy et un personnage très dynamique. Qu’est-ce qui te relie à ce personnage ? Contrairement à Billy, qui paraît souvent sérieux, Michael est l’âme joyeuse de la comédie musicale. Il apporte toujours de la bonne humeur et une certaine légèreté. Billy et Michael sont certes des personnages très différents, mais ils se complètent parfaitement. C’est ce qui rend leur amitié si particulière. Billy peut apprendre de Michael à être plus détendu et à ne pas trop se soucier de ce que les autres pensent. À l’inverse, Michael profite de la détermination de Billy. Ce qui me relie à Michael ? Il ne se préoccupe pas de ce que les autres disent de lui. Il est sûr de lui et fier. Comme Michael, je me soucie relativement peu de ce que les autres pensent de moi, tant que je me sens bien. Tu as déjà joué dans beaucoup de spectacles. Es-tu encore nerveux ou déjà un peu blasé ? Même si j’ai déjà joué Michael dans plus de 30 représentations, je reste nerveux. Quand je suis derrière le rideau, je sens mon cœur battre plus vite. Je crois qu’un certain trac fait partie du jeu et m’aide même, grâce à l’adrénaline, à donner un spectacle encore meilleur. Dès que j’entre en action, la nervosité s’envole. Avec le temps, une certaine routine s’installe, mais chaque représentation est un peu différente. On ne s’ennuie jamais ! Chaque fois, je suis tellement heureux de pouvoir jouer Michael. Comment te prépares-tu pour les représentations ? Cela dépend de la durée de la pause entre les spectacles. Plus la pause est longue, plus ma préparation est intensive. Si je ne suis pas monté sur scène depuis un moment, je reprends mon texte en détail. Souvent, je chante spontanément les chansons à la maison pour les garder fraîches. En plus des spectacles hebdomadaires de Billy Elliot et de l’école, je vais presque tous les jours à l’entraînement de ballet. Drôle de coïncidence : Nevio, l’un des interprètes de Billy, fréquente la même école de ballet que moi à Bâle. De plus, toutes les deux semaines, nous avons un Refresh Day, durant lequel nos coachs nous accompagnent en chant, en danse et en jeu, et nous donnent du feedback. Tu es devenu l’une des “stars” presque du jour au lendemain. Comment le vis-tu ? J’ai certes un grand rôle dans la comédie musicale, mais je suis loin d’être une star du spectacle. Pour moi, la star, c’est toute la troupe de Billy Elliot. Bien sûr, je sais que je suis bon dans ce que je fais sur scène. On m’a déjà demandé si je faisais partie de Billy Elliot. Mais je ne me sens vraiment pas comme une star. Après le casting, j’étais d’ailleurs d’abord prévu pour le rôle de Billy ! Maintenant, je suis toutefois très heureux dans le rôle de Michael. C’est un esprit libre, sympathique, un type détendu qu’on ne peut qu’aimer. Te présenterais-tu à nouveau au casting si tu avais su combien de travail et d’efforts cela allait te demander ? Oui, absolument ! Si une telle opportunité se présentait à nouveau, je serais tout de suite partant. Je le recommanderais aussi à toutes celles et ceux qui ont le talent et la passion nécessaires. Nos coachs nous soutiennent chaque jour et veillent à ce que nous puissions évoluer artistiquement. J’ai appris à monter sur scène avec assurance devant mille spectateurs, à gérer la critique, à utiliser ma voix correctement et même à faire des claquettes, ce que je ne savais pas faire avant. Ces expériences sont incroyablement précieuses. Comment toi et tes parents gérez-vous la charge entre l’école, les répétitions et les représentations ? Au début, mes parents étaient sceptiques, surtout quand, pendant la phase intensive de répétitions, je rentrais souvent tard et que je devais malgré tout aller à l’école le lendemain matin. Ce n’était pas toujours simple, mais, pour moi, Billy Elliot a permis de réaliser un grand rêve. Finalement, mes parents ont compris que le travail dans la comédie musicale me faisait plaisir et que je me sentais bien dans l’équipe. C’est ce qui a été décisif pour qu’ils continuent à me soutenir. As-tu dû modifier ton alimentation pour les spectacles, comme un sportif de haut niveau ? Non, je ne fais pas particulièrement attention à mon alimentation. Je ne mange simplement pas trop de sucreries. Pour moi, le plus important est de bien planifier le moment de mes repas. Juste avant le spectacle, je prends encore une petite chose. Mes parents s’inquiètent parfois plus de mon alimentation que moi-même, surtout quand je ne mange pas ce qu’ils m’ont préparé pour le spectacle (rires). Court et direct Tu aimerais devenir acteur à plein temps ? Oui, je n’y serais pas opposé. J’aimerais aussi m’orienter vers la danse ou le chant. *Quelle scène de la comédie musicale Billy Elliot* préfères-tu jouer ?** Express yourself ! Là, je peux être libre et naturel, et m’épanouir pleinement, en chant comme en danse. Qu’est-ce qui te plaît le plus : danser ou chanter ? La danse, sans hésiter ! Référence source: TVS 02/2025 Fotocredit: Nina Wittek Share
Promotion de la santé Médecine « La danse – bien plus qu’un simple mouvement ! » Comment la danse parvient-elle à allier forme physique, lien social et expressivité émotionnelle tout en réduisant stress et tensions ? La neuroscientifique et auteure Dr Julia F. Christensen nous éclaire sur le pouvoir transformateur de la danse à travers le prisme des neurosciences. Votre article, paru dans le numéro 05.24 du magazine Spektrum, s’interroge sur les effets de la danse sur le psychisme, le cerveau et la santé. Quels sont-ils ? Qu’est-ce qui rend la danse si unique d’un point de vue neuroscientifique ? La danse associe mouvement, interaction sociale et expression émotionnelle de manière singulière. Elle ne se contente pas de renforcer le corps, elle exerce également une influence profonde sur le psychisme. Voici trois aspects qui expliquent pourquoi la danse est un outil puissant pour la santé et le bien-être. 1. Le mouvement La danse conjugue activité physique et bienfaits multiples pour la santé. L’OMS recommande 150 minutes d’exercice aérobie par semaine, soit une demi-heure par jour, pour maintenir le corps et l’esprit en bonne santé. En effet, l’inactivité physique favorise la libération de cortisol, une hormone du stress qui, sur le long terme, peut contribuer aux dommages oxydatifs et à l’apparition de maladies cardiaques ou auto-immunes. La danse stimule le cerveau en lui demandant de planifier et coordonner les mouvements. Elle lie ainsi la condition physique à la santé mentale. Certains styles, comme le tango argentin, peuvent même améliorer des troubles neurologiques spécifiques, tels que les problèmes d’équilibre chez les patients atteints de la maladie de Parkinson, en exploitant des éléments comme le stop-and-go ou des stimuli tactiles pour rééduquer la marche. 2. Le lien social Un bon état de santé passe aussi par des interactions sociales de qualité. En danse, la synchronisation et le contact physique génèrent des échanges positifs qui apaisent des régions cérébrales telles que l’insula (ndlr : un lobe du cerveau) et l’amygdale (ndlr : une structure du système limbique). Ces régions interconnectées jouent un rôle clé dans la régulation hormonale, le système immunitaire et le sentiment de sécurité. Le toucher, le sourire et la coordination des mouvements renforcent les liens émotionnels tout en activant des mécanismes régulateurs du système immunitaire. Cette synchronisation corporelle, plus intense en danse que dans la plupart des autres loisirs, accentue ses bienfaits sur la santé. 3. L’émotion et l’expression La danse est bien plus que l’apprentissage de pas : c’est un langage qui allie émotion et créativité. D’abord conscient (apprentissage explicite), le mouvement devient progressivement automatique (apprentissage implicite), permettant aux danseurs de se concentrer sur l’expression. Des études montrent que cet aspect expressif est fondamental pour les bienfaits thérapeutiques de la danse : les personnes souffrant de dépression ou d’anxiété tirent un grand profit de la possibilité d’extérioriser leurs émotions par le mouvement. Qu’il s’agisse d’un tango mélancolique ou d’une danse déchainée sur une chanson préférée, exprimer la tristesse, la joie ou la colère à travers le corps régule le système nerveux et peut atténuer les troubles psychiques. Fait intéressant, les danses chargées d’émotion et de passion sont perçues comme plus esthétiques, même par des non-initiés, que des performances techniquement parfaites mais dépourvues d’expression. Cette capacité à transmettre des émotions favorise aussi des états de flow, où la perception du temps et de l’espace s’efface. Pensez-vous que la danse puisse avoir un effet thérapeutique dans certains cas ? Il convient de nuancer la question : la danse-thérapie est une discipline à part entière, menée par des professionnel×le×s certifié×e×s, et peut être bénéfique en cas de troubles psychiques, de maladies chroniques ou de périodes de vie difficiles, en permettant une expression et un soulagement émotionnel. Cela dit, les recherches scientifiques sur les effets thérapeutiques de la danse restent limitées, notamment en comparaison avec la musique ou d’autres formes d’art. En revanche, la danse pratiquée tout au long de la vie ou intégrée à d’autres formes de thérapie présente un réel potentiel, sous certaines conditions. Par exemple, le tango argentin est reconnu pour améliorer la mobilité des patients atteints de Parkinson. La danse orientale, quant à elle, apporte des bienfaits physio thérapeutiques en mobilisant le bas du dos et en prévenant les tensions musculaires. Certaines techniques, comme la marche arrière ou des mouvements spécifiques, soulagent les articulations, mais ne sont pas toujours facilement applicables au quotidien. Les danses de couple offrent, elles, une double dimension physique et émotionnelle. Avez-vous un souvenir particulier où vous avez ressenti avec force les bienfaits de la danse ? En tant que danseuse professionnelle, je recherchais souvent l’état de flow, mais je le trouvais davantage en dansant spontanément en discothèque qu’en studio. Ces moments me permettaient d’échapper au stress intense de ma formation et, après avoir dansé, je ressentais un véritable soulagement, comme si j’avais expulsé toutes mes tensions. Plus tard, j’ai éprouvé des sensations similaires avec le tango argentin, qui m’a aidée à gérer la pression lors de mes années de recherche scientifique à Londres. La danse orientale a également joué un rôle clé dans ma rééducation après une blessure m’ayant temporairement empêchée de marcher – combinée à la physiothérapie, elle m’a permis de retrouver ma mobilité. J’aimerais mentionner une étude italienne qui a comparé les effets de la danse et du spinning en tant que sport de rééducation pour les patients atteints de maladies cardiaques. Résultat : contrairement au spinning, la danse a maintenu la motivation des participants, favorisé leur réintégration dans la vie quotidienne et encouragé les interactions sociales. Ce constat illustre le formidable pouvoir transformateur de la danse, bien au-delà de ses effets physiques. Si la danse a un tel impact sur la santé, pourquoi est-elle si rarement prescrite par les médecins ? Les professionnel×le×s de santé ne peuvent prescrire que des traitements scientifiquement validés, et les études sur la danse restent encore insuffisantes. Il existe toutefois des projets pilotes, comme le Social Prescribing en Angleterre, où la danse est parfois recommandée. Dans les cultures occidentales, la danse est moins ancrée dans le quotidien, en partie pour des raisons historiques et culturelles – on pense notamment aux interdictions de danser en Allemagne dans les années 1920, encore en vigueur dans certains pays aujourd’hui. Dans d’autres cultures, la danse fait partie intégrante de la vie, ce qui en amplifie les bienfaits. Des recherches montrent d’ailleurs que danser améliore non seulement l’humeur, mais aussi la motivation et les capacités d’apprentissage, notamment lorsqu’une approche physique est utilisée pour mémoriser des contenus. Il serait donc pertinent d’encourager les entreprises à instaurer des pauses dansantes de cinq minutes toutes les heures ! Y a-t-il une danse qui soit « le meilleur remède » ? Il n’existe pas de style universellement « meilleur » – tout dépend des besoins de chacun et de chacune. Le tango argentin, par exemple, est particulièrement adapté aux patients atteints de Parkinson, grâce à son travail sur l’équilibre. En revanche, pour les personnes peu à l’aise avec le contact physique, la danse en ligne peut être une alternative idéale. Les compétitions peuvent parfois générer du stress et faire monter le taux de cortisol, tandis que la danse pratiquée dans un cadre détendu tend à le faire baisser. L’essentiel est de choisir un style adapté à ses objectifs, qu’il s’agisse de bien-être physique, de lien social ou d’expression émotionnelle. Le rôle des enseignant×e×s de danse est donc essentiel… Absolument ! Penser que savoir danser suffit pour enseigner est une grave erreur. Être pédagogue, c’est avoir une formation solide et tenir compte des aspects théoriques, psychologiques et humains. Enseigner la danse, c’est aussi créer un cadre bienveillant×e et inclusif×ve, où chacun×e se sent en sécurité. Sans formation adéquate, des erreurs techniques ou des incompréhensions peuvent engendrer blessures et mal-être. Dans l’enseignement amateur en particulier, la transmission des compétences sociales est tout aussi essentielle que l’apprentissage des mouvements. Références bibliographiques En 2018, la Dre Julia F. Christensen a publié «Tanzen ist die beste Medizin. Warum es uns gesünder, klüger und glücklicher macht». En 2024, son deuxième ouvrage «Der Flow-Kompass. Ein wissenschaftlicher Wegweiser zu mehr Gelassenheit und Glücksmomenten» a vu le jour, abordant bien sûr également la danse ! Recommandations TV Let's dance! Warum tanzen glücklich macht. Court documentaire Court documentaire sur la danse classique à tout âge. Invitée à Tanztee des Tango Argentino à partir de 15:41. SRF-Puls - Tanzen macht gesund - Sind Bewegung und Musik die beste Medizin? Entretien avec le Dr Julia F. Christensen Références de l’étude italienne Belardinelli, R., Lacalaprice, F., Ventrella, C., Volpe, L., & Faccenda, E. (2008). Waltz dancing in patients with chronic heart failure: new form of exercise training. Circ Heart Fail, 1(2), 107-114. doi:10.1161/circheartfailure.108.765727 Crédit photo : Dre Julia F. Christensen Référence source: TVS 02/2025 Share
Motivation & développement Dance Science La danse influence-t-elle l’estime de soi des jeunes filles de 12 à 18 ans ? Danseuses vs. non-danseuses Des recherches préliminaires suggèrent que la danse, pratiquée comme loisir, peut renforcer l’estime de soi. Mais un enseignement axé sur la performance pourrait-il produire l’effet inverse ? Dans le cadre de son travail de master en Dance Science à l’Université de Berne, Arabella Baumann a étudié l’impact de la danse sur l’estime de soi des jeunes filles de 12 à 18 ans. Son étude compare les danseuses aux non-danseuses et analyse comment des facteurs tels que l’intensité de l’entraînement peuvent influer sur leur estime de soi. Les travaux précédents ont produit des résultats contrastés : si la danse en tant qu’activité de loisirs semble favoriser une meilleure estime de soi, des cours intensifs et un environnement compétitif pourraient avoir des effets opposés. L’étude de Baumann repose sur un échantillon de 36 participantes, réparties en trois groupes selon leur niveau d’intensité de pratique. Bien qu’aucune différence significative n’ait été constatée, certaines tendances confirment la littérature existante : la pratique de la danse en loisir semble renforcer l’estime de soi, tandis qu’un entraînement plus intensif peut être une source de stress. L’étude met en évidence l’importance d’un environnement d’apprentissage bienveillant pour la santé mentale des jeunes danseuses et souligne la nécessité de poursuivre les recherches sur les contextes de formation professionnelle. Le résumé du travail de master d’Arabella Baumann est disponible ici. Référence source: MAS Thesis Arabella Baumann, Universität Bern (2025) Share
Motivation & développement Dance Science Quel est l'impact d'Instagram sur l'image corporelle des danseuses ? Dans le cadre de son travail de master en Dance Science à l'Université de Berne, Léa Iannone a exploré l'influence d'Instagram sur l'image corporelle des danseuses. Son étude met en lumière comment une représentation diversifiée des corps peut contribuer à améliorer la santé mentale des danseuses. Elle propose également des pistes concrètes pour aider les écoles, et en particulier les écoles de danse, à rendre plus forts leurs élèves grâce à des contenus inclusifs et une gestion réfléchie des médias sociaux. Vous pouvez lire le résumé ici en français Référence source: MAS Thesis Léa Iannone, Universität Bern (2025) Share
Motivation & développement Dance Science Résilience Le thème de la résilience fait actuellement l'objet d'une grande attention dans de nombreuses discussions. Dans notre monde complexe, cette compétence gagne en importance, car elle favorise non seulement le bien-être individuel, mais aussi le développement personnel et la capacité d'adaptation. C'est une raison suffisante pour que TANZ Association Suisse TAS se penche sur ce sujet. Définition La résilience, concept issu de la psychologie, décrit la capacité qu'a l'être humain d'apprendre à faire face aux incertitudes et aux défis du monde moderne. La résilience aide à surmonter les crises, à se remettre des échecs et à ressortir plus fort de situations difficiles. Les personnes résilientes peuvent non seulement mieux gérer le stress, mais aussi surmonter les échecs personnels et professionnels sans s'effondrer. [1] La compétence de résilience en danse La résilience joue également un rôle important dans des domaines professionnels spécifiques. Dans le domaine de la danse en particulier, la compétence de résilience prend de plus en plus d'importance. Les danseuses et les danseurs doivent surmonter des échecs physiques et mentaux pour réussir et poursuivre leur passion malgré les blessures, la pression de la concurrence, les rejets récurrents et l'incertitude quant à leur avenir professionnel. Par conséquent, la danse exige non seulement de l'endurance physique et de la précision, mais demande également de grandes ressources émotionnelles et psychologiques. Les danseuses et danseurs résilient·e·s sont donc capables d'accepter les blessures comme faisant partie du processus d'apprentissage, de grandir à travers les critiques et de puiser une force nouvelle après un échec. Ils et elles développent la capacité de se motiver après des déceptions, de trouver de nouvelles voies et de continuer à s'accrocher à leurs objectifs malgré les échecs. Ce n'est pas seulement la résistance physique qui joue un rôle, mais surtout la force mentale - la foi en ses propres capacités, une saine réflexion sur soi-même et la volonté de continuer à avancer même dans les moments difficiles. Dans le domaine de la danse en particulier, la résilience est essentielle pour réussir à long terme et surtout pour ne pas perdre le plaisir de danser. [2, 3, 4] Controverses concernant la résilience dans la danse Les controverses autour de la résilience dans la danse proviennent souvent de la culture des attentes élevées et du perfectionnisme qui imprègnent le monde de la danse. Des problèmes tels que les préoccupations liées à l'image corporelle, le potentiel de blessures et la nature hiérarchique de nombreuses institutions contribuent à créer des défis psychologiques importants pour les danseurs et les danseuses. [5,6] Comment la résilience peut-elle être améliorée dans le domaine de la danse ? A. ASPECTS PSYCHOLOGIQUES Le paysage psychologique de la danse se caractérise par une interaction complexe entre les caractéristiques personnelles et les facteurs environnementaux qui influencent considérablement le bien-être psychologique des danseurs et des danseuses. 1. Processus inhibiteurs Caractéristiques personnelles Les recherches identifient plusieurs caractéristiques personnelles susceptibles d'aggraver le stress et de nuire à la santé mentale des danseuses et des danseurs. Parmi les plus importantes, on trouve le perfectionnisme, l'obsession et l'orientation vers l'ego, qui prospèrent souvent dans le monde de la danse. Ces caractéristiques peuvent compromettre les processus mentaux en favorisant des perceptions négatives de soi et des images corporelles malsaines, influencées par les dynamiques des pairs et des enseignant·e·s. [4] Effets de l'environnement L'environnement de la danse lui-même peut également être une source de stress. Des caractéristiques telles que la pression de la performance et une atmosphère de compétition créent des défis qui peuvent nuire au développement et au bien-être de la danseuse ou du danseur. Des études suggèrent que ces facteurs de stress externes peuvent renforcer les effets négatifs de caractéristiques personnelles affaiblissantes et conduire à un cycle de stress émotionnel. [4] 2. Processus favorisant Caractéristiques personnelles protectrices A l'inverse, certaines caractéristiques personnelles sont associées à la résilience et au bien-être psychologique chez les danseuses et les danseurs. Des attributs tels que la personnalité positive, la confiance en soi, la connexion, la passion harmonieuse et l'optimisme sont des facteurs de défense qui aident la danseuse ou le danseur à faire face aux facteurs de stress. Par exemple, les traits de personnalité positifs favorisent non seulement la confiance en soi, mais aussi la flexibilité psychologique qui permet aux danseurs et danseuses de relever efficacement les défis. [5] Le rôle de la pleine conscience Les pratiques de pleine conscience jouent un rôle important dans la promotion de la résilience mentale. En favorisant la prise de conscience des pensées et des émotions sans jugement, la pleine conscience permet de gérer le stress et de rester présent·e·s dans l'instant. Les recherches montrent que la pleine conscience peut modifier positivement les structures cérébrales associées à la régulation des émotions et à la résilience, ce qui contribue à de meilleurs résultats en matière de santé mentale. Des activités telles que la méditation et les exercices de respiration focalisée peuvent faciliter ce processus et donner aux danseurs et danseuses des outils pour mieux gérer les exigences psychologiques de leur art. [6] Cultiver la résilience Les danseuses et les danseurs sont confronté·e·s à de nombreux défis qui nécessitent une force mentale, de la gestion des blessures à la gestion de la pression lors des représentations. Le développement d'une plus grande résilience mentale et émotionnelle est essentiel pour surmonter ces obstacles. Des stratégies telles que la tenue d'un journal, la fixation d'objectifs réalisables et l'intégration de routines de soins personnels dans la vie quotidienne peuvent permettre aux danseurs et danseuses de gérer efficacement le stress et de maintenir une attitude positive. Accepter l'adversité ne renforce pas seulement la résilience, mais favorise également la croissance personnelle, de sorte que les danseurs et danseuses ressortent plus fort·e·s de leurs expériences. [3] B. ASPECTS PHYSIQUES Intégration des expériences sensorielles La danse active plusieurs sens, y compris la vue, l'ouïe et le toucher, par le biais d'images, de sons et de mouvements corporels. Cette intégration multisensorielle permet aux danseurs et aux danseuses de développer une conscience plus profonde de leur corps et de l'environnement qui les entoure, ce qui peut améliorer leur résilience générale. Par exemple, les techniques de visualisation peuvent être utilisées lorsque les mouvements physiques ne sont pas possibles, permettant ainsi de pratiquer mentalement des actions telles qu’une promenade dans la nature, même s'ils ou elles sont assis·e·s tranquillement dans un bureau. [7] Relaxation musculaire progressive La relaxation musculaire progressive est une technique qui peut considérablement aider les danseurs et danseuses en favorisant la détente physique et en améliorant la conscience corporelle. Cette méthode implique la contraction et le relâchement systématiques de différents groupes de muscles en coordination avec la respiration. Des études montrent que cette pratique réduit non seulement le stress, mais améliore également la résilience physique générale, une qualité essentielle pour les danseuses et danseurs qui sont souvent confronté·e·s à des exigences physiques et à de potentielles blessures. [7] La résilience pour surmonter les blessures Pour beaucoup, les blessures sont une réalité qui nécessite de la résilience. La résilience physique se traduit par la capacité à se remettre des revers, que ce soit en guérissant des blessures ou en gérant les défis émotionnels qui accompagnent de telles expériences. Un environnement favorisant le soutien, caractérisé par un apprentissage collaboratif et des objectifs appropriés, joue un rôle important dans la promotion de la résilience des danseuses et des danseurs qui doivent faire face à des défis physiques. [9] C. FACTEURS SOCIAUX ET CULTURELS Les facteurs de stress culturels en danse Les facteurs de stress culturels ont un impact considérable sur la santé mentale des danseurs et danseuses, en raison de facteurs inhérents à la culture de la danse. L'étude « Mental Health in Dance » montre que la danse classique, par exemple, est caractérisée par une structure autoritaire et hiérarchique qui peut conduire à une conformité silencieuse parmi les danseurs et danseuses, ce qui peut conduire à l'acceptation de comportements abusifs et d'attentes inappropriées. Souvent, les danseurs et les danseuses se sentent contraint·e·s de se conformer à des idéaux physiques étroits qui mettent l'accent sur la minceur comme norme de réussite. De plus, les attentes en matière de qualités personnelles - telles que le dévouement, la dureté mentale et l'humilité - contribuent encore plus au stress dans cet environnement. [4] Connectivité et soutien social La capacité à créer et à maintenir des liens sociaux est fondamentale pour les danseurs et les danseuses, car ces relations peuvent servir de tampon contre le stress. Les recherches soulignent l'importance du soutien social des amis, de la famille, des collègues et des mentors pour atténuer les facteurs de stress liés aux auditions, aux blessures et aux représentations. La reconnaissance du rôle de ces relations améliore non seulement le bien-être psychologique des danseurs et danseuses, mais fournit également un réseau nécessaire de soutien émotionnel dans les moments difficiles. [4] Interaction avec l'environnement Les danseuses et danseurs interagissent de manière complexe avec leur environnement, ce qui peut renforcer ou miner leur santé mentale. Des facteurs tels que les circonstances sociales et culturelles, y compris la compétition et les transitions, peuvent avoir un impact considérable sur leur état mental. Les environnements qui favorisent les interactions positives et le soutien peuvent nourrir la santé mentale, tandis que ceux qui sont caractérisés par une forte pression ou de l'indifférence peuvent la mettre en péril et conduire à des problèmes de santé mentale potentiels. [4] Le rôle de la danse-thérapie Cette méthode thérapeutique met l'accent sur la communication non verbale par le mouvement, ce qui peut être particulièrement bénéfique pour les personnes qui rencontrent des difficultés à s'exprimer verbalement. La participation à la thérapie par la danse se fait souvent en groupe, ce qui favorise l'interaction sociale et la construction d'une communauté, facteurs essentiels au bien-être émotionnel. De telles approches aident non seulement à la guérison individuelle, mais aussi à la construction de la résilience collective, qui peut renforcer la santé mentale globale des danseurs et des danseuses. [10, 11, 12] D. ÉDUCATION ET FORMATION Importance de la résilience mentale en danse L'entraînement en danse ne doit pas seulement favoriser le développement physique, mais aussi le bien-être mental et émotionnel des danseuses et des danseurs. La psychologue Angela Duckworth souligne que le succès résulte de « Grit - passion and perseverance toward long-term goals », c'est-à-dire de la passion et de la persévérance pour des objectifs à long terme. Ceci suggère que cultiver la résilience est essentiel pour que les danseurs et danseuses réussissent dans leur formation et leurs représentations malgré les échecs et les défis. [13] Stratégies de promotion de la résilience - Growth Mindset Cette approche consiste à louer les efforts au-delà du talent et à se concentrer sur le développement des élèves plutôt que sur les résultats. En soulignant ce que les élèves peuvent « encore » accomplir, les formateurs et formatrices encouragent un état d'esprit qui considère les défis comme des opportunités de croissance. Des techniques telles que la fixation d'objectifs qui poussent les apprenants juste au-delà de leurs capacités actuelles - également connues sous le nom de « pratique consciente » - peuvent renforcer la résilience et encourager une attitude plus flexible envers l'apprentissage. [13, 14] Formation complète à la résilience Le concept de « formation active à la résilience en danse » propose un programme d'enseignement structuré visant à fournir aux danseurs et aux danseuses les outils nécessaires au développement de la résilience émotionnelle, cognitive, spirituelle et physique. Cette formation est particulièrement importante lors des phases de transition critiques de la carrière d'un danseur, comme le passage d'une carrière d'amateur à une carrière professionnelle ou la transition d'une carrière de danseur et danseuse actifs à une autre activité, où les exigences psychologiques sont nettement plus élevées. [2] Construire un environnement de soutien Une communauté de soutien construit la résilience des danseurs et des danseuses. La promotion d'une communication ouverte et d'une collaboration entre collègues peut créer un environnement dans lequel les danseuses et les danseurs se sentent en sécurité pour montrer leur vulnérabilité et chercher du soutien. Ce soutien social est essentiel pour maintenir la motivation et favoriser un état d'esprit résilient. [15,16] Prévention des blessures et rééducation Outre la promotion de la résilience mentale, la compréhension de la prévention des blessures et de la rééducation est un élément clé dans le parcours d'un danseur et d’une danseuse. En enseignant comment minimiser les risques de blessures et permettre une récupération efficace, les formateurs et formatrices peuvent renforcer la résilience physique des danseuses et danseurs afin qu'ils puissent retourner à leur métier avec une force et une confiance renouvelée. Dans ce contexte, la résilience ne consiste pas seulement à supporter l'adversité, mais aussi à aborder la danse de manière proactive et informée [18]. On peut citer un exemple frappant dans le monde de la danse : l'histoire du danseur de ballet Steven McRae, qui a dû reconstruire sa résilience mentale et physique pour revenir sur scène après avoir subi une lourde épreuve. Le film « Resilient Man » illustre le fait que la résilience peut être apprise et cultivée. Ce message est universel et s'adresse non seulement aux danseurs et aux danseuses, mais aussi aux personnes de tous horizons. La résilience exige de la patience, de l'autodiscipline et la volonté de relever sans cesse de nouveaux défis. C'est une capacité qui nous permet de sortir plus forts des crises, tout en nous dépassant. Liste des sources : [1]: (PDF) Dance/Movement as Resilience, Unity and Community in Rwanda [2]: A Call for Active Resilience Training in Dance - PubMed [3]: Dancing Through Adversity: Lessons Learned from Dance Injuries [4]: Mental health in dance: A scoping review \| Frontiers [5]: January reset: a brief guide to mental health for dancers [6]: Mental Wellbeing for Dancers — A Dancer's Life [7]: Embodiment Practices: How to Heal Through Movement [9]: Resilience is a journey, not a destination - Dance in Mind [10]: Dance Therapy 101: Can You Heal Through Movement? [11]: Dance/Movement Therapy: A Whole Person Approach to Working with Traum [12]: (PDF) Dance/Movement Therapy for Trauma Survivors: [13]: Embracing uncertainty: the challenges and opportunities in dance [14]: Building Resilience - Dance in Mind [15]: Fostering Resilience in Dancers: Mental Health Strategies for Dance [16]: The Dance of Resilience: How to Thrive Through Life’s [17]: Graceful Resilience: Injury Prevention and Rehabilitation for Dancers [18]: Dancing Through Adversity: How Dance Training Builds Resilience Référence source: TVS 11/2024 Share
Évolution du style & esthétique Culture La danse à la barre : force, sensualité et maîtrise du corps réunies La pole dance est une combinaison fascinante de danse, d'acrobatie et de fitness, dans laquelle les mouvements sont exécutés sur une barre verticale. Issue à l'origine des traditions du cirque et de l'acrobatie, la pole dance s'est développée au cours des dernières décennies pour devenir une forme d'art et de sport à part entière. Aujourd'hui, elle est pratiquée dans des studios du monde entier à la fois comme activité physique et comme expression de la sensualité et de la maîtrise du corps. La pole dance sollicite l'ensemble du corps : elle renforce les muscles, améliore la souplesse et affine la perception du corps. Elle offre également un espace créatif pour s'exprimer et explorer ses propres limites. Cliquez ici pour voir la vidéo La fascination de la danse - Pole dance Première fois en pole dance Adrian Hochstrasser, collaborateur de TANZ Association Suisse TAS, s'est essayé à la barre. Sa première leçon de pole dance lui a demandé beaucoup de force musculaire, de coordination et de concentration, et lui a valu bien plus que quelques bleus. Son récit d'expérience Référence source: TVS 11/2024 Share
Dimensions sociales dans la danse Dance Science Qualité de vie à l’âge adulte grâce à la danse Comment la danse peut-elle concrètement contribuer à améliorer la qualité de vie à l’âge adulte moyen ? Dans son mémoire de master, Anna Pilchowski décrit les défis de l’âge adulte moyen et montre comment la danse peut influencer la qualité de vie, notamment la capacité d’autodétermination. Introduction Le mémoire de master « La danse comme action sociale. Le corps comme médium pour une meilleure qualité de vie à l’âge adulte » d’Anna Pilchowski est paru en 2024 aux éditions Tectum. Outre une réflexion théorique et sa mise en perspective, l’auteure met en évidence, à partir de cinq entretiens qualitatifs, les effets de la danse sur les personnes interrogées. Les entretiens ont été analysés selon la méthode documentaire de Bohnsack. L’âge adulte moyen sous tension L’âge adulte moyen est difficile à cerner, car les transitions évoluent et les biographies sont individuelles. Dans le mémoire, il est défini comme une tranche d’âge d’environ 30 à 65 ans, en s’appuyant sur les perspectives de différents auteurs. Les personnes appartenant à cette phase de vie évoluent dans divers domaines tels que le travail, la famille, les relations sociales ou les loisirs. Ces aspects offrent d’une part des possibilités d’organisation de vie variées, mais comportent d’autre part des risques, par exemple la pression sociale et les exigences d’optimisation, susceptibles de restreindre l’autodétermination et, par conséquent, le libre épanouissement de la personnalité. L’autodétermination se situe ainsi dans un rapport de tension avec l’adaptation sociale. Cette idée est notamment éclairée par les processus dits d’accélération (Rosa 2020[1]) de la société de performance, qui se manifestent entre autres par des contraintes d’optimisation (y compris corporelle) visant à répondre aux exigences sociales. Dans ce contexte se pose la question des marges d’action et de la qualité de vie à l’âge adulte moyen, d’autant plus que de nombreuses personnes aspirent au bonheur et à la satisfaction. La danse comme médium d’une formation libre (de la personnalité) Les processus de formation socio-pédagogiques peuvent soutenir cet objectif. La formation socio-pédagogique ne se soumet pas à la pression sociale ; elle met l’accent sur le sens individuel et l’épanouissement personnel. Le travail s’appuie notamment sur le triple mandat de Staub-Bernasconi (contexte : professionnalité du travail social) et sur l’approche par les capacités de Sen (contexte : soutien des possibilités de réalisation des personnes concernées). L’éducation comprise comme libre développement de la personnalité peut par exemple être rendue possible par la danse, car celle-ci constitue un médium performatif de l’action sociale. La danse est une forme d’interaction et de communication qui stimule les processus réflexifs. Ainsi, des savoirs incorporés — par exemple des attitudes — peuvent être extériorisés par la danse. L’« extérieur » fournit un retour qui peut à son tour déclencher des processus de réflexion chez la personne qui danse. Ce rapport à soi et au monde est mis en évidence dans la publication à travers l’ambiguïté selon Merleau-Ponty et la performativité selon Wulf et Zirfas. La danse fonctionne donc aussi comme un espace d’expérience susceptible d’ouvrir des marges d’action. Transférer les potentiels d’autodétermination dans le quotidien Ces réflexions théoriques conduisent aux questions suivantes : quelles formes d’action sociale apparaissent dans la danse ? Ces actions révèlent-elles des potentiels d’autodétermination ? Et dans quelle mesure ceux-ci peuvent-ils être transférés dans la vie quotidienne ? Cinq entretiens menés auprès d’adultes d’âge moyen explorent ces questions. Les personnes interrogées pratiquent différents styles de danse. L’analyse montre que toutes associent la danse à l’autodétermination, bien que sous des formes variées. La danse leur ouvre des marges d’action et recèle ainsi des potentiels d’autodétermination. Alors que certaines personnes font surtout l’expérience de l’autodétermination à travers l’interaction sociale, d’autres mobilisent ces potentiels avant même l’engagement corporel et l’interaction dans la danse. En dansant, les adultes acquièrent des expériences, des capacités et des compétences qui leur permettent de réfléchir à leur quotidien d’une manière particulière et de transférer les connaissances nouvellement acquises. Conclusion Les entretiens analysés indiquent que les thèses et les questions élaborées sur le plan théorique sont compatibles avec la réalité. Pour les personnes d’âge moyen interrogées, la danse offre des possibilités d’exploiter leurs potentiels d’autodétermination, d’élargir leurs marges d’action — autrement dit leurs libertés — et de les transférer en partie dans la vie quotidienne. Cela implique également qu’une influence positive sur la satisfaction et la qualité de vie des personnes concernées est possible. Bibliographie [1] Rosa, H. (2020). Resonanz. Eine Soziologie der Weltbeziehung. Berlin : Suhrkamp Verlag Source : Anna Pilchowski (2024) Référence source: Anna Pilchowski (2024) Share
Entraînement & apprentissage Pédagogie Jason Beechey, nouveau directeur de la danse à la ZHdK : un vent nouveau sur la formation en danse « Les étudiant·e·s et les élèves sont au cœur de tout – ils en sont l'essence même ! » TANZ Association Suisse TAS s'est entretenue avec Jason Beechey, entre autres, sur les adaptations et les nouveautés des formations en danse à la ZHdK, sur les synergies entre la danse classique et la danse contemporaine et sur les programmes d'enseignement actuels dans les institutions de formation en danse. Le belgo-canadien Jason Beechey a officiellement pris ses fonctions de Head of Dance à la ZHdK le 1er août 2024, après avoir dirigé pendant plus de dix-huit ans la Palucca-Hochschule für Tanz à Dresde. En proposant des programmes de formation modernes et en améliorant la prévention en matière de santé, il a su faire évoluer fondamentalement les programmes de formation en danse à Dresde. Avec cette nomination, la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) a fait venir à Zurich un pédagogue expérimenté en la personne de Jason Beechey. Le poste de Head of Dance supervise d’une part la Tanz Akademie Zürich, une école de renommée internationale qui forme des danseurs et danseuses classiques de 15 à 18 ans et un cursus de base pour les enfants à partir de 11-12 ans et d'autre part, la ZHdK propose actuellement un BA Contemporary Dance, ainsi qu'un MA Dance, Choreography et un MA Dance, Teaching and Rehearsing Dance Professionals. Le Head of Dance continuera à développer ces formations au sein du département de la ZHdK Tanz de façon plus transversale. Vous êtes Head of Dance à la ZHdK depuis le 1er août 2024. Auparavant, vous avez travaillé pendant dix-huit ans à la Palucca-Hochschule für Tanz de Dresde. Est-ce que le concept de réussite peut être appliqué à la ZHdK de façon identique ? Quelles expériences apportez-vous à la ZHdK? Je ne pense pas que je ferais une réplique exacte. Au cours des 18 années passées à la Palucca-Hochschule, nous avons développé notre propre identité. J'apporte un grand réseau d'écoles partenaires, de compagnies partenaires, de personnes de confiance, et bien sûr beaucoup d'idées sur la façon dont nous pouvons construire quelque chose de complètement nouveau ici à Zurich. Ce que je trouve particulièrement passionnant ici à la ZHdK, c'est la diversité des programmes de formation – des cours de base aux cours d’études supérieures en danse classique au Bachelor en danse contemporaine, en passant par le Master en chorégraphie et le Master en « Teaching and Coaching Dance Professionals » ainsi que la recherche scientifique en danse. Ces dernières années, le paysage suisse de la danse est entré en crise en raison de dysfonctionnements, et l'Académie de danse a également été touchée. Quelles sont les priorités que vous vous êtes fixées pour la réorientation de la ZHdK ? Les étudiant×e×s et les élèves sont au centre de nos préoccupations – ils et elles sont au cœur de notre travail ! Il s'agit de leur offrir un espace sûr, dans lequel ils et elles se sentent bien et en sécurité. La danse n'est pas le seul élément à prendre en compte, mais aussi les meilleurs soins possibles au plus haut niveau grâce à la médecine sportive, la médecine de la danse et l'entraînement mental. Nous voulons créer un lieu où les parents peuvent dire en toute bonne conscience : « Je sais que mon enfant est entre de bonnes mains ». Pour ce faire, nous échangeons en permanence afin de permettre des perspectives individuelles pour tous les étudiant×e×s et élèves. Entre-temps, des mesures et des innovations ont déjà été mises en œuvre. Nous avons posé la première pierre avec le programme de santé HEC (Health, Excellence and Career Development) : Le Conseil des parents et les délégué×e×s des élèves y participent afin de s'assurer que chaque voix est entendue. Pour moi, l'autonomisation, la transparence et la communication sont des priorités absolues. Depuis l'automne 2022, un concept de santé global a été mis en œuvre progressivement à la taZ sous la direction de l'équipe de direction intérimaire de l'époque. Comment se présente en détail le nouveau concept de santé pour les danseuses et les danseurs à la ZHdK et pourquoi est-il un élément important de la formation ? Nous avons revu en profondeur les structures d'apprentissage existantes, par exemple en introduisant une semaine de 5 jours pour permettre au corps de se régénérer pendant les 48 heures nécessaires - ce qui est important dans le contexte de la croissance des jeunes. Nous mettons également l'accent sur la transparence dans la communication : si un élève a mal, il doit pouvoir en parler ouvertement ! Un×e physiothérapeute sur place privilégie non seulement la rééducation mais aussi la prévention. De plus, nous travaillons avec une équipe interdisciplinaire d'expert×e×s en yoga, en Pilates et en entraînement mental. En conséquence, les étudiant×e×s deviennent plus fort××es physiquement, développent une plus grande endurance et acquièrent une meilleure compréhension de leur corps et de leur créativité. Ces progrès sont clairement perceptibles sur scène. Il est important pour nous d'accompagner les jeunes tout au long de leur développement, y compris à travers des phases délicates telles que la croissance ou toute autre problème. Les écoles de ballet enseignent une technique codifiée dont les principes remontent en partie aux programmes du siècle dernier. Personnellement, vous misez explicitement sur l'apprentissage créatif et la possibilité de se développer individuellement en fonction des propres points forts. Quels sont les contenus d'enseignement et d'apprentissage modernes que vous souhaitez utiliser pour atteindre cet objectif ? Je trouve fascinant que la danse classique ait plus de 300 ans et qu'elle soit pourtant en constante évolution. Si l'on regarde une production classique de l'an 2000, elle semble souvent démodée aujourd'hui. La façon dont nous dansons et dont nous percevons la danse a énormément changé ! Nous nous éloignons de plus en plus des vieux clichés selon lesquels les hommes ne sont là que pour faire des portés et les femmes doivent paraître en apesanteur. La technologie évolue constamment et il y a encore beaucoup de place pour de futures innovations. Ce point est particulièrement passionnant, car la danse classique évolue elle aussi de manière aussi dynamique que la danse contemporaine. Les étudiant×e×s de la ZHdK appartiennent à la génération Z (nés×e×s entre 1997 et 2012). Pour la jeune génération, une culture favorisant le feedback ouvert joue un rôle de plus en plus important. Au travail, les jeunes nourrissent des désirs d'épanouissement personnel, de collaboration entre collègues et recherchent un contact étroit et confiant avec leur encadrement. Une formation en danse peut-elle répondre à ces aspirations ? Dans le passé, le modèle était qu'un danseur ou danseuse ne pouvait rien dire ou remettre en question - seule la participation était requise. Bien sûr, la peur et la pression permettent d'obtenir des résultats rapides, mais cette approche a pour conséquence de faire souffrir les gens à long terme et de ne jamais leur donner le sentiment d'être à la hauteur. Je rejette totalement le vieux principe qui consiste à briser quelqu'un pour le reconstruire ensuite. La relation de dépendance dans laquelle l'enseignant×e est considéré×e comme une autorité intouchable et où l’élève n'a aucune responsabilité personnelle est également dépassée. Il ne s'agit plus de « puissance », mais d'une relation respectueuse dans laquelle le corps enseignant transmet son expérience et ses connaissances sans pour autant dominer. Nous sommes là pour apporter un soutien, uniquement dans le sens d'une offre, pas d'une contrainte rigide. Nous devrions encourager les apprenant×e×s, et non les dévaloriser : « Tu sautes plus haut, tu tournes plus, tu voles plus loin ! Qu'as-tu fait de différent pour que cela fonctionne mieux cette fois-ci ? » Ce type de dialogue et d'encouragement permet à la danse classique d'aller beaucoup plus loin que les méthodes dépassées de pression et de répression. Il s'agit de donner du pouvoir aux danseurs et danseuses - l'empowerment est la clé ! L'enseignement du ballet doit-il être fondamentalement remis en question parce qu'il ne répond plus aux exigences actuelles de la société ? Pour moi, cette question ne se pose pas, car la danse n'a jamais été aussi présente qu'aujourd'hui. C'était impensable auparavant. Aujourd'hui, il existe des activités dans le monde entier comme « Dancing with the Stars » en Allemagne et aux États-Unis, « So You Think You Can Dance », ou des représentations du Royal Ballet retransmises au cinéma. De plus, le nombre élevé de candidatures pour des places de formation parle de lui-même ! Que ce soit pour le Youth America Grand Prix, le Prix de Lausanne, c'est une véritable explosion de la danse ! L'intérêt est plus grand que jamais. La seule question est : Comment danse-t-on ? Que dansons-nous ? Aujourd'hui, le spectre n'a jamais été aussi large : danse classique, hip-hop, danse urbaine, danse africaine, tous les genres trouvent leur place. Il serait dommage de tomber dans une sorte de cancel culture, où l'on supprimerait la danse classique, par exemple, pour ne promouvoir que le hip-hop. Ce serait unilatéral ! De même qu'il y a de la place pour un orchestre symphonique et pour Taylor Swift, il doit y avoir de la diversité dans la danse. Nous ne devrions pas dire : « Dehors l'orchestre philharmonique parce que Taylor Swift a plus de public ». Il en va de même pour la danse. A la Tanz Akademie Zürich, un changement culturel est déjà en cours. Qu'est-ce qui vous donne la certitude que le changement initié à l'Académie de danse sera une réussite ? Chaque année, nous procédons à une évaluation - totalement transparente. Les élèves ont la possibilité de faire entendre leur voix : Ai-je été entendu×e ? Comment me suis-je senti×e? Ai-je été suffisamment soutenu×e ? Je pense qu'une évaluation annuelle est absolument nécessaire, notamment pour obtenir un retour sur la nouvelle équipe de santé. Nos échanges avec les élèves se font sur un pied d'égalité. Il s'agit d'une conversation entre personnes, respectueuse et informelle, sans la distance habituelle entre l'enseignant×e et l'élève. Dans ce climat ouvert, il est possible de parler de tout, même de choses personnelles. Même les plus jeunes y participent activement. L'autre jour, deux élèves sont venus me voir après une première et m'ont demandé : « M. Beechey, vous avez aimé ? » On voit qu'ils ont des idées et qu'ils ont le courage de les exprimer avec assurance. Concrètement, en quoi consiste votre rôle de Head of Dance et quel est le profil recherché pour la danse à la ZHdK ? En tant que Head of Dance, je suis responsable de la vision globale du domaine de la danse : comment dansons-nous ? Que dansons-nous ? Où en est la recherche scientifique ? Comment structurons-nous l'équipe ? Je ne vois pas mon rôle comme celui d'un simple dirigeant qui donne des instructions depuis le haut, mais plutôt comme celui d'un catalyseur. Il s'agit de former une équipe dans laquelle chacun et chacune apporte ses propres idées et ambitions. Je veux que les gens puissent dire : « Je veux travailler à la ZHDK parce que je veux développer mon propre style, créer des chorégraphies ou former la prochaine génération de professeur×e×s de ballet ». Quel est l'avantage pour les élèves et les étudiant×e×s de bénéficier d'un enseignement de danse complet et à spectre large, tel qu'il est envisagé à la ZHdK ? Si l'on peut créer un lieu où l'on peut approfondir aussi bien le domaine classique que le domaine contemporain, je trouve cela formidable. Il est important que nous offrions un espace où les jeunes talents puissent non seulement vivre et s'entraîner, mais aussi obtenir une éventuelle maturité professionnelle ou un Bachelor. Nous pourrions ainsi concevoir un programme complet et varié, qui permettrait de suivre différentes voies. Le milieu de la danse est très interconnecté, la coopération et la collaboration internationales sont une composante essentielle d'une carrière dans la danse professionnelle. Quelles sont les possibilités de participation et de coopération qui existent actuellement en Suisse et au niveau international et qu'est-ce que cela signifie pour les élèves et les étudiant×e×s de la ZHdK ? Ces échanges offrent d'immenses possibilités. Les enseignant×e×s de la TaZ se rendront bientôt à l'école de l'Opéra de Paris, tandis que leurs professeur×e×s nous rendront visite sur place. Nous sommes allés à Toronto, et en troisième année du programme de Bachelor, les étudiants font un stage dans une compagnie. Ils reviennent ensuite complètement transformé×e×s et mûri×e×s. Un étudiant de quatrième année de la taZ effectue actuellement un stage au ZÜRICH Ballet, où il monte sur scène dans « Clara » et « Giselle ». Ces expériences favorisent non seulement la confiance en soi, mais aussi l'expérience de la scène et la création de contacts précieux. Le monde de la danse est petit : on y retrouve toujours d'anciens collègues, que ce soit dans le cadre notamment des Summer Schools ou plus tard dans des compagnies. De tels programmes d'échange offrent non seulement un développement personnel, mais aussi un partage des connaissances. Ce qui était autrefois souvent tenu secret est aujourd'hui facilement accessible grâce à Internet, et les bénéfices de ces liens sont énormes - à tous les niveaux. Cinq questions auxquelles je vous demande de répondre brièvement À Dresde, ce qui me manque … ce sont les gens ! La dernière fois que j'ai été au théâtre, c'était ... pour « Mind the Gap » à Baden (Tanz und Kunst Königsfelden). Si je n'étais pas devenu danseur ou pédagogue de la danse, .... je ne peux pas vivre sans danse ! La danse classique existera encore dans 100 ans, car ....elle recèle encore un énorme potentiel. Ce qui me fascine à la ZHdK, … ce sont les gens. Dans chaque département, on rencontre des personnalités inspirantes, et même si j'ai déjà pu nouer de nombreux contacts passionnants, il y a encore de nombreuses rencontres que je me réjouis de faire. Référence source: TVS 11/2024 Fotocredit: Jason Beechey © ZHdk Share
Danse communautaire Social Dépasser les limites normatives La "Community Dance" peut-elle nous aider aujourd'hui à créer des rencontres créatives et à surmonter les barrières sociales grâce au mouvement commun ? Un regard sur l'évolution de la "Community Dance". La « Community Dance » est un moyen précieux de promouvoir l'esprit de communauté et de mettre les gens en contact à travers la danse. Nous vivons une époque qui révèle des besoins et des défis similaires à ceux de l'époque où la « Community Dance » a vu le jour : une phase de réorientation, de renouveau et de rupture avec des systèmes figés. Nous considérons ce mouvement comme une opportunité de créer un espace de rencontres créatives et d'expériences communautaires à travers la danse. TANZ Association Suisse TAS souhaite profiter de l'occasion pour examiner de plus près le concept et l'origine de la « Community Dance ». En nous penchant sur le développement et les principes de la « Community Dance », nous souhaitons mettre en évidence les liens entre la danse, la communauté et le changement social. Notre objectif est de souligner la diversité et la pertinence sociale de cette pratique et de mettre ainsi en évidence l'importance de la danse en tant qu'élément fédérateur et libérateur dans notre monde contemporain. Le terme « Community Dance » décrit une pratique de danse qui réunit des personnes issues de différents groupes sociaux dans le but de vivre et de créer ensemble une expérience de danse. L'accent n'est pas mis sur la perfection technique, comme c'est le cas pour les ensembles de danse professionnels, mais sur l'expérience collective, le plaisir du mouvement ainsi que la promotion de la créativité et de l'interaction sociale. Cette forme de danse s'adresse aux personnes de tout âge, qu'elles aient ou non une expérience dans le domaine de la danse. Les gens peuvent se rencontrer par et grâce à la danse, afin que chacun soit respecté et que les défis individuels, les limitations et les différences puissent être intégrés. Comment la « Community Dance » s'est-elle développée ? La « Community Dance » trouve ses racines dans l'interaction sociale et culturelle et, historiquement, elle a toujours fait partie de la vie sociale. Cependant, cette pratique a beaucoup évolué au cours des dernières décennies, en particulier depuis les années 1960 et 1970, lorsque des mouvements sociaux tels que le mouvement des droits civiques, la protection de l'environnement et le féminisme ont conduit à un changement de mentalité dans le monde artistique. C'est à cette époque que de nouvelles pratiques en matière de danse sont apparues, rejetant les normes traditionnelles. En Europe, la « Community Dance » s'est fortement développée en Grande-Bretagne. Elle est née dans le cadre d'un mouvement social plus large visant à rendre la danse et l'art accessibles à une population plus vaste et à rassembler les communautés par la danse. Elle s'adressait à des groupes de population vivant dans des zones rurales ou dans les quartiers sensibles des villes. L'un des principes fondamentaux de la « Community Dance » est que tout le monde peut participer et s'impliquer pleinement. La danse contemporaine se prête particulièrement bien aux projets de « Community Dance », car elle offre à chacun la possibilité de s'exprimer émotionnellement en utilisant son propre langage corporel, tout en faisant l'expérience du sentiment d'appartenance à un groupe. Les méthodes d'improvisation utilisées dans la danse contemporaine facilitent également l'intégration des personnes ayant des besoins particuliers, comme celles qui se déplacent en fauteuil roulant. Comment la « Community Dance » s'est-elle développée en particulier en Suisse ? Dans les années d'après-guerre du XXe siècle, en particulier après les années 68, une prise de conscience accrue des structures communautaires et des réseaux sociaux a vu le jour en Suisse, comme dans de nombreux autres pays. C'était une période de renouveau et de changement social. Les mouvements sociaux, les initiatives citoyennes et les projets de voisinage ont pris de l'importance. La création de coopératives, de groupes d'entraide et d'associations culturelles a joué un rôle central dans la mise en réseau des personnes au sein d'une société en pleine mutation. Les premières initiatives de « Community Dance » sont apparues en Suisse à la fin des années 90. Le projet BewegGrund de Susanne Schneider est considéré comme un projet pionnier en Suisse et existe depuis 1998. Susanne Schneider et Tina Mantel sont deux promoteurs de la danse inclusive qui s'engagent depuis des années en faveur de projets de spectacles variés et de la danse inclusive en Suisse. TANZ Association Suisse TAS s'est entretenue avec elles sur leurs approches visant à rendre la danse, en tant que forme d'art inclusive, accessible à une plus large population, à dépasser les frontières normatives et à rassembler des personnes aux capacités différentes. Découvrez l'interview. Sources: Royston, Maldoom. Community Dance. Jeder kann tanzen. Das Praxisbuch von Jacalyn Carley, Henschel Verlag, Leipzig, 2010. Anne Davier, Annie Suquet. Zeitgenössischer Tanz in der Schweiz, 1960-2010. Zu den Anfängen einer Geschichte. Aus dem Französischen übersetzt von Julia Wehren. Theatrum Helveticum, Band 21, 2021. Plus d’infos: https://www.communitydance.org.uk/ https://www.communitydance.org.uk/DB/animated-library/tracing-roots?ed=14074 https://www.communitydance.org.uk/DB/resources-3/what-is-community-dance Référence source: TVS 09/2024 Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie La danse en classe – outils pédagogiques pratiques Faut-il être un·e professionnel·le de la danse pour encourager les enfants à danser ? Peut-être suffit-il d’acquérir quelques outils. Différents supports pédagogiques en danse sont présentés ici, notamment des ouvrages de Madeleine Mahler, Cécile Kramer et Tamara Gassner, qui proposent des approches créatives et proches de la pratique pour l’enseignement de la danse. En avril 2024, TANZ Association Suisse TAS a publié, dans le cadre d’un article consacré au rôle de la danse dans le processus éducatif, un éclairage sur l’importance et la mise en œuvre du Plan d’études 21 dans le domaine de la danse à différents niveaux scolaires. Dans cette contribution, nous vous présentons une sélection de supports pédagogiques dans le domaine de la danse : des ouvrages de Madeleine Mahler des années 1970 et 1980 à ceux de Cécile Kramer, jusqu’à Tamara Gassner, dont le livre « Achtung, fertig, TANZEN » paraîtra encore cette année. Mais reprenons depuis le début ! « Kreativer Tanz », Madeleine Mahler Zytglogge-Werkbuch, 118 pages, 1979. Dans son ouvrage consacré à la danse créative, Madeleine Mahler s’est penchée de manière approfondie sur la signification et les possibilités de la danse en tant que forme d’expression. Elle montre comment la danse créative peut être utilisée pour incarner et exprimer des émotions, des histoires et des expériences personnelles. Son approche accorde une importance particulière à l’improvisation et à la liberté de mouvement, permettant aux danseuses et danseurs de développer leur créativité et leur individualité. Le livre propose des indications pratiques, avec illustrations et exemples de leçons pour l’école et le studio, mais peut également être utilisé comme source d’inspiration plus générale. Il s’adresse aussi bien aux danseuses et danseurs qu’aux pédagogues souhaitant utiliser la danse créative comme outil pédagogique. Il allie théorie et pratique et propose des consignes ainsi que des exercices. « Tanz als Ausdruck und Erfahrung », Madeleine Mahler Zytglogge-Werkbuch au format DIN A4, 128 pages, 1987. La pédagogue de danse Madeleine Mahler montre comment la danse, à partir de l’expérience personnelle, peut faire naître le plaisir du mouvement. Paru en 1987, cet ouvrage contient des bases didactiques pour la préparation des cours et offre ainsi de précieuses impulsions pour l’enseignement auprès des jeunes. Un livre stimulant, qui peut ouvrir la voie à une création personnelle. « Dance360-School », Cécile Kramer Un support pédagogique interactif avec exemples vidéo. L’apprentissage, l’application et la création de pas de danse constituent l’élément central. De l’école enfantine au secondaire. Dance360-School.ch Le support pédagogique dance360-school est né du besoin de développer de manière ciblée le domaine de la culture de l’expression. Il aide les enseignant·e·s à transmettre de façon ludique des styles de danse, une diversité de mouvements et des chorégraphies adaptées à l’âge. Parallèlement, les élèves intéressé·e·s peuvent également utiliser le support de manière autonome. Celles et ceux qui souhaitent apprendre au-delà du cadre des cours peuvent découvrir, via la plateforme interactive, des mouvements attrayants et créer leurs propres combinaisons de danse à l’aide d’une playlist personnelle. Le support est ouvert à toute personne souhaitant l’utiliser à des fins pédagogiques non commerciales. Avec plus de 400 clips vidéo de danse, il offre une possibilité interactive aux enseignant·e·s, aux chargé·e·s de cours ainsi qu’aux élèves de développer des idées de pas, de combinaisons ou de chorégraphies complètes. Des styles tels que le hip-hop, le jumpstyle, le ragga, la salsa et le jive sont proposés en complément des bases de la danse. Des apports méthodologiques et didactiques concernant le travail avec la musique sont également intégrés. « Da tanzt der Bär », Tamara Gassner Support pédagogique proche de la pratique pour l’école enfantine et le degré primaire, adapté au Plan d’études 21, Tamara Gassner, dance4school.ch Le support pédagogique « Da tanzt der Bär » se compose d’un jeu de cartes illustrées d’animaux, qui permet aux jeunes enfants de découvrir de manière ludique des schémas moteurs essentiels et différentes formes de déplacement, tout en posant les bases des compétences en danse. Il ne s’agit pas uniquement d’imiter, mais surtout d’expérimenter et de créer. Les cartes sont maniables et polyvalentes. Leur utilisation permet de couvrir les objectifs du Plan d’études 21 dans le domaine musique et danse pour l’école enfantine et le degré primaire. Chaque carte présente clairement les objectifs d’apprentissage spécifiques. Des phrases inspirantes, des exercices pratiques, des mots-clés et des esquisses de mouvements soutiennent la mise en œuvre. Un QR code avec téléchargement gratuit pour chaque carte renvoie à une musique adaptée et à de nombreuses autres idées pédagogiques. Le support s’adresse aux enseignant·e·s d’école enfantine, aux pédagogues de la danse, aux thérapeutes de la danse et aux enseignant·e·s de musique. Il facilite l’entrée dans la danse dès le plus jeune âge. « Achtung, fertig, TANZEN ! », Tamara Gassner Le deuxième support pédagogique de Tamara Gassner s’adresse aux degrés primaire et secondaire. Il comprend de nombreuses tâches adaptées aux élèves plus âgé·e·s, en lien avec le Plan d’études 21 : dance4school.ch. Le support paraîtra en septembre 2024 aux éditions Ingold Verlag. Avec le support pédagogique « Achtung, fertig, TANZEN » de Dance4School et de l’association Tanzförderung, il ne s’agit pas uniquement d’apprendre des pas et des chorégraphies attrayantes – mais de transmettre un système permettant de danser même sans connaissances professionnelles préalables. Il met à disposition un « sac à dos » rempli d’idées inspirantes, d’outils pratiques et de supports précieux pour mettre en œuvre avec succès les objectifs du Plan d’études 21 dans les domaines musique et mouvement. Le support se compose de cartes maniables et flexibles, qui permettent une entrée simple dans le thème de la danse. Les tâches s’adressent aux enseignant·e·s et responsables qui ne sont pas eux-mêmes danseurs ou danseuses, mais qui souhaitent s’initier au thème de la danse. Pour la musique correspondante, Tamara Gassner partage volontiers sa Spotify-Playlist Les personnes derrière les supports pédagogiques en danse Madeleine Mahler était professeure de gymnastique et de sport à l’EPFZ, danseuse et pédagogue de la danse. Elle a enseigné le sport, avec un accent sur la danse, dans des écoles du degré secondaire et dans le cadre de formations continues pour enseignant·e·s. Elle était chargée de cours en conception du mouvement dans la formation des enseignant·e·s de gymnastique et de sport à l’École polytechnique fédérale de Zurich. Outre les ouvrages présentés ci-dessus, elle a également publié « Tanzchuchi » (1981) et « Move » (1984). Cécile Kramer est chorégraphe, enseignante et pédagogue, professeure de gymnastique, de sport et de danse. Elle a suivi des formations spécialisées en jazz dance et en hip-hop/street dance à New York et à Los Angeles. Elle est chargée de cours en danse à l’EPFZ pour les futur·e·s enseignant·e·s de sport et les étudiant·e·s en sciences du mouvement, du niveau de base jusqu’à la spécialisation en danse. https://dance360-school.ch/de/ Tamara Gassner a étudié la culture de la danse à Berne, la pédagogie théâtrale à Lucerne et la psychomotricité à Munich. Elle est également experte Jeunesse et Sport dans le domaine de la danse. Elle intervient comme chargée de cours en pédagogie de la danse, enseigne dans des hautes écoles, dans le milieu du cirque et participe régulièrement à des projets de danse et de théâtre. En tant qu’experte J+S danse, elle anime des formations continues et des ateliers pour enseignant·e·s, professeur·e·s de sport et de danse dans toute la Suisse. Avec sa plateforme « Dance4school » et ses supports pédagogiques « Da tanzt der Bär » et « Achtung, fertig, tanzen », elle ancre la danse dans les écoles. www.dance4school.ch Sources des contributions Wehren, Julia : Madeleine Mahler, in : Kotte, Andreas (éd.) : Theaterlexikon der Schweiz, Chronos Verlag, Zurich 2005, vol. 2, p. 1158–1159. https://dance360-school.ch/de/ https://dance4school.ch Référence source: TVS 09/2024/ah Share
Histoire de la danse & diversité Culture Aperçu de la direction artistique au Théâtre de Saint-Gall « Je suis convaincu que la diversité nous permet d’apprendre les uns des autres et de grandir ensemble ! » Frank Fannar Pedersen, directeur de la danse au Théâtre de Saint-Gall, mise sur la diversité, la durabilité et la participation dans le domaine de la danse. Il promeut un environnement inclusif et créatif, dans lequel des danseuses et danseurs issus de différents horizons culturels peuvent développer leurs talents. L’Islandais Frank Fannar Pedersen a suivi sa formation de danse à la National Ballet School of Iceland et à l’École de ballet de l’Opéra national de Finlande à Helsinki. Il a dansé au Ballet de Bâle, à l’Iceland Dance Company, au sein de l’IT Dansa à Barcelone et au Théâtre national de Hesse à Wiesbaden. Depuis la saison 23/24, il est le nouveau directeur artistique de la danse au Théâtre de Saint-Gall et a été cette année membre de l’équipe de direction artistique du festival de danse Steps du Pour-cent culturel Migros. TANZ Association Suisse TAS s’est entretenue avec lui, entre autres, sur la participation, la diversité et la durabilité, et sur la manière dont il entend mettre en œuvre ces valeurs fondamentales dans le domaine de la danse. Après huit ans de collaboration avec Richard Wherlock au Théâtre de Bâle et votre fonction actuelle de directeur artistique de la danse au Théâtre de Saint-Gall, vous avez également été membre cette année de l’équipe de direction artistique du festival de danse Steps. Existe-t-il un lien ou une affinité particulière avec la Suisse qui ont influencé cette décision ? J’ai jusqu’ici passé la majeure partie de ma vie professionnelle en Suisse. Je suis né en Islande et j’ai vécu mes six premières années en Allemagne. Je suis ensuite retourné en Islande, où j’ai passé dix ans. Par la suite, j’ai sillonné l’Europe comme danseur au sein de différentes compagnies. Je vis en Suisse depuis dix ans maintenant, et j’ai eu la chance d’y trouver un travail inspirant et stimulant dans la danse et de pouvoir m’y consacrer pleinement. Dans le monde de la danse, il est inhabituel de rester aussi longtemps au même endroit, mais le lien étroit avec la nature en Suisse m’a fasciné dès le début et m’a donné un sentiment d’appartenance. La diversité joue un rôle croissant dans le monde artistique. Comment souhaitez-vous continuer à promouvoir la diversité au sein de la troupe et veiller à ce que différents parcours et perspectives soient représentés sur scène ? La compagnie de danse du Théâtre de Saint-Gall réunit des artistes issus de 14 nationalités différentes. La diversité des origines culturelles enrichit considérablement notre travail créatif. Cette diversité se reflète aussi dans le choix des œuvres et des chorégraphes. Nous nous efforçons d’intégrer la diversité dans le plus grand nombre possible de facettes de notre travail artistique. Cela suppose également de reconnaître les talents de nos artistes et de les promouvoir de manière ciblée. Les danseuses et danseurs n’ont souvent pas la possibilité d’exprimer pleinement leur potentiel artistique. Si certains chantent ou jouent d’un instrument, je souhaiterais leur offrir à Saint-Gall une plateforme pour valoriser ces talents. La danse reste toutefois la compétence principale. Je pense que les frontières entre les disciplines artistiques deviennent de plus en plus perméables. Dans cet esprit, j’aimerais intégrer d’autres formes artistiques dans la danse, sans pour autant négliger l’élément central qu’est le mouvement. La diversité se reflète aussi dans mon équipe d’assistance. Nous avons deux directeurs des répétition aux parcours variés. Ils enseignent différents styles d’échauffement, tels que le yoga, les Pilates, la danse contemporaine, ainsi que des cours de ballet et de conditionnement physique. Je suis convaincu que la diversité nous permet d’apprendre les uns des autres et de grandir ensemble. Dans mon travail quotidien avec les danseuses et danseurs, je tiens à m’ouvrir à différentes expériences de vie et formes d’expression, et à m’en inspirer. La diversité joue un rôle essentiel dans l’art. La durabilité est une priorité au Théâtre de Saint-Gall. Comment prévoyez-vous d’intégrer durablement ces pratiques dans votre direction artistique, en matière de productions, de ressources et d’aspects humains ? Pour un usage responsable des ressources dans le domaine culturel, le Théâtre de Saint-Gall collabore avec le centre de conseil Reflector de m2act, le projet de soutien et de mise en réseau du Pour-cent culturel Migros. Nous nous conformons aux directives de Reflector. Cela nous permet de remettre en question de manière critique notre gestion actuelle des ressources tout en planifiant un secteur culturel plus sobre pour l’avenir. Un aspect central de la durabilité concernant nos danseuses et danseurs est leur santé : nous collaborons désormais avec l’Orthopédie Saint-Gall afin d’accorder davantage d’importance à ces aspects. Outre la rééducation, nous nous concentrons principalement sur la prévention. Des tests fonctionnels ciblés permettent d’identifier précocement d’éventuelles faiblesses physiques afin de prévenir les blessures. Nous remettons en question la nécessité du matériel utilisé et recherchons des alternatives simples ou envisageons de nous en passer complètement. Ces réflexions conduisent à des discussions importantes, au cours desquelles nous réduisons l’effort de scénographie à un minimum et le remettons en question. En outre, chaque billet pour un concert ou une représentation du Théâtre de Saint-Gall inclut les frais de transport aller-retour en transports publics dans les réseaux Ostwind, Vorarlberg et Liechtenstein. Le public est encouragé à venir au théâtre en transports publics plutôt qu’en voiture. Une question centrale demeure : comment créer un art qui reste impressionnant avec moins de ressources ? Dans la culture managériale moderne, la participation joue un rôle clé. Quelles mesures concrètes avez-vous mises en œuvre avec les danseuses et danseurs au début de la saison 23/24 pour appliquer ces principes ? Une reconfiguration fondamentale des relations entre direction et artistes interprètes est nécessaire. Au cœur du débat sur la participation, je considère essentiel que la jeune génération prenne part activement au processus et remette en question les modèles de direction existants. Parmi les mesures introduites depuis le début de la saison 23/24 pour renforcer la participation des danseuses et danseurs figurent des réunions régulières de la compagnie, organisées au moins une fois par mois. La communication est la clé d’un vivre-ensemble respectueux, et j’apprécie de recevoir des retours sincères de la part de mes danseurs. Pour ce qui est de la participation du public, nous avons instauré depuis la saison dernière une « introduction à la pièce » avant chaque représentation. Nous proposons également une « introduction en mouvement » avant le spectacle, ainsi que des discussions après la représentation. Dans l’introduction en mouvement, le public peut apprendre des séquences simples tirées des chorégraphies et les exécuter selon ses capacités. L’objectif est d’aborder physiquement le contenu de la pièce et d’offrir une expérience concrète, en contrepoint aux formes ou images souvent abstraites du mouvement. Dans quelle mesure considérez-vous la danse comme un moyen d’exprimer des questions de société, et comment souhaitez-vous utiliser ce potentiel pour toucher un large public à Saint-Gall ? Je ne me définis pas forcément comme un chorégraphe adoptant une approche sociocritique ou politique. Pour moi, la fascination de la danse réside dans notre capacité à exprimer des choses sans mots. J’y puise des idées et j’essaie d’agir de manière subtile, dans l’espoir que le public y réagisse. Je me vois, en tant que créatif, comme quelqu’un qui sème des graines, lesquelles, je l’espère, continueront à germer dans l’esprit du public. Selon un communiqué de presse du Théâtre de Saint-Gall, vos œuvres sont le produit d’une « créativité apparemment inépuisable ». Quelles sont vos sources personnelles d’inspiration ? La nature, avant tout. En Islande, on ressent chaque jour la force de la nature, on grandit avec les contrastes du feu et de l’eau, et l’on comprend que l’on est minuscules face aux éléments. Dans le même temps, la population islandaise est si réduite que la voix de chacun.e compte réellement. C’est dans ces perceptions fascinantes que je trouve des idées pour mon travail artistique. L’autre source est sans aucun doute la musique ! Quelles expériences et connaissances acquises dans votre parcours professionnel de chorégraphe et danseur avez-vous pu intégrer jusqu’ici dans votre travail à Saint-Gall, ou prévoyez-vous d’intégrer ? Bien que je sois considéré comme un directeur artistique très jeune, je suis lié à la danse depuis mes cinq ou six ans. Cela représente rapidement plus de vingt ans d’expérience et de connaissances — des expériences qui sont inscrites quelque part dans notre système. Durant ma carrière, j’ai eu le privilège de travailler avec des chorégraphes et danseurs exceptionnels. Je souhaite poursuivre cet échange précieux et inviter ces personnalités à Saint-Gall. Quelles approches innovantes envisagez-vous pour maintenir la danse vivante en période d’incertitude ? Je pense que nous sommes aujourd’hui à un tournant dans la culture théâtrale. L’influence massive des technologies mobiles, qui permettent d’accéder instantanément à des contenus tels que Netflix, est évidente. En tant qu’institution théâtrale, nous avons la grande responsabilité de proposer des contenus de qualité et intéressants. En même temps, je suis convaincu que le théâtre offre une forme unique de rencontre et de dialogue. C’est l’une des dernières institutions où l’on peut vivre ensemble quelque chose d’unique à un moment précis. Ce que l’on voit aujourd’hui sur scène peut être totalement différent demain — c’est ce qui fait du théâtre un lieu si particulier ! J’espère sincèrement que les gens continueront de considérer le théâtre comme un lieu de désir et d’inspiration. Quels sont vos souhaits professionnels pour l’avenir ? En tant que directeur artistique du ballet, il est indispensable de garder constamment la vue tournée vers l’avenir, car cette fonction exige de planifier dès aujourd’hui ce qui sera présenté sur scène dans deux ou trois ans. Me concentrer sur le moment présent, ressentir intensément cet instant, est quelque chose que j’apprécie profondément dans la danse et dans mon travail créatif. Créer cet espace et entrer en relation avec mes artistes me rend heureux. Cela me permet de me relier profondément à l’instant présent à travers mon corps et de mettre l’avenir entre parenthèses. Je souhaite continuer à vivre ces expériences à l’avenir ! Référence source: TVS 08/2024 Fotocredit: Jos Schmid Share
Planification pédagogique Pédagogie De la danse à l’enseignement – Laura Atwood sur l’apprentissage, le corps et l’expérience "Ma philosophie d'enseignement vise à essayer de reconnaître et de respecter les antécédents de chacun×e et les raisons de sa participation aux cours." Laura Atwood, professeur de danse et thérapeute, a commencé sa carrière de danseuse à New York et a travaillé dans le monde entier en tant que danseuse. Elle enseigne depuis 1997 et, dans ses cours, met l’accent sur le bien-être des danseuses et danseurs, et non sur la perfection technique uniquement. Laura Atwood a commencé sa formation de danseuse à New York, où elle a suivi entre autres les cours de Finis Jhung, Robert Denvers et David Howard. À l'âge de 15 ans, elle obtient son premier engagement avec le Ballet Concertantes de Porto Rico. Elle a depuis poursuivi une carrière vaste et variée avec des contrats de soliste dans divers pays. Dès 1988, elle s'est produite à Zurich avec de nombreux groupes de danse contemporaine et moderne. Depuis 1997, elle dispense un entraînement ouvert aux danseurs professionnels à Zurich et travaille régulièrement comme professeure invitée pour des compagnies en Suisse et en Allemagne. En 2004, elle a reçu le prix culturel de la ville de Zurich pour son activité pédagogique. Laura Atwood a été membre du jury du Prix Suisse de la Danse et de la Chorégraphie de 2008 à 2011 et membre de la commission de la danse de la ville de Zurich entre 2010 et 2018. Elle gère avec succès un cabinet de médecine traditionnelle chinoise et a publié en collaboration avec son mari un livre de photographie sur la danse. Laura, tu as fait tes premiers pas de danse à New York. Peux-tu nous en dire plus sur tes débuts en danse et comment cela t'a donné envie de devenir danseuse ? Mon premier amour était la musique. Chaque membre de ma famille jouait du piano, et j'ai donc commencé à découvrir les touches à l'âge de sept ans. Vers l'âge de huit ou neuf ans, ma meilleure amie a voulu prendre des cours de danse classique. Nous avons assisté ensemble à un cours de ballet et j'ai tout de suite été séduite par les mouvements accompagnant la musique classique. C'est ainsi que j'ai commencé à danser, alors que mon amie avait décidé le contraire. Lorsque j'avais dix ans, je dansais déjà tous les jours et je savais que je voulais devenir danseuse. Même si j'aimais la musique, je me suis rendu compte que je n'atteindrais jamais le niveau d'une pianiste de concert. C'est ainsi que j'ai opté pour la danse ! Quels sont les professeurs de danse qui ont eu le plus d'influence sur ta formation de danseuse et dans quelle mesure ont-ils influencé ton développement ? Je n'ai jamais reçu de formation formelle en danse avec des certificats ou des diplômes, car je n'ai pas fréquenté d'école de danse officielle. Au lieu de cela, j'ai commencé dans une école de danse amateur. À l'âge de 14 ans, je suis passée à des cours publics professionnels. Plus tard dans ma carrière, des professeurs importants pour mon développement en tant que danseuse sont venus me rejoindre : Marian Sarstädt, alors maîtresse de ballet du Scapino Ballet d'Amsterdam, mettait l'accent sur la précision et les petits détails. Finis Jhung enseignait la sérénité et le centrage. Robert Denvers mettait l'accent sur la musicalité et le phrasé. Ali Pourfarrokh, maître de ballet en Allemagne, créait une atmosphère conviviale et généreuse. Enfin, l'humour de Nancy Bielski éclairait le sérieux de la danse. Ces professeurs sont apparus dans ma vie au bon moment et m'ont donné ce dont j'avais besoin au moment où j'en avais le plus besoin. Leurs influences marquent encore aujourd'hui mon approche de l'enseignement. Tu as eu ton premier engagement en tant que danseuse classique professionnelle à l'âge de 15 ans au "Ballet de Concertantes" à Porto Rico dans les années 70. Quels souvenirs associes-tu à ton premier engagement ? En 1973, je participais à un cours de ballet ouvert à tous à New York lorsqu'une femme de Porto Rico m'a observée pendant l'entraînement. Elle était directrice d'une compagnie et dirigeait une école de ballet à Porto Rico. Elle m'a offert le vol et l'hébergement à Porto Rico, et j'ai pris des cours dans son école pendant une semaine. En contrepartie, je servais de modèle et d'inspiration aux élèves. À mon retour à New York, j'ai reçu un télégramme m'invitant à me produire avec sa compagnie lors d'un festival de musique et d'art. J'ai passé environ six semaines à Porto Rico, y compris les répétitions et les représentations. La représentation a eu lieu dans une grande cour, et je me souviens avoir été déstabilisée par l'absence de marquage des bords de la scène. Le décor était impressionnant : nous dansions en plein air, les étoiles semblaient à portée de main. C'était une expérience inoubliable ! Outre tes passages en tant que semi-soliste aux Pays-Bas et en tant que soliste aux États-Unis, au Canada, en Allemagne et en Autriche, tu es venue en Suisse en 1988 pour des auditions au "ch Tanztheater". Pourquoi as-tu décidé de venir en Suisse et comment as-tu vécu la danse en Suisse à la fin des années 80 ? A 29 ans, j'ai commencé à chercher de nouveaux défis. Jusqu'alors, j'avais surtout pratiqué le ballet classique et néoclassique, mais j'ai ressenti le besoin d'explorer de nouvelles choses. A la recherche d'un nouveau style de danse, j'ai participé à d'innombrables auditions. Ce chemin m'a finalement menée en Suisse, au "ch Tanztheater", un ensemble contemporain composé uniquement de femmes. Cette période a été marquée par un environnement de danse très vivant, dans lequel de nombreuses petites compagnies exploraient les limites de l'innovation artistique. La scène suisse de la danse était à cette époque à la recherche d'une identité contemporaine. Des chorégraphes comme Peter Schelling/Béatrice Jaccard (Zurich) ou Philippe Saire (Lausanne) ont été les précurseurs de ce mouvement de danse. Depuis 1997, tu enseignes le ballet à des danseurs et danseuses de différents niveaux. En tant que professeure invitée au Zürcher Ballett et dans d'autres institutions de danse, tu as pu transmettre ton expertise. Qu'est-ce qui t'a motivée à devenir enseignante de danse et qu'est-ce que tu apprécies le plus dans ce travail pédagogique ? Je n'ai jamais voulu devenir professeure de danse classique. C'était la dernière chose que je pouvais imaginer. Finalement, on m'a demandé si je voulais enseigner et je me suis dit pourquoi pas, je pourrais essayer et voir ce qui se passe. Je continue à trouver le ballet fascinant et l'enseignement de ce style de danse aussi. Ce qui m'attire particulièrement, c'est de transposer des mouvements structurés sur un corps qui n'entre pas parfaitement dans ce schéma, tout en veillant à ce que les mouvements restent organiques et aient un sens. Chaque cours est un nouveau défi, car on a affaire à des élèves différente×s et à des connaissances préalables diverses. Dans ton enseignement de la danse classique, on remarque que tu crées un climat d'équilibre dans ta pédagogie de la danse, dans lequel chaque danseur et danseuse se sent traité×e de manière égale. Y a-t-il d'autres valeurs ou principes que tu souhaites transmettre dans tes cours de danse ? En ce qui concerne mon enseignement, je m'efforce de créer une atmosphère équilibrée et inclusive, dans laquelle chaque danseur et danseur se sent valorisé ×e de la même manière. Le respect et la sécurité sont des principes fondamentaux, car je veux permettre aux danseurs et danseuses de quitter le cours avec un corps et un état d'esprit meilleurs que lorsqu'ils ou elles l'ont commencé. Ma philosophie d'enseignement vise à essayer de reconnaître et de respecter les antécédents de chacun×e et les raisons de sa participation aux cours. En tant qu'enseignante, je souhaite créer un climat d'égalité et d'ouverture. Que j'enseigne dans une institution formelle ou dans une classe ouverte, je mets l'accent sur la création d'un environnement de soutien dans lequel les danseuses et danseurs de tous niveaux se sentent les bienvenu×e×s et encouragé×e×s à explorer leur potentiel. Mon objectif est d'inspirer les danseurs et danseuses à améliorer non seulement leurs compétences techniques, mais aussi à développer un sentiment plus profond de bien-être et d'accomplissement à travers la danse. En 2004, tu as reçu le "Prix culturel de la ville de Zurich" pour la pédagogie de la danse. Que signifie pour toi cette reconnaissance pour ton travail pédagogique ? Cela faisait déjà 16 ans que j'étais à Zurich à cette époque et je considère cette distinction comme une reconnaissance de tout ce que l'on a accompli jusque-là ainsi que de l'engagement que l'on a déjà investi. C'était un honneur que quelqu'un pense que ma pédagogie méritait d'être soutenue. A l'époque, je connaissais beaucoup de danseurs et danseuses de l'agglomération zurichoise. Grâce à mes cours, j'avais également un bon réseau dans les différentes compagnies, c'était un autre type de communauté. Aujourd'hui, c'est différent, les gens ne vont plus aussi souvent aux cours de ballet, le ballet n'est plus aussi tendance. Beaucoup préfèrent le yoga ou le jogging. Il y a donc une autre compréhension de la manière de rester en forme. C'est pourquoi je ne recevrais probablement plus ce prix aujourd'hui, car je ne suis plus aussi impliquée dans la communauté qu'à l'époque. Quels conseils ou encouragements donnerais-tu aux jeunes danseurs et danseuses qui souhaitent poursuivre leur carrière ? Je suis convaincue que le talent seul est surestimé !Pour réussir, il faut plus que du talent. La formule du succès en danse ressemble à un tabouret à trois pieds : tu as certainement besoin d'un certain talent, mais la persévérance et un soupçon de chance sont encore plus importants. Car la vie de danseur ou de danseuse est dure et souvent courte, avec beaucoup de concurrence ! La persévérance est indispensable pour s'accrocher, et une certaine dose de chance joue également un rôle. Mais la chance est en partie le fruit de son propre travail - si l'on reste toujours dans sa zone de confort et que l'on ne prend jamais de risques, on ne se dépassera jamais. Après ta carrière de danseuse, tu as suivi une formation de thérapeute diplômée en acupressure et acupuncture et de naturopathe MTC. Quelles étaient tes motivations pour envisager une deuxième carrière ? Mon projet a toujours été de retourner à l'école après ma carrière de danseuse et d'apprendre quelque chose de nouveau. Lorsque j'ai commencé ma formation de thérapeute, j'étais encore active en tant que danseuse et je continuais à me produire. Même si j'avais déjà commencé à enseigner, je ne considérais pas cela comme un métier, car je n'ai jamais voulu devenir enseignante. Pour moi, c'était plutôt une expérience. Finalement, cette expérience s'est avérée beaucoup plus longue que je ne l'avais imaginée au départ. Comment tes vastes connaissances du corps humain ont-elles influencé ton activité de professeure de danse ? La combinaison d'une connaissance plus large de l'anatomie/physiologie et des blessures qui peuvent survenir a changé la façon dont j'évalue et corrige le placement et la coordination du ballet classique. Je n'hésite pas non plus à donner des conseils et des avis lorsque l'on me pose des questions sur les blessures en raison de mon expérience de thérapeute. Tu as publié avec ton mari un livre de photographie de danse. Quel est le lien entre la danse et la photographie qui t'inspire ? Publier un livre de photographie de danse avec mon mari était pour moi une évolution naturelle, car j'ai toujours eu un intérêt pour la photographie. La photographie sur la danse est un domaine spécifique de la photographie vers lequel nous nous sommes spécifiquement tournés. Nous aimons expérimenter en figeant des moments, inspirés par des photographes comme la photographe new-yorkaise Lois Greenfield. En utilisant un flash très puissant et rapide, nous parvenons à capturer des moments avec un temps d'exposition de 1/2000 seconde. Il en résulte des images qui racontent des histoires et révèlent des détails que l'on a tendance à ignorer dans la vie normale. Ce lien entre la danse et la photographie nous fascine, car il nous permet de capturer des mouvements et des émotions d'un seul instant figé. Sur un site web, en dessous de ton CV, on peut lire une citation de Nietzsche : "And those who were seen dancing were thought to be insane by those you could not hear the music". Peux-tu nous expliquer en quoi cela reflète ta relation avec le monde de la danse ? Pour moi, cela montre que ta passion doit résider dans ce que tu fais. Par exemple, le football ne m'intéresse pas du tout, mais je pourrais parler de la voile pendant des heures. Honnêtement, je préfère regarder de la peinture sécher plutôt que de suivre un match de football. Je trouve absurde à quel point certaines personnes deviennent émotionnelles lorsqu'elles voient quelqu'un taper dans un ballon dans tous les sens. Un fan de football, en revanche, trouverait probablement ennuyeux de regarder autant de danse. Nous avons tous nos passions, et pour d'autres, elles peuvent sembler folles. Soyons fous ! Laissons les gens penser que nous sommes fous ! Chacun et chacune a ses propres passions, et c'est formidable ! 5 questions avec prière de répondre brièvement Ce qui m'inspire le plus dans l'enseignement, c'est... la musique. Si je pouvais passer une journée dans une autre ville, je... chercherais sur Google ce qui est proposé dans les musées, les théâtres et les galeries. Mon activité préférée en dehors de la danse est... la navigation en haute mer loin de toute vue terrestre, parce que j'aime l'horizon infini. Une chose que peu de gens savent à mon sujet est... cela reste privé parce que je suis une personne privée. Si je pouvais inviter une personne célèbre à dîner, ce serait... Michelle Obama, parce que c'est une personne passionnante, intelligente, empathique et pleine d'humour et que je suis convaincue que ce serait une excellente soirée. Référence source: TVS 09/2024 Share
Histoire de la danse & diversité Social Ritmo y Pasión Les racines de la salsa remontent aux danses de couple introduites dans les Caraïbes par les colonies françaises et espagnoles aux XVIe et XVIIe siècles. Le mélange de ces rythmes européens et afro-caribéens a donné naissance à un nouveau type de danse. Les styles musicaux et les danses Son et Danzón se sont développés bien avant que le terme « salsa » ne soit inventé. Tahyra Joos, danseuse de salsa passionnée, parle de sa passion dans le quatrième épisode de Fascination danse. Vous trouverez la vidéo sur Youtube. Référence source: TVS 06/2024 Share
Danse pour enfants & adolescents Social Cours pour encourager les jeunes talents à participer à la comédie musicale BILLY ELLIOT à Zurich Claquettes, chant, théâtre, saut à la corde, acrobaties et danse - les exigences envers les jeunes talents sont immenses. A partir de novembre 2024, la comédie musicale culte BILLY ELLIOT sera jouée pour la première fois en allemand dans la MAAG Halle de Zurich. En janvier déjà, TANZ Association Suisse TAS a évoqué la recherche de talents à l'occasion des auditions pour la comédie musicale "Billy Elliot", qui ont eu lieu le 14 janvier. De nombreux jeunes talentueux âgés de 8 à 14 ans ont ainsi relevé le défi du ballet, des claquettes, du théâtre et du chant. Entre-temps, l'équipe créative a fait une première sélection pour les rôles des enfants "Billy" et "Michael". Fin avril, Moritz Fischli et Justin Périer ont été présentés comme les premiers rôles. Les rôles d'enfants sont attribués à trois personnes différentes et sont joués en alternance selon un principe de rotation. D'autres castings sont en cours pour le deuxième et troisième rôle, et les candidatures de jeunes talents sont encore acceptées. Faire des claquettes, chanter, jouer la comédie, boxer, sauter à la corde, voler et danser - les exigences envers les jeunes talents sont immenses. Pour briller dans toutes les disciplines, les jeunes interprètes se retrouvent régulièrement le samedi après-midi au Tanzwerk101 à Zurich pour des cours. Joy Knecht, Dance Captain de la production, accueille les "Billy" et les "Michael" peu après la pause de midi. Lors de l'échauffement, tout le corps est mis en mouvement. Outre des exercices d'endurance et de force pour le tronc, les bras et les jambes, ils travaillent aussi de manière ciblée sur la coordination. Pour finir, il y a un tour de corde à sauter - chaque rotation est pratiquée avec assiduité, de préférence en double rythme et sur une seule jambe ! La musique vrombit au rythme des beats techno, les premières gouttes de sueur coulent sur le front, les mollets brûlent - dans la demi-heure de Body-Conditioning avec Joy au Tanzwerk101, on donne tout ! À peine le dernier saut à la corde effectué, il reste peu de temps pour reprendre son souffle. Au programme, l'échauffement de la voix. Sous la direction du directeur musical Lukas Hobi, les corps sont assouplis par des exercices simples. La consigne est la suivante : "Se tenir debout les hanches écartées, laisser tomber les bras, faire des cercles avec les épaules". La tension de la leçon de fitness se relâche peu à peu devant le piano, le pouls se calme. Avec un doux fredonnement sur "m", les voix glissent vers le haut et vers le bas de la gamme. "U" et "f" suivent, les sons se lient comme les engrenages d'un mouvement d'horlogerie, " on persévère !", dit Lukas. Pas à pas, demi-ton par demi-ton, les voix grimpent, toujours plus haut, toujours plus librement. Les voyelles "o" et "a" suivent ensuite, "il nous faut maintenant une longue courbe", explique Lukas. Les sons oscillent dans l'espace, portés par les mouvements du corps. Un jeu de tension et de relâchement. Après dix minutes consacrées l'échauffement de la voix, les voix sont désormais éveillées, chaudes et mobiles. Avec un "Amusez-vous bien !" motivant de Lukas, les jeunes talents se préparent maintenant au numéro "Expressing yourself" de la commédie. Sous la direction de Dance Captain Joy et de Sarah-Jahne Brodbeck, l'ancienne ballerine de l'Opéra de Zurich, ils peaufinent l'expression, le rythme et la synchronisation. Les jeunes talents s'affrontent deux par deux et présentent le matériel qu'ils ont étudié jusqu'à présent. Lukas au piano anime les paires : "Chantez plus fort, avec plus d'énergie ! C'est le numéro de Michael, montrez-le-nous » ! Il fait particulièrement attention à la prononciation, les consonnes aux syllabes finales doivent être articulées plus clairement et plus distinctement. Joy intervient et le manque de rythme est immédiatement corrigé. Sarah-Jahne regrette l'expression du tango, demande plus de fierté et d'intensité dans le mouvement. "Intériorisez les pas, racontez davantage avec votre corps !" La chorégraphie devient de plus en plus complexe. Sauts, roulade en avant sur le sol, danse synchronisée à deux, puis à nouveau en solo. Lukas remarque que la combinaison de la danse et du chant essouffle quelque peu les acteurs et conseille sur la manière d'utiliser au mieux l'énergie et la force. "Vous n'êtes pas obligés de tout chanter, parlez les passages où c'est possible !". Après une courte pause pour reprendre leur souffle, les acteurs enfilent leurs chaussures de claquettes ; parallèlement, Lukas répète les voix en cours individuel. Dans le cours de claquettes, on entre tout de suite dans le vif du sujet. L'environnement sonore est impressionnant, mais Joy rappelle à la concentration : "D'abord moi, puis vous, sinon ça va être trop fort !" Les bras s'ajoutent et complètent le tableau d'une puissante élégance. Joy montre le nouvel enchaînement avec une précision méticuleuse, en veillant à l'exactitude des mouvements des bras et des jambes. "Hop shuffle chug shuffle" - le rythme remplit l'espace, d'abord de manière chaotique, puis le groupe trouve un groove commun qui semble être d'un seul tenant. Les garçons maîtrisent les battements sans peine, mais l'œil critique de Joy décèle un potentiel d'amélioration dans la position des bras. Individuellement, elle va voir les danseurs et corrige leur posture. La musique originale retentit, suffisamment fort pour qu'on l'entende par-dessus les pas. Plus le temps passe, plus le rythme augmente, jusqu'à ce que les claquettes débouchent sur un final endiablé. Après le relâchement des pieds pendant les cours de claquettes, le ballet exige à nouveau une bonne tension du corps ! Sarah-Jane répète avec les jeunes talents l'exigeant ballet Dream, dans lequel Billy, le plus jeune comme le plus âgé, se produisent dans un pas-de-deux. Pour le rôle de Billy plus âgé, le danseur britannique Alexander Hallas, qui s'est produit non seulement à l'English National Ballet, mais aussi au Swiss Offspring Ballet en Suisse, a pu être engagé. Dans sa newsletter de mars, TANZ Association Suisse TAS avait déjà parlé de la pépinière de talents "Swiss Offspring Ballet" au bord du lac de Zurich dans une interview avec Franz Brodmann et Anna Simondi. La séquence du ballet Dream est particulièrement stimulante, car elle combine des éléments de ballet avec une exigence supplémentaire : Les deux Billy doivent maintenir continuellement une chaise en rotation avec la main droite pendant leur chorégraphie. S'ensuivent des acrobaties et un duo spectaculaire avec des sauts, des rotations et des roulades au sol en succession rapide. Mais ce n'est pas tout : Billy, le plus jeune, est soulevé dans les airs par une corde fixée à son harnais et plane à une hauteur vertigineuse au-dessus du public. Il est remarquable de voir ce que les "Billy" et les "Michael" accomplissent et les progrès d'apprentissage étonnants réalisés depuis les premières auditions grâce aux cours réguliers du samedi. Le chemin pour devenir Billy Elliot est encore long et difficile, mais avec de l'engagement, de la sueur et de la persévérance, Ils finiront par y arriver ! La première aura lieu le 1er novembre 2024, www.billy-elliot.ch Référence source: MAAG Moments / AH Share
Danse communautaire DancePodGuest Festival « Vertanzt » dans l’Emmental – « Une ruche pleine de danse et de musique » Ce festival unique propose des ateliers de danse pour tous les niveaux et tous les âges, ainsi que des spectacles en soirée avec de la musique live jusqu’au petit matin. C’est un lieu de rencontre et d’échange dans un cadre paisible en plein air, qui favorise la diversité, l’inclusion et le plaisir partagé. Florian est également président et directeur artistique du festival « Vertanzt », qui se déroulera du 18 au 21 juillet dans le décor pittoresque de Röthenbach, dans l’Emmental. C’est un lieu de rencontre et d’échange dans un magnifique cadre en plein air, qui favorise la diversité, l’inclusion et le plaisir communautaire. L’organisation repose sur le bénévolat et la collaboration locale, sans nécessité d’avoir un partenaire de danse, et à des prix abordables. Pour écouter le podcast, cliquez ici : DancePodGuest - Florian Lippke Référence source: TVS 06/2024 Fotocredit: Pascal Eberle Share
Danse communautaire Social Community Building pour les écoles de danse Le Community Building se propose de renforcer les communautés ayant les mêmes intérêts, les mêmes objectifs et les mêmes valeurs. Le but est de créer un groupe de personnes engagées qui se soutiennent mutuellement et travaillent ensemble. Pour la période 2024/25, l'accent est mis sur le soutien de projets qui renforcent la coopération entre les écoles de danse, les organisations et les institutions. Sont particulièrement encouragées les initiatives dans lesquelles des membres ou des écoles de danse collaborent pour lancer un projet, organiser un événement ou développer une offre régionale. Voir également l'article à ce sujet sur notre site web. Dans l'article suivant, TAS présente quelques suggestions sur la manière dont le community building peut être mis en œuvre avec succès dans les écoles de danse et quelles mesures concrètes peuvent être prises pour créer une communauté soudée. Qu'est-ce que le community building ? Le community building vise à renforcer la cohabitation au sein de communautés locales ayant des intérêts, des objectifs ou des valeurs communs et à créer des liens durables entre les membres. Il s'agit de créer un groupe de personnes engagées qui se soutiennent mutuellement et travaillent ensemble. Différentes stratégies permettent d'y parvenir, comme la mise à disposition de plateformes d'échange, l'organisation d'événements ou la création de mesures incitant les membres à s'impliquer activement et à interagir entre eux¹, ². Dans le contexte numérique, le community building consiste souvent à développer des communautés en ligne qui se rassemblent autour d'une marque, d'un produit ou d'un service. Le community building est donc un élément important du marketing en ligne et de la fidélisation de la clientèle³. Mais le community building joue également un rôle de plus en plus important en dehors des communautés en ligne, lorsqu'il s'agit de créer et d'entretenir des relations interpersonnelles. Grâce à des mesures et des activités ciblées, des organisations telles que les écoles de danse peuvent créer une communauté active et engagée, basée sur la confiance, la cohésion et la solidarité². (1) Qu'est-ce que c'est au juste... Le renforcement de la communauté ? - P.U.N.K.T. numérique. https://www.punkt-digital.de/809/was-ist-eigentlich-community-building/. (2) Construire une communauté : Une communauté active en 4 étapes. https://beunity.io/magazin/mit-diesen-4-schritten-formst-du-aus-deinen-mitgliedern-eine-aktive-community/. (3) Community Building : voilà pourquoi il est si important pour le marketing en ligne. https://www.onlinemarketingmagazin.de/community-building-ratgeber/. Pourquoi le community building est-il important ? Le community building est important car il contribue à améliorer le tissu social et la qualité de vie dans les communautés locales. En impliquant activement les membres, en s'identifiant à la communauté et en étant là les uns pour les autres, un sentiment d'appartenance et d'attachement se développe. Cela favorise non seulement le bien-être des individus, mais renforce également le capital social et la résilience de la communauté dans son ensemble. Une communauté active peut relever des défis communs, résoudre des problèmes et promouvoir des changements positifs. En créant une communauté vivante et durable, il est possible d'établir des relations à long terme, d'accroître l'engagement des membres et d'activer la cohabitation. Comment les communautés locales peuvent-elles être renforcées par des activités de promotion communautaire ? 1 *Échanges réguliers* : Les communautés locales peuvent être renforcées en encourageant les échanges et la communication réguliers entre les membres. Cela peut se faire par le biais d'événements, de plateformes en ligne ou de médias sociaux. *Création d'un climat de confiance* : Un environnement de confiance est essentiel à la cohabitation au sein d'une communauté. La transparence, l'ouverture et l'honnêteté permettent d'établir et de renforcer la confiance. *Identification avec les objectifs* : En s'identifiant aux objectifs et aux valeurs de la communauté, les membres ont le sentiment de faire partie intégrante de l'ensemble. Cela peut être réalisé par une communication claire et des activités communes. *Activation des membres* : La mobilisation des membres et leur implication dans les processus décisionnels leur permet de se sentir plus proches de la communauté et de s'engager. *Engagement communautaire* : La promotion d'activités, de projets et d'événements communautaires peut renforcer le sentiment d'appartenance et favoriser les liens entre les membres. Valorisation et reconnaissance : Il est important de valoriser les contributions et les efforts des membres afin de maintenir leur engagement et leur motivation. La reconnaissance peut prendre la forme de gratitude, d'éloges ou de récompenses. (1) : Résumé de "Activer la cohabitation. Construire la communauté dans les communautés locales". www.beunity.io/academy Comment le community building peut-il être mis en œuvre dans mon école de danse ? Le community building dans les écoles de danse peut être mis en œuvre de différentes manières afin de créer une communauté forte et engagée. *Créer des liens émotionnels* 2 - Transmettez la joie de vivre et les valeurs interpersonnelles liées à la danse afin de gagner le cœur des clientes. - Utilisez le storytelling et communiquez vos caractéristiques uniques afin de créer un lien émotionnel. *Offres spécifiques aux groupes cibles* 2 - Développez des formats de cours de danse spécifiques aux groupes cibles, adaptés aux besoins de différents groupes d'âge et d'intérêt (p. ex. la danse pour le fitness, la santé, les enfants, les seniors). - Proposer des conseils individuels et des classes de soutien. *Médias sociaux et plates-formes communautaires* 2, 4 -Soyez présent sur les réseaux sociaux et mettez en avant vos professeurs de danse et votre communauté par le biais de photos, de vidéos et de contributions personnelles. - Utilise une "community platform" ou une "app" pour mettre les membres en réseau, réserver des cours et promouvoir un sentiment de communauté. Cela renforce les liens et facilite l'interaction au sein de la communauté. - Mettez à disposition une plate-forme permettant aux représentants de différentes écoles de danse de communiquer entre eux et d'échanger des idées. Il peut s'agir d'une plateforme en ligne, d'un forum ou de réunions régulières. *Événements et activités hors ligne* 1 - Organisez régulièrement des événements de danse, des ateliers ou des concours afin de rassembler la communauté. - Organisez des événements de danse ou des échanges avec d'autres écoles de danse. Identifiez les domaines dans lesquels une collaboration pourrait être bénéfique pour les deux parties. Cela pourrait inclure l'organisation conjointe d'ateliers ou de programmes d'échange pour les enseignants ou la coordination de spectacles ou d'événements. - Organisez des activités communes en dehors des cours de danse, comme des excursions ou des événements caritatifs. - D'autres possibilités concrètes de community building dans le studio de danse sont abordées dans la question suivante. *Impliquer les membres et encourager les échanges* 3 - Encouragez les membres à échanger, à donner leur feedback et à participer au développement de l'école de danse. - Offrez aux membres des possibilités de s'engager en tant que mentors ou ambassadrices de l'école de danse. Les danseurs expérimentés peuvent servir de mentors aux nouveaux venus afin de leur transmettre leurs connaissances et leur passion. Cela favorise l'engagement et l'identification avec l'école de danse. *Accessibilité et inclusion* 5 - Proposez une programmation inclusive qui s'adresse à des personnes d'horizons, de compétences et d'âges différents. - Permettez la participation d'une communauté diversifiée. *Création de réseaux* - Organisez des réunions ou des événements qui permettent aux représentantes de différentes écoles de danse de se rencontrer et d'échanger des idées. Cela peut aider à établir un réseau et à favoriser l'échange de ressources et d'informations. *Fixer des objectifs communs* - Identifiez des objectifs communs qui peuvent être atteints par la collaboration entre les écoles de danse, tels que la promotion de l'art de la danse dans la communauté, l'élargissement de l'offre de styles de danse ou l'augmentation de la notoriété de toutes les écoles de danse participantes. (1) https://wolf-of-seo.de/was-ist/communitybuilding/ (2) https://site.wko.at/geschaeftsmodell-transformation/Branchenworkshops_einzeln/transformation-leitfaden-tanzschulen.pdf (3) https://beunity.io/magazin/die-drei-voraussetzungen-fuer-eine-aktive-community/ (4) https://www.eversportsmanager.com/de/blog/community-building-fuer-dein-studio/ (5) https://www.tanz-choreo.at/business Quelles sont concrètement les activités qui se prêtent au community building dans un studio de danse ? *Apprendre des chorégraphies en commun* 1, 2 - L'apprentissage et l'étude commune d'une chorégraphie de groupe favorisent le travail d'équipe et le sentiment d'appartenance. - Différents styles de danse peuvent être impliqués. *Ateliers de danse et master classes* 2 - Des ateliers ou master classes réguliers avec des professeurs invités ou des danseuses expérimentées apportent de nouvelles impulsions et perspectives. - Cela permet un échange de connaissances et renforce la communauté. *Dance-battles et concours* 3 -Des dance-battles ludiques ou des concours internes favorisent l'esprit d'équipe et le respect de la concurrence. -Elles motivent les danseuses à donner le meilleur d'elles-mêmes et à grandir les unes par rapport aux autres. *Représentations et événements communs* 1, 2 - La préparation et la réalisation de représentations, de spectacles ou d'événements de danse soudent la communauté. - Différents rôles peuvent être assumés à cette occasion, comme celui de chorégraphe, de mentor, d'organisateur, etc. Ces activités renforcent non seulement le développement de la danse, mais aussi l'esprit d'équipe, la motivation et les liens au sein de la communauté de danseurs. (1) https://www.tanz-choreo.at/business/ (2) https://www.tanzkurse-zurich.ch/firmenevent-teambuilding/ (3) https://scarlettentertainment.com/de/categories/team-building-activities-and-workshops/musik-und-tanz-teambuilding Référence source: TVS 05/2024 Share
Planification pédagogique Culture Entretien avec Filipe Portugal « En tant que chorégraphe, je ne suis jamais arrivé aux répétitions avec un concept tout fait. Filipe Portugal a été nommé en janvier 2024 pour succéder à Brigitta Luisa Merki en tant que nouveau directeur artistique de l'institution de danse Tanz und Kunst Königsfelden, dont le siège est à Baden. Il a suivi sa formation de danseur à Lisbonne, au Conservatoire national du Portugal. Durant sa carrière de danseur au Ballet national du Portugal et au Ballet de Zurich, Filipe a dansé en tant que premier danseur pour des chorégraphes renommés tels que Mats Ek, William Forsythe, Jirí Kylián, Heinz Spoerli et Christian Spuck. En juin 2020, il a finalement décidé de se consacrer entièrement à sa carrière chorégraphique. L'année dernière, le chorégraphe portugais et suisse a travaillé sur une œuvre d'art globale avec une troupe de danse internationale, un quintet à cordes et une chanteuse pour l'abbaye de Königsfelden, et cette année, il a chorégraphié pour la compagnie du Salzburger Landestheater. Tu es originaire du Portugal. Quel regard portes-tu sur la scène de la danse en Suisse ? Il est remarquable que dans un pays aussi petit que la Suisse, qui est encore plus petit que le Portugal, pratiquement chaque grande ville dispose de sa propre compagnie de danse. J'ai moi-même travaillé pendant 16 ans au Ballet de Zurich jusqu'en 2020. Contrairement au Ballet de Zurich, la plupart des autres compagnies de Suisse se consacrent à la scène de la danse moderne. Genève, par exemple, y est fortement représentée, tout comme Bâle, Saint-Gall et Berne. Le Béjart Ballet Lausanne occupe certes une position particulière, mais il tend également vers la modernité, tout en présentant occasionnellement de la danse de pointe - comme on a pu le voir récemment à Berne. Depuis la fin de ma carrière et le début de mes études de master en chorégraphie à la ZHdK, je me suis davantage intéressé à la scène indépendante en Suisse. En comparaison avec le Portugal, où il n'existe qu'une compagnie nationale et quelques autres ensembles, la diversité en Suisse est époustouflante. Mon impression de la Suisse est que toutes les compagnies autres que le Ballet de Zurich évoluent dans une direction similaire, à savoir la danse moderne. On a presque l'impression que les mêmes chorégraphes passent d'une compagnie à l'autre - de Berne à Bâle et ainsi de suite. Je trouve cette homogénéité un peu regrettable. La Suisse offre tant de possibilités pour la danse et devrait en profiter en intégrant un plus large éventail. Ce qui doit être amélioré : En Suisse, un pays où le coût de la vie est élevé, les danseurs font toujours partie des artistes du spectacle les moins bien payés ! Après avoir été danseur principal dans des maisons renommées, tu es devenu chorégraphe. Est-ce qu'actuellement la danse ou ta propre performance sur scène te manquent ? Pas vraiment ! Très tôt, j'ai eu envie de faire de la chorégraphie moi-même. À un moment donné, le temps est venu de me consacrer entièrement à cette passion. J'ai toujours été conscient qu'il était important de choisir le bon moment pour quitter la scène. J'ai mis un terme à ma carrière de danseur actif à l'âge de 42 ans - le bon moment, selon moi. En jetant un regard rétrospectif sur ma carrière, je peux dire que j'ai eu beaucoup de chance. J'ai pu collaborer avec des compagnies et des chorégraphes renommés et découvrir un répertoire varié, allant du ballet classique en passant par des pièces contemporaines et néoclassiques. La transition vers le métier de chorégraphe s'est faite en douceur. Certes, la pandémie m'a empêché de faire mes adieux officiels à la scène, mais cela ne me manque pas. J'apprécie les nouveaux défis et la collaboration avec de jeunes danseuses pleines d'énergie et de dynamisme. Tu as eu l'occasion de travailler avec des chorégraphes renommés comme Heinz Spoerli, Christian Spuck et d'autres. Quel a été l'impact de cette collaboration sur ton développement artistique et quels en ont été les enseignements ? En tant que chorégraphe, je puise énormément dans mon expérience de danseur. Chaque rôle, chaque audition et chaque rencontre avec une chorégraphe m'a marquée. La collaboration avec Heinz Spoerli et Christian Spuck en tant que directeurs a été particulièrement instructive. Ils m'ont appris non seulement les techniques propres à la chorégraphie, mais aussi à gérer les processus et les défis artistiques. La collaboration avec différents chorégraphes a perfectionné mon propre style et m'a donné la liberté d'exprimer pleinement ma créativité. En tant que chorégraphe, j'évolue constamment et je suis toujours à la recherche de nouvelles formes d'expression. Mon projet actuel au Salzburger Landestheater a justement nécessité une adaptation spontanée et une inspiration de la part des danseuses. Bien que je n'aie personnellement pas eu de conflits avec mes directeurs, j'ai beaucoup appris de leur manière de résoudre les conflits. Ce n'est pas une tâche facile que d'être directeur d'une compagnie de danse et de coordonner les intérêts de tant d'artistes. Leur expérience me sera certainement utile si je crée un jour ma propre compagnie. En janvier 2024, tu as été nommé directeur artistique de Tanz und Kunst Königsfelden. Avant cela, Brigitte Luisa Merki, fondatrice de "Flamenco en route", a été responsable de la direction pendant 40 ans. Qu'est-ce qui t'inspire dans cette nouvelle tâche ? Et comment souhaites-tu définir l'orientation artistique ? La fonction de directeur artistique de Tanz und Kunst Königsfelden est arrivée pour moi au moment idéal. L'institution, avec sa base solide, m'a offert l'occasion idéale d'apporter mes idées et de développer ce qui existe déjà. Au début, j'étais un peu sceptique, car j'ai d'abord ressenti le passage de la création dans le studio de danse à l'activité administrative dans un bureau comme un grand changement. Mais il s'est rapidement avéré que le travail administratif offrait également beaucoup de place à la créativité. Développer le potentiel de l'institution et élaborer de nouveaux projets a été pour moi une source d'inspiration et un défi extrêmement stimulants. La collaboration avec Salomé Martins en tant qu'assistante chorégraphique et coordinatrice du centre de résidence tanz s'est avérée être un grand enrichissement. Mes ambitions en tant que directeur artistique visent à faire de Tanz und Kunst Königsfelden un centre de la danse en Suisse. L'accent est mis sur la mise en place d'une équipe solide, capable de concrétiser mes visions artistiques et de réaliser de nouveaux projets. Pas à pas, nous souhaitons élargir l'offre de l'institution afin de proposer un programme varié à un large public. Il s'agit notamment d'encourager les jeunes talents, de lancer des coopérations internationales et de développer de nouveaux formats de manifestations. Depuis 2020, il existe au sein de l'institution de danse Königsfeld la structure d’accueil tanz , qui permet à la relève professionnelle de la danse d'élaborer des projets autonomes, ainsi qu'une Kids Company. Peux-tu nous en dire plus à ce sujet ? Dans les studios de l'ancienne compagnie de danse de Brigitta Merki, nous disposons de deux studios et d'une maison réservée aux invités. Ainsi, les danseuses et chorégraphes indépendantes peuvent séjourner deux à trois semaines dans notre structure d'accueil pendant leurs productions. Elles reçoivent une bourse, de sorte que leurs frais de voyage et de subsistance sont couverts, ce qui leur permet de se consacrer pleinement à leur travail. À la fin de la résidence, un "showcase" est toujours organisé, au cours duquel les participants peuvent présenter leur travail. Il peut s'agir aussi bien de premières déjà annoncées, que nous contribuons à finaliser, que d'expérimentations avec des idées totalement nouvelles. La compagnie pour enfants est le résultat d'un projet pédagogique de Brigitta Merki, qui offre aux enfants la possibilité de s'essayer au hip-hop et à la danse contemporaine deux fois par semaine, le tout complété par des représentations régulières qui ont lieu une année sur deux. Mon objectif est de continuer à développer ce programme et d'offrir un foyer aux enfants qui souhaitent vivre leur passion pour la danse même après les heures de cours régulières. C'est ainsi que se crée une communauté de jeunes passionnés par la danse qui ne cesse de croître, qui s'inspirent mutuellement et qui développent ensemble leur talent. La promotion de l'éducation à la danse est d'une grande importance, car même si ces enfants ne deviennent pas plus tard des danseurs professionnels, ils feront alors partie de notre public. Si nous parlons de concepts de danse pédagogiques, je tiens absolument à mentionner ici le programme éducatif "Mein TraumRaum" : 200 élèves de la quatrième à la sixième classe de l'école de Gränichen y participent et, depuis janvier 2024, ils travaillent, créent et répètent semaine après semaine pour réaliser leur propre "espace de rêve", une création mêlant arts plastiques, musique, cinéma et danse. Depuis peu, Tanz und Kunst Königsfelden propose également une "Pre-Professionals Summer Academy". Quels sont les objectifs que tu poursuis ? Il ne s'agit pas d'une compagnie fixe comme la Junior Company des opéras. La première édition de la "Pre-Professionals Summer Academy" de cette année est un projet d'été intensif au cours duquel de jeunes danseuses doivent vivre ensemble et apprendre les unes des autres tout en répétant des chorégraphies. Notre première édition, intitulée "Mind the gap", est ouverte aux danseurs du monde entier. Après un examen minutieux des propositions des écoles de ballet et des dossiers de candidature couvrant le répertoire classique et contemporain, nous sélectionnons un total de 12 talents. Jusqu'à présent, nous avons reçu des candidatures du Canada, des États-Unis, d'Allemagne, de France, du Portugal et d'autres pays. La sélection des participantes est encore en cours. Nous avons à cœur d'encourager la relève de la danse suisse, tout en accordant une grande importance à la mixité internationale. Trois pièces avec des chorégraphies de Marco Goecke, Maša Kolar et moi-même seront présentées pour la première fois en août. Nous espérons que l'académie d'été se développera comme une sorte de plateforme de réseau, où les jeunes danseurs auront la possibilité de faire avancer leur développement artistique et de se présenter. Quels sont tes thèmes chorégraphiques personnels ? Est-ce que tu as des thèmes qui te tiennent à cœur ? En tant que chorégraphe, je n'ai jamais été quelqu'un qui se rend aux répétitions avec un concept tout fait. Je préfère me plonger dans le matériau avec l'équipe. Ce n'est que lorsque la musique m'imprègne complètement que je peux chorégraphier. L'échange avec les danseuses et les danseuses est tout aussi important pour moi. Comment se crée un dialogue, que puis-je apprendre d'eux, comment réagissent-ils à mes propositions ? C'est ce qui m'attire dans mon métier. En plus de toutes ces tâches, tu donnes également des cours de promotion de la danse classique dans différentes écoles de danse en Suisse. Comment parviens-tu à tout concilier ? Mon agenda est effectivement bien rempli, il m'arrive même d'oublier d'y inscrire quelque chose (rires). Grâce au système de transports publics bien développé en Suisse, je peux néanmoins faire la navette entre plusieurs endroits de manière flexible. Au début de ma carrière, je ne pouvais pas vivre uniquement de la chorégraphie. Pour ne pas devoir attendre uniquement des commandes, j'ai donc donné des cours supplémentaires dès le début. Bien que j'aie dû réduire quelque peu mon activité d'enseignement cette année en raison de mes obligations à Königsfelden, il a toujours été important pour moi de continuer à être actif en tant que professeur de danse. Ces diverses activités sont extrêmement importantes pour moi ; elles me donnent de l'énergie et sont comme ma nouvelle danse ! Quels sont tes autres intérêts ou objectifs en dehors de ton travail de danseur et de chorégraphe ? Y a-t-il d'autres domaines dans lesquels tu aimerais être actif ou te développer ? En ce moment, je n'ai malheureusement guère la possibilité de trouver du temps libre pour me détendre, par exemple à la montagne. Mes week-ends sont souvent occupés par des projets chorégraphiques pour différentes écoles et pour l'opéra. En principe, j'accepte toujours de nouvelles tâches parce que j'en ai tout simplement besoin ; elles me donnent de l'énergie. En même temps, je reconnais la nécessité de réduire mes activités à long terme. Mais pour l'instant, je suis dans une frénésie de création et je veux utiliser mon temps de la manière la plus productive possible ! 5 questions avec des réponses brèves Ce qui m'intéresse dans la chorégraphie... c'est le temps passé en studio avec les danseuses, où un dialogue s'instaure et où nous définissons notre direction artistique. Je passe généralement mes vacances d'été... au Portugal, car le Portugal est tout simplement génial en été. Bien sûr, ma famille me manque, mais nous nous rendons régulièrement visite, là-bas comme ici, de sorte que je ne suis jamais très loin de chez moi. Mon rôle de danse préféré était... c'est difficile à décrire. J'ai toujours rêvé d'incarner Roméo, et quand j'ai dansé le rôle, c'était de la pure magie. Un rôle particulier pour moi a été celui du père et de Carabosse dans la "Belle au bois dormant" de Mats Ek. Dans ces moments sur scène, je me sentais complètement immergé dans le rôle, en harmonie avec la musique et l'histoire. C’étaient tout simplement des expériences indescriptibles ! Dans 10 ans, je me vois... directeur artistique d'une compagnie. Au Portugal, c'est... bien sûr ma famille qui me manque ! Nous sommes en contact étroit et nos liens sont forts. Je n'oublierai jamais le soutien de mes parents lorsque, petit garçon, je voulais faire de la danse classique. Ce soutien n'avait pas de prix et m'a ouvert la voie vers ma carrière actuelle. En cliquant sur ce lien, vous trouverez plus d'informations sur les manifestations de Tanz und Kunst Königsfelden. Référence source: TVS 05/2024 Fotocredit: Regula Bearth Share
Planification pédagogique Pédagogie La danse dans le plan d’études : perspectives des enseignants d’éducation physique Cinq enseignants d’éducation physique expérimentés partagent leurs expériences sur la manière dont la danse peut être intégrée au Plan d’études à différents niveaux d’enseignement. Ils rendent compte des défis qui peuvent se présenter dans la pratique scolaire et montrent des pistes pour favoriser une meilleure compréhension. Pour cela, cinq enseignants d’éducation physique de différents cantons, travaillant à divers niveaux scolaires, ont été interrogés. Ces experts ont été invités à partager leurs points de vue et leurs expériences concernant le Plan d’études, afin de mieux comprendre comment celui-ci influence la danse dans la pratique scolaire et quels défis et quelles opportunités en découlent. Cliquez ici pour lire l’interview de : Thomas Good (enseignant à l’école primaire), Sonja Lienert Wolfisberg (responsable de la coordination du mouvement et du sport, PH Lucerne), Margret Stuber (enseignante d’école enfantine), Marlise Widmer-Manser (enseignante d’école enfantine), Thomas Maag (enseignant de gymnastique, niveau secondaire). Référence source: TVS 04/2024 Share
Danse communautaire DancePodGuest Construire des ponts grâce à la danse – Journées de danse de Soleure Elvis Petrovic, président des « Solothurner Tanztage », s'engage avec son équipe pour la promotion de la danse, en particulier de la danse urbaine. Comment l'association peut-elle continuer à rendre l'art de la danse accessible et servir de pont entre les professionnels de la danse et le public ? Depuis 2016, Elvis et son équipe organisent un programme culturel varié et attrayant qui s'adresse à différents groupes cibles et crée des ponts entre les professionnels de la danse et le public. L'association s'efforce de créer des plateformes pour les danseurs et danseuses, d'amener leur enthousiasme sur les scènes, dans les rues et sur les places, et de servir de point de contact pour les professionnels de la danse et les membres, en mettant à disposition son expertise, ses réseaux et son infrastructure. Déterminé, compétent et créatif, Elvis s'engage à rendre l'art de la danse accessible, à créer des plateformes de rencontre et à enrichir la vie culturelle à l'intérieur et à l'extérieur du canton de Soleure. Aller au podcast (en allemand) - DancePodGuest Elvis Petrovic Référence source: TVS 03/2024 Fotocredit: Thomas Ulrich Share
Motivation & développement DancePodGuest Danseuse de ballet bernoise aux États-Unis Amanda est une danseuse professionnelle originaire de Berne. Elle a commencé le ballet à l’âge de six ans. Plus tard, elle s’est produite au sein de différentes compagnies de ballet internationales. En 2018, après avoir obtenu son diplôme de la Gelsey Kirkland Academy à New York, elle a intégré des compagnies renommées telles que l’International Ballet en Caroline du Nord et le New York Dance Project. Comment sa formation à New York a-t-elle influencé la carrière d’Amanda en tant que danseuse dans diverses compagnies internationales ? Après plusieurs années couronnées de succès en tant que danseuse de compétition dans les domaines de la danse moderne et du jazz, elle a décidé de se consacrer davantage au ballet classique. En 2014, elle a interprété Cendrillon dans le ballet du même nom à Berne. Cette représentation l’a conduite à prendre la décision de devenir danseuse professionnelle. Elle a été la première Suissesse admise à la Gelsey Kirkland Academy de New York, où elle a obtenu son diplôme en 2018. Ce diplôme lui a ouvert les portes des compagnies de ballet américaines. Parmi ses étapes artistiques les plus importantes jusqu’à présent figurent l’International Ballet en Caroline du Nord, le New York Dance Project et le Russian Ballet Orlando en Floride. Vers le podcast DancePodGuest - Amanda Arnaud Référence source: TVS 01/2024 Fotocredit: Rachel Neville Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie L'école de danse et de comédie musicale "The Moving Factory", Losone Danielle Brunner raconte dans l’interview comment la danse et le chant enrichissent la vie des élèves: « La danse et le chant contribuent de multiples façons au développement personnel et à l'épanouissement. Lors des spectacles et des compétitions, les élèves renforcent leur estime de soi. Cette qualité positive se répercute sur d'autres aspects de leur vie. Ils apprennent à travailler en groupe, à mieux gérer les conflits et à poursuivre des objectifs communs avec détermination.» Pouvez-vous nous en dire plus sur l'histoire de la création de "The Moving Factory" et comment l'école s'est développée au fil des ans ? Après avoir travaillé ensemble en tant qu'artistes, mon mari Niki Bolen et moi avons décidé de créer une école de danse lorsque j'étais en pause artistique. En raison d'une blessure, j'ai commencé à enseigner la danse classique en position couchée, ce qui a étonnamment bien fonctionné. Nous avons décidé d'ouvrir l'école de danse au Tessin, inspirés par le climat et la proximité de l'Italie. A l'origine, nous avions repris l'école de danse de ma mère en Suisse alémanique, que nous avons rapidement fermée pour créer "The Moving Factory" à Locarno. Contrairement à l'école précédente, nous avons intégré d'autres styles de danse en plus du ballet et avons continuellement élargi l'offre dans le domaine de la comédie musicale. Nous avons transmis notre passion pour la danse à nos élèves. Les plus petits venaient une fois par semaine, les enfants de 8 ans deux fois, et ceux de 10 ans trois fois. Certains venaient même tous les jours. C'est pour eux que nous avons développé une "preformazione", une formation préprofessionnelle, avec des cours intensifs de ballet, de jazz, de hip-hop, de contemporain, d'acrobatie et, en option, des cours de chant pour les ambitieux de la comédie musicale. Quels sont les programmes de danse et de chant que vous proposez dans votre école ? Dans le domaine de la danse, nous proposons de la danse classique, de la danse jazz, de l'acrobatie, de la danse moderne, du hip-hop et de la vidéo-danse. Les leçons de danse que choisissent les enfants et les adolescents dépendent en fin de compte de leur âge et de leurs besoins. Par exemple, une élève de 4 ans fait 45 minutes de ballet créatif par semaine. A partir de 7 ans, nous conseillons aux participants de s'entraîner deux fois par semaine. A partir de 8 ans, le hip-hop pour enfants est également possible. Dans un premier temps, la priorité doit être donnée à un entraînement de danse classique approfondi. Si les élèves dansent le hip-hop trop tôt, ils n'auront pas les bases pour le ballet. Nous recommandons donc de pratiquer la danse classique deux fois par semaine. Bien entendu, si un élève souhaite commencer le hip-hop ou le moderne tôt, nous ne l'en empêcherons pas. Si les élèves ne viennent qu'une fois par semaine à l'entraînement, ils risquent de ne pas profiter de la large palette de danse et de théâtre que nous proposons à l'école. Lorsque les frères et sœurs des participants leur rendent visite pour assister à des entraînements, des compétitions ou des spectacles, et qu'ils constatent les progrès réalisés par les élèves de leur âge dans d'autres disciplines, ils s'intéressent à la danse. Cela nous permet d'attirer leur attention sur la diversité de l'offre de danse et de les motiver davantage. Nous avons également constaté que l'enthousiasme pour la danse peut se développer. Soudain, un enfant vient nous voir et nous demande s'il peut suivre d'autres cours. C'est alors que commence le gros problème : comment expliquer cela aux parents ? Nous avons des réactions différentes : certains parents sont immédiatement d'accord avec les cours supplémentaires, d'autres ont besoin de plus de persuasion. Lorsque les élèves atteignent l'âge de 12 ans, il se peut qu'ils commencent à demander eux-mêmes à leurs parents de les soutenir davantage dans leur passion pour la danse. Dans le domaine de la comédie musicale, du chant et du théâtre, la formation de base dure trois à quatre ans et comprend environ 10 à 12 heures d'entraînement par semaine. Quelle est l'importance de l'accréditation en tant que centre d'examen de la Royal Academy of Dance (RAD) pour les élèves et pour votre école ? La reconnaissance en tant que professeur de la Royal Academy of Dance (RAD) est essentielle pour les élèves et l'école. La participation à des examens reconnus fixe des objectifs clairs pour les élèves et augmente leur motivation et leur productivité. Les examens exigent des compétences spécifiques et encouragent la discipline et l'engagement. La réussite aux examens conduit à une reconnaissance officielle dans le milieu de la danse, renforce la confiance en soi et encourage les progrès continus. L'école bénéficie d'objectifs clairs, d'élèves motivés et d'une plus grande estime, ce qui renforce son professionnalisme et sa réputation au sein de la communauté de la danse. Quelles sont les réussites des diplômés de votre école dans les domaines de la danse et du chant ? "The Moving Factory s'est spécialisée dans la préparation des élèves pour qu'ils puissent intégrer les meilleures écoles de danse et de comédie musicale professionnelles ainsi que les universités du monde entier. Beaucoup de nos anciens diplômés ont obtenu des résultats impressionnants dans les domaines de la danse et du chant. Une grande partie d'entre eux ont eu l'occasion de prouver leur talent sur de nombreuses scènes et dans divers types de danse. Certains de nos anciens élèves ont été engagés dans les mêmes théâtres prestigieux de Vienne que ceux dans lesquels nous avons travaillé en tant qu'artistes. Nous sommes très heureux et fiers de voir nos anciens élèves réussir dans le monde de la danse et du chant. Comment la danse et le chant contribuent-ils au développement personnel des élèves, en dehors de leurs compétences artistiques ? La danse et le chant contribuent au développement et à l'épanouissement personnel de plusieurs manières ! Il faut du courage et une certaine confiance en soi pour se produire devant d'autres élèves. Grâce à un entraînement régulier, à des représentations et à des compétitions, les élèves gagnent en estime de soi. Ces qualités positives sont également transférables à d'autres domaines de la vie. Dans de nombreux groupes de danse et de chant, le travail d'équipe est crucial. Les élèves apprennent à travailler efficacement en groupe, à résoudre les conflits et à poursuivre des objectifs communs. Cela permet de développer les compétences sociales et la capacité à travailler ensemble. Les jeunes qui développent leur propre style et leur identité artistique individuelle sont aidés à explorer l'épanouissement de leur personnalité et de leurs intérêts. Les jeunes aspirants danseurs me semblent être des boutons de fleurs qui s'ouvrent lentement et révèlent toute leur beauté. Notre tâche consiste à découvrir les points forts de chaque élève et à les encourager au mieux. Quel rôle joue la garantie d'un environnement d'apprentissage sûr et favorable dans votre école ? La sécurité et le soutien de nos élèves sont au cœur de nos préoccupations. Un code de conduite clair pour les enseignants et les participants crée les conditions d'une interaction respectueuse. La formation à la détection des abus fait partie intégrante de nos mesures de prévention. Des échanges réguliers entre les enseignants favorisent une adaptation efficace aux besoins des élèves. Ces mesures sont essentielles pour garantir que notre école offre un environnement d'apprentissage favorable et sûr. Quels sont les défis et les joies de l'enseignement de la danse (et du chant), en particulier pour les enfants et les adolescents ? L'enseignement de la danse et du chant aux enfants et aux adolescents peut être une expérience merveilleuse et extrêmement gratifiante, qui comporte de nombreux plaisirs, mais aussi des défis. Les enfants et les adolescents ont une curiosité et une créativité naturelles. Enseigner la danse et le chant leur permet de s'exprimer de manière créative et d'exprimer leurs émotions de façon unique. Il ne se passe guère de jour sans que nous, les enseignants, soyons surpris à nouveau. Lorsque les élèves progressent et améliorent leurs compétences, cela augmente non seulement leur confiance en eux, mais aussi celle des enseignants. En classe, la collaboration entre les élèves et les enseignants est intense. Les compétences que les enfants acquièrent en classe peuvent être transférées dans leur vie quotidienne. Il en va de même pour l'expérience des enseignants. Cependant, l'enseignement présente également plusieurs défis. Les enfants et les adolescents peuvent parfois être impatients et veulent obtenir des résultats rapides. Il faut beaucoup de patience et de persévérance pour les accompagner sur leur chemin. En tant qu'enseignant, nous devons pouvoir garantir que chacun est pris en charge à son niveau individuel. Souvent, il peut être difficile de maintenir la motivation des élèves, en particulier lorsqu'ils sont frustrés ou perdent leur intérêt. Il faut faire preuve d'ingéniosité dans l'enseignement et l'apprentissage pour continuer à les intéresser à la danse et au chant. Malgré ces défis, les joies de l'enseignement aux jeunes l'emportent. La possibilité d'observer leur croissance et leur développement et de suivre leur parcours artistique est extrêmement gratifiante. Comment aidez-vous les élèves qui peuvent avoir des rythmes d'apprentissage différents ? Pour la préparation d'un examen ou d'un spectacle, nous proposons des cours supplémentaires auxquels les élèves peuvent participer s'ils ne se sentent pas à l'aise ou s'ils ont besoin d'un soutien supplémentaire. Bien que ces cours supplémentaires soient ouverts à tous, nous encourageons particulièrement ceux qui ont besoin de plus de soutien à y participer régulièrement. De plus, nous proposons des cours particuliers à un prix raisonnable. De cette façon, nous nous assurons que tous les élèves, indépendamment de leurs moyens financiers, aient accès à un soutien supplémentaire. Dans les cours collectifs, les enseignants mettent l'accent sur les points forts de chaque élève et les encouragent à croire en leurs capacités. Cela permet de développer la confiance en soi et de se sentir à l'aise dans son environnement d'apprentissage. Quel est l'avenir de "The Moving Factory" ? Avez-vous des plans pour lancer de nouveaux programmes ou projets ? L'avenir de "The Moving Factory" est prometteur, car nous continuons à travailler sur la satisfaction de l'équipe d'enseignants et sur la réussite des compétitions dans toutes les disciplines de la danse. Notre objectif principal est d'offrir à nos élèves à la fois un enseignement de qualité et la possibilité de développer leurs compétences et leur passion pour la danse. Nous souhaitons également améliorer notre offre en matière d'enseignement du théâtre. Bien que nous ayons déjà quelques élèves qui ont réussi à intégrer de grandes écoles d'art dramatique à Londres, la notoriété de "The Moving Factory" dans ce domaine artistique n'est pas encore très répandue. Nous n'en sommes qu'aux prémices, mais nous travaillons à élargir et à promouvoir notre programme de théâtre. https://www.movingfactory.ch/ Référence source: TVS 01/2024 Share
Motivation & développement Psychologie Comment créer une atmosphère d'enseignement de la danse saine? 2ème partie Dans la dernière newsletter de décembre 2023, nous avons déjà parlé dans une première partie de la sécurité psychologique et d'une atmosphère saine dans les cours de danse. Voici maintenant la suite de l'exposé de Dre Sanna M. Nordin-Bates. Les aspects psychologiques fondamentaux pour une atmosphère d'enseignement saine en danse ont été présentés par la Dre Sanna M. Nordin-Bates lors du symposium "Healthy Dance Education", qui s'est tenu en septembre 2023 à la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Dans la première partie de sa présentation, que nous avons présentée dans la newsletter de décembre 2023, elle a souligné l'importance d'un environnement qui réponde aux besoins fondamentaux d'autonomie, d'appartenance et de compétence afin de créer un environnement d'apprentissage sain. Dans la deuxième partie de son intervention, Nordin-Bates s'est concentrée sur la sécurité psychologique et a illustré la manière dont la satisfaction ou les obstacles à ces besoins affectent le bien-être et la performance dans l'enseignement de la danse. Nordin-Bates souligne que la mise en avant de l'autonomie permet aux apprenants d'être authentiques et d'exprimer leurs opinions, tout en créant un sentiment d'appartenance grâce à une collaboration mutuelle et à la prévalence de la dimension humaine sur la performance artistique. La satisfaction du besoin au niveau des compétences renforce la confiance en ses propres capacités. L'illustration du modèle de Deci & Ryan (2000) montre comment le soutien de ces besoins fondamentaux conduit à une motivation plus autodéterminée et favorise ainsi des résultats positifs dans l'enseignement de la danse. L'insécurité psychologique survient lorsque ces besoins sont compromis ou entravés. La théorie de l'autodétermination de Deci et Ryan (2000) met également en lumière le spectre des types de motivation. Celui-ci s'étend de l'absence de motivation à la motivation intrinsèque en passant par la motivation extrinsèque. L'absence de motivation implique un manque de compréhension des actions ou des activités continuelles dont la raison n'est pas claire. La motivation extrinsèque, quant à elle, varie d'une action dictée par des pressions extérieures à une raison d'agir basée sur un jugement personnel. La motivation intrinsèque, basée sur le plaisir et l'intérêt personnels, est considérée comme la forme la plus autodéterminée. La théorie souligne que la motivation intrinsèque (qui résulte du plaisir de l'activité elle-même) est supérieure et conduit à des émotions plus positives, un engagement plus important et une meilleure performance. Nordin-Bates a présenté des études montrant que la satisfaction des besoins énumérés ci-dessus conduit à une motivation plus autodéterminée et à des sentiments plus positifs envers la danse. La présentation s'est terminée par des stratégies pratiques pour soutenir ces besoins dans l'enseignement de la danse. Il s'agit notamment de donner la parole, d'encourager la collaboration et de créer un environnement qui favorise le sentiment d'égalité entre les danseurs. La présentation de Nordin-Bates illustre comment la prise en compte des besoins fondamentaux d'autonomie, d'appartenance et de compétence contribue à créer un environnement d'apprentissage sain et favorable dans l'enseignement de la danse, qui à son tour conduit à une meilleure motivation, à un épanouissement émotionnel et à une amélioration des performances. Référence source: Dr. Sanna M. Nordin-Bates (Referentin), Universität Bern (Dr. Andrea Schärli) Share
Histoire de la danse & diversité Culture Un aperçu du monde enchanteur des bals Dans le troisième épisode de notre série « Fascination Danse », Marianne Kaiser nous offre un aperçu du monde enchanteur de la saison des bals. Marianne Kaiser fut l’initiatrice et l’hôtesse du KAISER BALL à Zurich. Grande dame de la danse de couple en Suisse, elle nous entraîne dans l’univers de la saison des bals — un conte de fées vécu, une étape marquante dans une vie et un pas sur la scène sociale. Cliquez ici pour voir la vidéo Fascination Danse – Saison des bals. Référence source: TVS 01/2024 Share
Évolution du style & esthétique DancePodGuest La chorégraphie comme art narratif Jonathan Huor est né au Cambodge et a grandi en Suisse romande. Il a suivi une formation de danseur en Suisse, à Londres et à New York. Entre-temps, Jonathan est doublement lauréat de la Deutsche Musical Akademie dans la catégorie "meilleure chorégraphie". En tant que chorégraphe international basé à Zurich, il a été reconnu pour son travail en tant que danseur, professeur, chorégraphe et directeur artistique. Entre-temps, Jonathan est doublement lauréat de l'Académie allemande de comédie musicale dans la catégorie "meilleure chorégraphie" pour "Mein Name ist Eugen" ainsi que, plus récemment, pour "Roméo et Juliette". Son impressionnant répertoire comprend des productions musicales, événementielles et télévisuelles. En outre, il est régulièrement invité à donner des masterclasses dans différents pays. Aller au Podcast DancePodGuest - Jonathan Huor Référence source: TVS / Jonathan Huor, 11/2023 Fotocredit: Lauretta Sutter Share
Planification pédagogique Psychologie Comment créer une atmosphère d'enseignement de la danse saine d'un point de vue psychologique ? La sécurité psychologique n'est pas seulement un grand sujet dans le sport de haut niveau. C'est une condition préalable à un apprentissage sans stress, qui permet de faire des erreurs tout en se sentant à sa place, autonome et compétent. Lors d'un symposium, le Dre Sanna M. Nordin-Bates a expliqué ce que recouvre la "psychological safety" et comment elle peut être encouragée. Résumé Lors de sa conférence à l'occasion du symposium "Healthy Dance Education" à la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), la Dre Sanna M. Nordin-Bates souligne l'importance fondamentale de la notion de sécurité psychologique dans le contexte de l'enseignement de la danse. Les connaissances sur la " Psychological Safety " ont des applications multiples dans différents domaines tels que la danse, le sport, la santé, les entreprises et les écoles, indépendamment des groupes d'âge ou des régions géographiques, et offrent une base de connaissances précieuse pour favoriser un climat d'apprentissage sain aux avantages multiples. L'intervenante explique que la " Psychological Safety " crée une atmosphère dans laquelle les erreurs sont reconnues comme faisant partie du processus d'apprentissage et où il est possible d'avoir un dialogue ouvert sur les problèmes et les défis. Cette sécurité permet aux apprenants de prendre des risques et ainsi que de meilleures décisions face à la pression. La théorie de l'autodétermination de Deci et Ryan (2000) est utilisée dans différents contextes comme base pour promouvoir un climat d'apprentissage sain. L'autonomie, l'appartenance et la compétence sont des besoins essentiels qui, s'ils sont satisfaits, renforcent non seulement l'autodétermination, mais améliorent également les performances et le bien-être. Nordin-Bates souligne que la non-satisfaction de ces besoins peut entraîner des difficultés telles qu'une autodétermination limitée, l'exclusion sociale et un sentiment d'incompétence, ce qui entraîne des répercussions négatives sur l'apprentissage et le développement personnel. Dans le contexte de l'enseignement de la danse, elle présente différentes stratégies visant à promouvoir l'autonomie des élèves. Il s'agit notamment de fournir des explications complètes sur les objectifs des exercices, de donner la possibilité de prendre des décisions dans des limites claires et de promouvoir des objectifs individuels. L'intervenante souligne également l'importance du sentiment d'appartenance, qui est favorisé par la confiance, la coopération, la communication ouverte et la création d'une dynamique de groupe positive. Encourager les compétences implique également de se concentrer sur le processus d'apprentissage, de mettre l'accent sur différentes approches, de donner un feedback constructif et de fixer des attentes réalistes. Sa présentation met en évidence que la satisfaction de ces besoins apporte de nombreux avantages, notamment un bien-être accru, une plus grande motivation et une implication plus longue des apprenants dans la danse. De manière générale, la contribution de la Dre Nordin-Bates montre l'importance que revêt, dans l'enseignement de la danse, un environnement garantissant la sécurité psychologique et soutenant les besoins fondamentaux des danseuses et des danseurs. La création d'une atmosphère favorisant l'autonomie, l'appartenance et la compétence est d'une importance capitale pour un environnement d'apprentissage sain et favorable dans l'enseignement de la danse. Cet environnement permet aux apprenants de réaliser leur plein potentiel et de se développer en tant que danseuses et danseurs et en tant qu'individus. Cliquez ici pour accéder aux détails de l'exposé du Dre Nordin-Bates Référence source: Dr. Sanna M. Nordin-Bates (Referentin), Universität Bern (Dr. Andrea Schärli) Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie Danser, jouer et improviser avec les enfants Les livres recommandés sur la pédagogie de la danse pour enfants offrent des approches variées pour un enseignement créatif de la danse. « Enseigner l'art de la danse ? » De Jean-Jacque Félix (Auteur), Jean-Charles Chabanne (Préface), 448 pages, en français, 2011, ISBN: 978-2804163440 Enseignants et futurs enseignants en EPS, art et esthétique, danse à l'école et au lycée, artistes chorégraphes, acteurs culturels Unique en son genre, cet ouvrage offre à la fois une réflexion esthétique sur la danse et une réflexion sur l'enseignement de la danse comme art. Par son approche, il invite à développer une interdidactique des enseignements artistiques et culturels. De nos jours, l'art de la danse est, non seulement, considéré comme un art mineur, mais aussi, comme un enseignement mineur en milieu scolaire. Or, paradoxalement, cet art et les modalités possibles de son enseignement s'avèrent être ce qui permet de remettre en question et de repenser des modes d'enseignements par trop souvent normatifs mis en oeuvre dans ce milieu scolaire. C'est ce que tente de démontrer cet ouvrage novateur. Il se propose d'asseoir théoriquement un enseignement de la danse qui tienne ensemble une réflexion esthétique sur l'objet et une réflexion sur la spécificité de l'enseignement de cet objet : soit l'articulation d'une épistémologie et d'une didactique. Ce livre s'adresse à tous ceux - artistes, enseignants, formateurs - qui s'intéressent à l'art de la danse et à ses modalités d'enseignement et, plus largement, aux enseignements culturels et artistiques (désormais EAC). Des enseignements qu'il s'agit plus que jamais de défendre et d'illustrer, en montrant comment ils contribuent, pour une part irréductible, à la construction de ces fameux « apprentissages fondamentaux », au coeur du « socle commun des connaissances » - qu'il serait dangereux de ramener à ce qui est utile et ce qui est « simple ». Et les non-spécialistes de l'art-danse trouveront, dans cet ouvrage, divers éclairages sur les conditions de mise en oeuvre d'un enseignement scolaire soucieux de prendre en compte la personne singulière de l'élève liée à sa sensibilité. « Danse à l'école pour tous les enfants à l'école » ( CD audio) de Marie-France Bonnard, 143 pages, en français, 2009, ISBN 978-2725628387 La danse est propice au développement de compétences spécifiques et transversales, à l'école maternelle comme à l'école élémentaire. Elle contribue à l'épanouissement physique et sensible de chaque enfant : orientation spatiale, rapport à soi et aux autres, sensibilité au monde sonore environnant, créativité...L'ouvrage s'adresse donc aux enseignants de cycles 1, 2 et 3 et propose des activités accessibles à tous les enfants, y compris les moins agiles en motricité. Les 37 activités sont regroupées en trois parties, chacune suivant une progression : les échauffements : les fondamentaux, les massages, le travail par mimétisme... les ateliers de création : approche de l'espace, activités rythmiques, utilisation d'objets... les ateliers de composition : activités de repérage spatial et musical, de transformation, d'écriture (verbes d'action)... Ces activités permettent de réinvestir les éléments chorégraphiques connus pour l'élaboration d'un spectacle Chaque activité suit un objectif, une organisation, un déroulement et une gestuelle clairement détaillés. La qualité du travail attendue est également spécifiée. Un CD audio fournit les supports musicaux nécessaires à certaines activités. « Making Dance Special » de Melanie Peter, 176 pages, en anglais, année de parution : 1997, ISBN : 978-1853464348 Développer la danse dans le programme scolaire avec des élèves ayant des besoins éducatifs particuliers Ce livre jette les bases de l'enseignement de la danse pour les élèves ayant des besoins éducatifs très variés. Il prend au sérieux la notion de "danse pour tous" et explore une approche développementale pour amener le mouvement à la danse, avec des stratégies permettant aux apprenants de toutes capacités de progresser dans le contexte des exigences du programme national. Il s'appuie sur le travail de Veronica Sherborne et associe son programme de développement du mouvement créatif au cadre de la danse éducative mis en place par Rudolf Laban. Référence source: siehe Verlage der jeweiligen Bücher, 12/2023 - voir les éditeurs des livres concernés, 12/2023 - vedere gli editori dei rispettivi libri, 12/2023 Share
Danse communautaire Social De la scène à la pédagogie de la danse Sabine Schindler est chorégraphe et a suivi une formation de pédagogue de la danse MAS à l’École Supérieure de Zurich. Elle enseigne régulièrement dans la région de Zurich (entre autres à Tanzwerk101) et travaille en tant que chorégraphe indépendante dans différents théâtres et projets ainsi que dans des écoles pour l'enseignement de la danse. Dans l’interview, elle parle de son histoire à succès « Kids in Dance Sabine a suivi sa formation professionnelle de danseuse à Zurich et à Paris. Au cours de son impressionnante carrière qui s'étend sur plusieurs années, elle a été amenée à danser sur les scènes de Zurich à Shanghai et a enrichi des compagnies de danse nationales et internationales. Grâce à sa créativité, à la qualité de ses mouvements et à son expertise dans de nombreux styles de danse, elle exerce une influence prépondérante sur les mises en scène dans différents domaines en tant que chorégraphe. Elle met également en scène, organise et chorégraphie des événements et travaille dans le domaine de l'intelligence artificielle. En 2020, elle a fondé avec l’éducatrice sociale Bettina Aremu le projet "Kids in Dance", dont elle est la directrice artistique et la co-directrice. Sabine, tu as travaillé comme danseuse professionnelle pour des émissions de télévision, divers événements et productions de spectacles, mais aussi pour des compagnies de danse contemporaine au niveau national et international. En 2006, tu as été l'une des premières danseuses à obtenir un master en pédagogie de la danse dans la spécialité danse moderne et contemporaine à la Zürcher Hochschule der Künste ZHdK. Comment as-tu décidé de suivre une voie pédagogique dans le domaine de la danse alors que tu travaillais encore sur scène ? Pour moi, cette transition s'est faite de manière organique. Une conversation fortuite et intéressante m'a conduit à la pédagogie de la danse. Il s'est avéré que c'était l'impulsion décisive pour mon développement professionnel. Pendant ma carrière de danseuse, je n'avais pas encore enseigné. Ce n'est qu'une fois que je me suis établie en tant que danseuse que j'ai obtenu un master en pédagogie de la danse. Au cours de ma carrière, je suis devenue chorégraphe pour des productions théâtrales, dont Swiss Christmas, pour des comédies musicales et des spectacles de cirque, notamment pour le Cirque Monti. Ces deux activités, pédagogique et artistico-chorégraphique, se sont développées plus ou moins en même temps. J'ai donc effectué une transition naturelle entre ma présence sur scène en tant que danseuse et mes activités pédagogiques et chorégraphiques. Cette transition a été l'un des facteurs décisifs qui m'ont incitée à fonder Kids in Dance avec Bettina Aremu, éducatrice sociale. J'avais à cœur d'encourager et de soutenir les danseurs professionnels dans leur développement, mais aussi d'enthousiasmer les jeunes pour la danse et de promouvoir ainsi la participation culturelle dans le cadre de "Kids in Dance". Pour moi, ces deux activités sont d'égale importance. En 2013, la ville de Zurich t'a attribué une bourse de travail pour approfondir tes recherches chorégraphiques. Que retiens-tu de ces trois mois passés à Bruxelles en termes d'activités chorégraphiques ? J'avais déjà établi un large réseau dans le milieu de la danse à Zurich, alors que je ne connaissais pratiquement personne à Bruxelles. Cette période à Bruxelles a été extrêmement enrichissante pour moi et a permis de faire de précieuses connaissances. Elle a intensifié mon appréciation de la culture et de l'art, notamment grâce aux interactions et aux échanges artistiques avec les gens sur place. Pendant cette période, nous nous sommes entraînés intensivement, nous avons dansé et nous nous sommes rassemblés pour des spectacles. L'une des principales leçons que j'ai tirées de cette période est qu'il est essentiel de rester fidèle à sa démarche et à ses convictions artistiques. Lors de la création, il faut du courage pour choisir une expression, une séquence ou un mouvement particulier et pour persévérer dans ce choix. Depuis 2020, tu es directrice artistique et co-directrice de l'association "Kids in Dance". Peux-tu nous en dire plus sur l'inspiration et l'origine de "Kids in Dance" ? Qu'est-ce qui t'a motivée à lancer des projets et des ateliers de danse pour les jeunes ? Avant même la création de l'association, ma partenaire de projet, l'éducatrice sociale Bettina Aremu, travaillait déjà avec de nombreux jeunes. Des projets similaires, comme ChanceTanz, étaient déjà connus en Allemagne. Bettina assistait à mes cours de danse à intervalles réguliers et a pu constater personnellement les effets positifs de la danse. De cette expérience est née son idée d'enthousiasmer davantage les jeunes pour la danse et elle s'est adressée à moi pour monter un projet dans ce sens. Notre premier projet a été réalisé en 2018 avec des jeunes de Zurich-Nord et nous avons directement eu la possibilité de produire et de présenter le projet en coopération avec le Theater Gessnerallee de Zurich. Deux autres projets ont suivi à la Gessnerallee, avant même la création de l'association "Kids in Dance". Nous nous sommes donc engagées dans la réalisation de ces projets dès 2018, et l'association "Kids in Dance" a été officiellement créée en 2020. Quel est le déroulement typique d'un projet "Kids in Dance" ? Peux-tu nous donner des exemples de productions réalisées par les jeunes participants ? Nous proposons une grande variété de formats : Dans notre programme semestriel, nous rencontrons les jeunes participants une fois par semaine dans les salles de répétition d'un théâtre coopératif. Au bout de six mois, cette phase se termine par un spectacle de danse avec plusieurs représentations. La durée du projet varie bien entendu selon les fonds disponibles et le lieu de représentation. De plus, nous organisons à Zurich des semaines de stage intensif pendant les vacances scolaires, au cours desquelles nous nous consacrons quotidiennement au travail de la danse pendant deux semaines. Ces projets culminent avec des représentations à la Gessnerallee, où nous avons la chance de répéter. En général, pendant ces deux semaines, un professionnel du théâtre est également présent pour nous aider sur le plan technique, notamment en ce qui concerne l'éclairage et le son. Pendant le processus de répétition, nous emmenons les jeunes au théâtre et assistons de temps en temps à des représentations avec eux. En outre, depuis 2020, nous sommes représentés au Zürcher Theater Spektakel, où nos jeunes peuvent apprendre directement auprès d'artistes renommés dans le cadre d'ateliers et assister à leurs représentations le soir. As-tu des histoires ou des expériences d'anciens participants qui illustrent l'impact de Kids in Dance sur leur vie et leur développement professionnel ? Grâce à notre étroite collaboration dans le domaine socio-éducatif, un lien extraordinairement fort se crée entre les jeunes. Lorsque les jeunes assistent à nos cours, il n'est pas rare que leurs frères et sœurs soient également présents lors des représentations ou participent eux-mêmes aux ateliers. Il en résulte une multitude d'interactions et d'échanges entre les jeunes, ce qui permet souvent de nouer des amitiés profondes pendant les projets. L'amitié est d'ailleurs un thème que nous souhaitons aborder dans les prochaines productions. De plus, il est encourageant de constater que la participation aux projets "Kids in Dance" permet aux jeunes de renforcer leur confiance en eux, en leurs capacités et en leur propre créativité. Ils prennent conscience de la nécessité de la patience, par exemple lors de l'apprentissage avec des accessoires. Ils apprennent également l'importance du travail en équipe et développent une approche réfléchie dans leur expression corporelle dansée. Nous sommes convaincus que ces qualités acquises leur seront également très utiles pour leur développement professionnel futur. Nous espérons aussi qu'ils pourront conserver l'attitude qu'ils ont développée grâce à nos projets "Kids in Dance", notamment lors d'un entretien d'embauche, et qu'ils se remémoreront leurs précieuses expériences dans ces moments-là. Nous savons, grâce à différents témoignages de jeunes, qu'après un projet "Kids in Dance", ils ont plus de courage et croient davantage en leurs propres capacités et en eux-mêmes. Quels sont les défis auxquels sont confrontés les jeunes ayant des handicaps structurels de toutes sortes en matière d'accès à l'éducation culturelle ? Comment "Kids in Dance" contribue-t-il à relever ces défis ? Nous nous adressons spécifiquement aux jeunes issus de ces milieux, car ces offres ne leur sont pas automatiquement accessibles. De nombreux jeunes ne sont pas vraiment attirés par les offres plutôt élitistes de l'enseignement culturel. Le coût joue souvent un rôle. Des offres concrètes nécessitent d'être communiquées personnellement à un grand nombre de jeunes afin de nouer un premier lien relationnel. Ce n'est qu'alors qu'ils osent y participer. Afin de rendre notre offre accessible à tous, toutes les offres de "Kids in Dance" - qu'il s'agisse de la participation au projet ou des représentations publiques - sont gratuites. L'un des défis réside sans aucun doute dans le fait que les jeunes du centre fédéral d'asile, par exemple, ont souvent de nombreux rendez-vous et qu'il leur est difficile de s'engager en plus dans un projet, de venir régulièrement et de s'impliquer. Parfois, ils sont tout simplement trop épuisés pour prendre d'autres engagements. Néanmoins, même lorsqu'ils ne viennent pas régulièrement, nous continuons à échanger avec eux, nous gardons nos portes ouvertes et nous les traitons toujours d'égal à égal. Les barrières linguistiques constituent un autre défi. Dans notre dernier projet "Wart schnell", toutes les instructions de cours ont toujours été données en trois langues : allemand, français et anglais. Or, la danse s'avère être un moyen de communication non verbale particulièrement efficace, qui permet de se comprendre et de se connecter physiquement, même si l'on ne parle pas la même langue. Pour moi personnellement, il est important de faire sentir aux jeunes qu'ils n'ont pas besoin de fonctionner avec moi. Si un participant se sent fatigué, je ne le forcerai pas à participer. Dans mes ateliers, il y a beaucoup de gens qui n'ont jamais dansé auparavant et qui montent sur scène pour la première fois après seulement quelques semaines. Je donne des instructions sur les mouvements, mais je propose aussi des improvisations. De cette manière, nous construisons nos projets ensemble, les jeunes apportant également des idées en matière de mouvement. Comment les jeunes qui participent aux projets "Kids in Dance" peuvent-ils mettre à profit leurs compétences créatives dans le domaine de la danse ? Comme certains jeunes n'ont aucune expérience de la danse et ne sont jamais montés sur scène, l'accent est mis sur la découverte de leurs capacités créatives avant de développer les projets ensemble. Je crée une structure, par exemple en demandant aux participants de se rassembler en groupe et de se déplacer comme des vagues lorsqu'une lumière bleue s'allume dans un coin. Grâce à une approche ludique, ils sont encouragés à réaliser certaines consignes. Sur la base de mes observations de leur réalisation, je sélectionne ensuite certains éléments de mouvement des jeunes et j'essaie d'intégrer davantage leurs idées. Un autre exemple est que les jeunes s'enseignent mutuellement des styles de danse qu'ils maîtrisent, comme dans le projet "Wart schnell", entre autres. Comme les jeunes sont constamment sous surveillance en dehors de "Kids in Dance", il est important pour nous qu'ils trouvent chez nous un espace protégé dans lequel ils peuvent développer librement leurs possibilités d'expression créative. Comment les groupes sont-ils constitués pour les projets "Kids in Dance" ? Y a-t-il des critères ou des principes spécifiques qui sont pris en compte lors de la sélection des jeunes ? Les formats Kids in Dance s'adressent en principe à tous les jeunes intéressés par la danse. Nous ciblons les jeunes issus de l'immigration et/ou de l'exil, ainsi que les jeunes issus de contextes socio-éducatifs défavorisés ou de situations socio-économiques difficiles, qui ont un accès plus difficile à l'éducation esthétique et aux offres culturelles. Notre éducatrice sociale, Bettina Aremu, dispose d'excellentes relations dans le secteur public de la jeunesse ainsi que dans des institutions telles que le Centre fédéral d'asile et d'autres institutions socio-éducatives. Elle entretient également des relations étroites avec plusieurs écoles de la région. En tant qu'équipe, nous cherchons activement à entrer en contact avec les jeunes, à leur présenter le projet et à leur demander directement s'ils sont intéressés par une participation. Les groupes mixtes en termes de classe, de race et de genre ne sont pas constitués selon un principe de sélection, mais reflètent notre société (post-migratoire). L'hétérogénéité des groupes rend possible la rencontre interculturelle et permet de vivre la diversité (deep diversity). Dans la ville de Baden, nous avons déjà mené avec succès trois projets de ce type. Certains jeunes ont participé plusieurs fois à nos projets, ce qui montre leur intérêt constant. Cela donne une continuité au projet Kids in Dance et nous permet d'accompagner les jeunes dans leur développement sur plusieurs années. Comment la communauté, y compris les professionnels de la culture et le public, peut-elle contribuer au soutien et au développement de "Kids in Dance" ? Notre intention est d'établir des relations durables avec les institutions culturelles qui soutiennent les projets "Kids in Dance" afin d'y organiser des répétitions et des représentations. De plus, nous apprécions les possibilités de coopération avec des institutions prestigieuses comme le Zürcher Theater Spektakel. Ces institutions et festivals offrent une excellente plate-forme permettant à nos jeunes de s'immerger directement dans le monde du théâtre et d'apprendre auprès d'artistes expérimentés. Dans quelle mesure la collaboration avec des professionnels de la culture et des institutions culturelles a-t-elle contribué à accroître la visibilité et le succès de "Kids in Dance" ? Y a-t-il des partenariats ou des collaborations spécifiques qui méritent d'être soulignés ? Les représentations de "Kids in Dance" sont solidement ancrées dans le programme régulier des institutions culturelles mentionnées. Cela s'avère être une reconnaissance extrêmement précieuse et contribue largement à accroître notre visibilité à l'extérieur. Occasionnellement, nos activités sont également mises en avant dans différents médias imprimés à l'initiative des théâtres. Parfois, les médias eux-mêmes cherchent à nous contacter directement pour des interviews ou des reportages au préalable, ainsi que pour des comptes rendus. Parmi les partenaires de coopération actuels, on trouve par exemple le Kurtheater de Baden, la Gessnerallee de Zurich, le Phönix Theater de Steckborn, le ALTEFABRIK de Rapperswil-Jona et, justement, le Theater Spektakel de Zurich. Dans un avenir proche, nous prévoyons également des projets en Suisse romande. Nous souhaitons ainsi franchir le "Röschtigraben" en dansant. Comment "Kids in Dance" est-il financé et comment les personnes intéressées ou les sponsors peuvent-ils contribuer à soutenir les activités et les projets ?* L'association "Kids in Dance" finance ses activités principalement grâce au soutien de fondations. Il convient de mentionner en particulier le rôle exceptionnel de la DROSOS STIFTUNG, qui axe son soutien sur l'épanouissement créatif des jeunes. Ce soutien pluriannuel est garanti jusqu'en 2025. Bien que cette subvention soit substantielle, elle ne suffit pas à financer la multitude de nos projets. C'est pourquoi nous menons des collectes de fonds ciblées sur des projets spécifiques et pouvons désormais compter sur le soutien de plus de 40 fondations différentes qui soutiennent "Kids in Dance". En outre, nous dépendons également du soutien financier des pouvoirs publics tels que SWISSLOS ou l'Office fédéral de la culture, car nos projets sont gratuits pour les participants et les représentations sont gratuites pour le public. En principe, nous ne poursuivons pas de collecte de fonds sur les lieux des événements. Cependant, les mécènes potentiels, tels que les soutiens privés, ont la possibilité de nous contacter via notre site web. Comment "Kids in Dance" s'est-il développé depuis sa création et quels sont vos projets pour l'avenir ? Notre équipe s'est considérablement agrandie. Nous avons commencé à deux et comptons désormais six collaborateurs dévoués dans nos rangs. De plus, des équipes spécialisées de chorégraphes et d'éducateurs sociaux se sont formées, par exemple pour la réalisation des projets à Steckborn et Rapperswil-Jona. A l'avenir, j'espère sincèrement que "Kids in Dance" occupera une place de choix dans le paysage culturel suisse. Nos efforts visent à rendre notre projet accessible, ce qui signifie concrètement qu'il doit rester gratuit tant pour les jeunes qui y participent que pour le public. Ces valeurs sont fondamentales pour nous, pour "Kids in Dance" et pour la participation culturelle et doivent absolument être préservées. Bien entendu, je serais ravie si, à l'avenir, un ancien participant à nos projets prenait la direction d'un projet ou me soutenait dans l'encadrement. Vous pouvez trouver des interviews de jeunes sur "Kids in Dance" ici. Site web de "Kids in Dance" : https://kidsindance.ch/ Référence source: TVS / Sabine Schindler 11/2023 Share
Évolution du style & esthétique DancePodGuest Du ballet classique à la contorsion Nina Burri a commencé à danser à l'âge de six ans : d'abord le ballet, puis le jazz, les claquettes, la danse moderne et l'acrobatie. Plus tard, elle s'est mise à la comédie et au chant. Ce qu'elle fait aujourd'hui, comment elle est arrivée à la contorsion et pourquoi elle est toujours aussi enthousiaste sur scène, c'est ce qu'elle raconte dans une interview avec TANZ Association Suisse TAS. Elle a suivi une formation de danseuse classique diplômée de l'école nationale de ballet de Berlin. À 30 ans, elle a étudié en Chine à l'école de contorsionniste. Elle a été danseuse au Béjart Ballet, a fait des tournées avec le cirque Knie et a participé à la finale d'America's Got Talent. Dans l'entretien qu'elle a accordé à Adrian Hochstrasser, elle explique ce qu'elle fait aujourd'hui, comment elle est venue au métier de contorsionniste et pourquoi elle est toujours aussi enthousiaste sur scène. Aller au Podcast DancePodGuest - Nina Burri Plus d'informations https://www.ninaburri.com/en Référence source: TVS / Nina Burri 09/2023 Fotocredit: Jorinde Gersina Share
Motivation & développement Social De la danseuse à l'organisatrice engagée: entretien avec Sarah-Jane Brodbeck « Ma fascination pour la danse vient du fait que l'on peut exprimer énormément de choses avec le mouvement ». Sarah-Jane Brodbeck a grandi à Zurich, où elle a suivi sa formation de danseuse classique professionnelle. Elle a dansé pendant plus de 15 ans en tant que soliste dans des compagnies internationales. Son répertoire présente une grande variété de rôles, de chorégraphies et de styles de danse, allant du ballet classique à la danse contemporaine en passant par la danse néoclassique et contemporaine. En collaboration avec Katharina Lips, Sarah-Jane a fondé l'année dernière la société Brodbeck & Lips, dédiée à la danse, et a présenté l'année dernière "Homage to Ballet - A Night with the Stars" à la Maag-Halle de Zurich. Après avoir organisé un hommage à Heinz Spoerli à Bâle en juin dernier, les deux femmes remettent ça cet automne, les 22 et 23 septembre au Theater 11, pour une nouvelle édition de leur célèbre "Homage to Ballet". Leur objectif est de présenter au public les meilleurs danseurs du moment afin de déclencher la passion de la danse. Aucun autre gala de ballet en Suisse n'avait jusqu'à présent attiré autant d'étoiles. Cette année encore, on s'émerveille devant leurs noms : Polina Semionova, Iana Salenko, Anna Ol, Friedemann Vogel, etc. Pour l'édition de cette année, Brodbeck & Lips ont imaginé quelque chose d'unique : un programme-cadre autour des deux représentations, offrant plus d'une semaine d'activités variées. L'année dernière, Sarah-Jane a fondé avec son mari Vahe Martirosyan le studio SAVA Health and Training à Zurich. Parallèlement, Sarah-Jane étudie la danse à l'université de Berne. Le 24 septembre 2023, Brodbeck & Lips organisera avec l'Université de Berne un symposium sur le thème : "Focus on topics of psychological harm and safeguarding in a dance environment". Sarah, tu as dansé sur de nombreuses scènes du monde entier : au Royal Swedish Ballet, en tant que soliste au Zürcher Ballett sous Heinz Spoerli, et dernièrement au Staatsballett Berlin jusqu'en janvier 2022. Qu'est-ce qui te fascine dans la danse ? Ma fascination pour la danse vient du fait que le mouvement permet d'exprimer beaucoup de choses. Le ballet, en particulier, révèle cette possibilité unique sous une forme esthétique et attrayante. On peut raconter des histoires tout en étant parfois abstrait. Enfin, c'est aussi le lien avec la musique qui me fascine. C'est formidable de pouvoir bouger au rythme de la musique. La danse est comme un langage universel d'intégration qui ne nécessite pas de mots. Comment as-tu pris la décision de devenir danseuse professionnelle ? J'ai pris cette décision relativement tard. J'ai commencé à m'entraîner quotidiennement à la danse classique à l'école d'art et de sport, puis je suis passée au gymnase artistique et sportif. C'est à ce moment-là que j'ai réalisé que ma passion était le ballet classique. Jusqu'à l'âge de 18 ans, ma formation ne s'est pas limitée à l'entraînement de ballet, car l'école m'a toujours accompagnée en parallèle. Puis j'ai décidé de me concentrer entièrement sur le ballet et j'ai obtenu une année sabbatique du gymnase artistique et sportif. Mon objectif était de savoir ce que je ferais si je mettais toutes les chances de mon côté. Si cela ne fonctionnait pas, j'aurais toujours la possibilité de retourner à l'école. Lors de ma dernière année, j'ai participé à des auditions et j'ai décroché mon premier poste de demi-soliste au ballet de Zurich. Quand tu regardes aujourd'hui ta carrière de danseuse professionnelle, y a-t-il des décisions que tu prendrais différemment aujourd'hui ? Je n'ai pas de maturité en poche, c'est pourquoi je me demande après coup s'il aurait été possible de terminer le gymnase. Avec le recul sur ma carrière de danseuse, il n'y a pas de décision que je regrette. Que conseilles-tu aux jeunes danseurs qui ont envie de faire de leur passion pour la danse un métier ? Si le potentiel existe, j'encourage chaque danseur et danseuse à faire le pas vers la danse professionnelle. Le métier de danseur ou de danseuse est une activité magnifique, qui demande beaucoup d'efforts, mais qui comporte aussi de merveilleux aspects. Un facteur essentiel est de garder un "esprit ouvert". La carrière dans la danse est de courte durée, il est donc essentiel de garder à l'esprit le fait qu'une deuxième phase professionnelle se présentera un jour ou l'autre. Cela ne doit pas être considéré comme un obstacle, mais plutôt comme un encouragement et une opportunité. Néanmoins, maintenir cet "état d'esprit ouvert" pendant la carrière active de danseur est un défi, car le métier de danseuse et de danseur requiert une grande attention. Il faut un investissement important dans cette vocation dont la pratique s'apparente essentiellement à celle d'un sport de haut niveau. Je conseillerais également de conserver une passion saine pour le métier. Il est conseillé de prendre des vacances de temps en temps, de faire de la randonnée et d'autres activités similaires. Ces activités permettent d'entretenir cet "open mindset". Une petite anecdote à ce sujet : lorsque j'ai décidé d'arrêter le gymnase, beaucoup de mes collègues m'ont posé la question de mon avenir professionnel. A l'époque, je ne pouvais pas répondre clairement à cette question, ce qui m'inquiétait un peu. En même temps, j'ai remarqué que mes camarades n'avaient pas non plus de réponse claire sur ce qu'ils comptaient faire dans 15 ans. A 18 ans, il est difficile de se projeter dans l'avenir et de savoir ce que l'on fera à 35 ans. Certes, il est inhabituel d'abandonner le gymnase pour se consacrer entièrement à la passion de la danse. Notre culture suisse accorde une grande importance à la sécurité. Néanmoins, je pense qu'il est plus courant aujourd'hui de se lancer dans un autre domaine d'activité après une première formation professionnelle. La société est devenue plus ouverte à cet égard. De plus, les employeurs peuvent profiter des qualités des anciens danseurs professionnels. Ils ont la réputation d'être très disciplinés et très motivés ! Depuis 2020, tu suis un MAS in Dance Science à l'Université de Berne. Ce cursus a-t-il changé ton regard sur la danse ? De quelle manière ? Juste avant l'apparition de la pandémie, j'ai commencé le MAS in Dance Science à Berne avec une collègue qui dansait également au Staatsballett de Berlin. Le lockdown nous a ensuite laissé un peu plus de temps pour étudier. L'entraînement de danse a finalement repris, ce qui a sensiblement augmenté la double charge d'entraînement et d'études. Cette situation était extrêmement exigeante, car la danse est très exigeante non seulement sur le plan physique, mais aussi sur le plan mental. Pendant mes études, j'ai pu acquérir de vastes connaissances sur la danse. Je m'intéresse particulièrement à la compréhension du corps en général. Les aspects de l'entraînement, comme l'optimisation de la formation et de l'entraînement des danseurs, me fascinent beaucoup. Considérons le système d'enseignement de la danse classique : malgré quelques progrès, l'enseignement n'a pas fondamentalement changé. L'approche est toujours basée sur le principe du "plus, c'est mieux". J'ai toujours remis en question cette attitude. Il est maintenant temps d'intégrer de nouvelles connaissances dans la pratique de la danse, car il existe de nombreuses possibilités de travailler, comme sur le plan mental. Les études ont confirmé mon point de vue à cet égard. Cependant, en tant que danseuse classique, je suis sceptique quant à certaines théories qui nous sont transmises par la littérature scientifique. Prenons par exemple un sauteur en hauteur en athlétisme. L'objectif est relativement clair et simple : sauter plus haut pour s'améliorer. En revanche, en danse, les exigences sont plus variées et plus complexes. Elle implique des sauts, des rotations, des étirements, etc. Est-il donc utile d'entraîner les danseurs à sauter en hauteur pour qu'ils deviennent de meilleurs danseurs ? Bien sûr, il est possible de travailler la hauteur et la force de saut, mais un danseur de ballet ne doit pas nécessairement devenir un sauteur en hauteur. De plus, il ne faut pas négliger les aspects techniques comme le "turn-out". Des facteurs imprévisibles comme le tempo de la musique peuvent jouer un rôle important. Si le chef d'orchestre accélère la musique un soir, cela signifie que l'atterrissage après un saut doit être préparé plus tôt pour rester en phase avec la musique. Un saut avec une puissance de saut maximale n'est alors pas très utile ! Je me demande donc quelles théories peuvent réellement être appliquées au ballet. Je trouve ce discours absolument passionnant ! Par ailleurs, les aspects psychologiques ont élargi ma perspective. Tous mes collègues sportifs de haut niveau ont reçu un soutien mental. Dans ma formation de danseuse, ces aspects mentaux n'étaient pas suffisamment abordés. Même au sein des compagnies de danse, des thèmes comme la gestion du stress, la peur des auditions ou le trac n'étaient pas discutés. Il fallait gérer ces aspects soi-même. La force mentale était toujours considérée comme acquise chez nous, les danseurs. La possibilité de se développer n'était pas prise en compte. C'est l'une des principales raisons pour lesquelles j'ai commencé le Master of Advanced Studies (MAS) à Berne. J'ai senti que c'était précisément dans ce domaine qu'il était possible de progresser et j'ai voulu me plonger plus profondément dans ce sujet afin de mieux le comprendre et d'en apprendre davantage. Comment as-tu travaillé sur ta santé mentale en tant que danseuse ? Suite de l'entretien Référence source: TVS / Sarah-Jane Brodbeck 09/2023 Share
Entraînement & apprentissage Médecine Étirements pour danseuses et danseurs Comment maîtriser l'art de l'étirement pour améliorer les performances de la danse et prévenir les blessures ? L'article " Les étirements pour les danseuses et danseurs " de Brenda Critchfield donne des informations détaillées sur les techniques, le timing et les ajustements individuels qui sont essentiels pour la mobilité et le succès à long terme dans la danse. Résumé L'article "Etirements pour danseurs et danseuses" de Brenda Critchfield traite de l'importance des étirements et de la souplesse dans la pratique de la danse. La souplesse est essentielle à la fluidité et à l'esthétique des mouvements dans la danse. Il aborde différents aspects de l'étirement, notamment l'amplitude de mouvement par rapport à la flexibilité, les types d'étirement, les moments appropriés, les tissus à étirer, les variantes individuelles ainsi que la durée et la fréquence des étirements. Il existe une distinction entre l'amplitude de mouvement (Range of Motion, ROM) et la flexibilité : la ROM dépend de facteurs anatomiques, tandis que la flexibilité décrit la capacité des tissus mous à s'étirer au-delà de la ROM. Elle explique la mobilité dynamique et statique, cette dernière étant particulièrement importante pour la prévention des blessures. De plus, l'article explique les types d'étirement : l'étirement balistique comporte des risques de blessures, l'étirement dynamique est contrôlé et échauffant, l'étirement statique a un effet à long terme et la facilitation neuromusculaire proprioceptive (PNF) nécessite une certaine prudence. Il est question des moments appropriés pour les étirements : les étirements statiques avant la danse ou les cours ne sont pas conseillés, tandis que les étirements courts de moins de 15 secondes n'affectent pas les performances. L'amélioration de la souplesse nécessite un entraînement à long terme après l'entraînement de danse. Brenda Critchfield dresse une liste des tissus qui doivent être étirés : Les muscles et les fascias doivent être étirés, tandis que les ligaments et les capsules articulaires ne doivent pas être trop étirés. Les différences individuelles, telles que la structure corporelle et la génétique, influencent la mobilité. Les danseuses et danseurs hypermobiles doivent s'entraîner à la stabilité, tandis que les moins mobiles ont besoin d'étirements ciblés. La durée des étirements est expliquée : 30 secondes d'étirement statique après avoir dansé sont suffisantes pour maintenir la mobilité. Des étirements continus pendant des semaines produisent un effet durable. En conclusion, l'article souligne que des étirements ciblés peuvent améliorer les performances en danse et réduire les risques de blessures, à condition de respecter la technique, le timing et de personnaliser la pratique. L'article original de Brenda Critchfield en anglais Référence source: TVS / Brenda Critchfield 09/2023 Share
Promotion de la santé Dance Science Les bienfaits du tango argentin pour la santé La danse est universellement présente dans les cultures du monde entier et façonne le tissu social. Plus récemment, la danse et la musique ont pris une importance croissante dans la promotion de la santé. Le tango en particulier s'est révélé être une ressource précieuse pour la santé et le bien-être, notamment dans le contexte de la maladie de Parkinson. L'origine du tango argentin remonte aux années 1880. Après avoir été une danse d'esclaves africains, il est devenu une forme de danse mondialement reconnue. Cet art allie la musique, des étreintes étroites et de subtils mouvements improvisés, offrant ainsi une plateforme thérapeutique unique pour les compétences interpersonnelles. Les bienfaits du tango sur la santé sont nombreux. Sur le plan physique, elle favorise la force musculaire, l'endurance, l'équilibre et une bonne condition cardiovasculaire. Elle renforce les interactions sociales, l'attention, les capacités cognitives et la santé émotionnelle. Le tango s'est révélé particulièrement efficace pour les patients atteints de la maladie de Parkinson. Des études montrent que danser le tango améliore leur qualité de vie, leur mobilité, leur équilibre, leur cognition et leur stabilité émotionnelle. L'expérience multidimensionnelle du tango argentin a un impact positif sur tous les aspects de la vie et de la santé. Cela s'étend aux personnes de tous âges, qu'elles soient en bonne santé ou non. La capacité de relier le corps, l'esprit et l'âme par la danse fait du tango une ressource précieuse pour la promotion de la santé et du bien-être. Néanmoins, des recherches plus approfondies sont nécessaires pour mieux comprendre les effets du tango sur la santé sociale, émotionnelle et physique. Des études à long terme et la diversification des groupes de recherche sont nécessaires pour renforcer et élargir les résultats. Dans la recherche sur la maladie de Parkinson, les symptômes autres que la motricité, tels que les relations sociales et la qualité de vie, mériteraient d'être davantage explorés. Pour plus d'informations sur cet article, cliquez ici : Les bienfaits du tango pour la santé Référence source: TVS, Adrian Hochstrasser 09/2023 Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie Dance Spetters - Jeunes, danse et créativité « La danse s'est emparée de moi et ne m'a en fait jamais quittée ». Maria Speth (NL) est danseuse, pédagogue et créatrice de danse. Sa vision pédagogique est d'aider les jeunes à développer et à reconnaître leurs propres forces. Pour ce faire, elle utilise une approche orientée vers les solutions et qui requiert une pensée innovante ainsi que de la créativité. Sur son site web, elle met gratuitement à la disposition des professeurs de danse une multitude de supports pédagogiques inspirants, issus de ses nombreuses années d'expérience dans l'enseignement de la danse. "Danser, c'est ressentir avec le corps, penser avec le corps, savoir et parler avec le corps" Comment vous êtes-vous mise à la danse ? La danse m'a prise et ne m'a jamais quittée ! Enfant, j'étais toujours imprégnée de chansons et de mouvements, je suppose donc qu'avoir l'âme d'une danseuse est dans mes gènes. Tout au long de ma vie, ce sentiment fondamental a été nourri de multiples façons. Il a également été remis en question, façonné et parfois déformé, ce qui a donné lieu à de nouvelles voies et à des paysages toujours différents, et cela continue aujourd'hui. Qu'est-ce qui vous fascine dans la danse ? Quel rôle joue-t-elle dans votre vie ? La danse m'émeut, et la danse est pour moi le principal moyen d'expression. Elle est mon moteur et m'a motivée à rechercher les différentes formes d'expression de la danse tout au long de ma vie. Même si je ne bouge pas physiquement, je bouge intérieurement. Formée à la danse classique et contemporaine, j'ai découvert l'approche créative et le processus fascinant de la danse et ses nombreuses possibilités. Lorsque je rencontre d'autres personnes en train de danser, nous parlons peut-être des langues différentes, mais nos corps savent comment communiquer entre eux de manière fluide. Tout le monde peut danser, et chaque personne a sa propre façon unique de bouger. En nous rencontrant dans la danse, nous créons un processus d'échange et d'apprentissage mutuel qui nous permet de grandir. J'en ai fait personnellement l'expérience un nombre incalculable de fois. C'est un processus vraiment enrichissant, et j'apprécie beaucoup toutes les personnes, en particulier les jeunes, qui me mettent toujours au défi par leur curiosité et leur recherche de nouvelles voies. Comment en êtes-vous venue à travailler avec des enfants et des jeunes adultes et qu'est-ce qui vous fascine dans ce travail ? Les jeunes, en particulier les enfants, peuvent réagir de manière très brute, ce sont souvent de véritables philosophes. Les enfants ne sont pas encore limités par le savoir et les schémas établis, ils pensent facilement hors des sentiers battus. C'est un défi pour moi, et leurs réactions donnent souvent lieu à de nouvelles ou différentes idées. Je me souviens très bien de l'époque où j'avais préparé un cours de danse sur le thème "Higgledy-Piggledy", avec des images de banquise effilée pointant dans différentes directions et de villages italiens collés aux collines. Pendant que je présentais ce sujet, un élève a fait la comparaison avec les dents de son frère qui venait d'être soigné par un orthodontiste. Le thème et la motivation du groupe ont été ancrés sur le champ, nous n'avons pas seulement dansé toute l'heure sur tous les aspects des dents folles, des appareils dentaires et des dents de sagesse... un projet complet a vu le jour et les élèves ont voulu continuer à découvrir et à danser autour de ce thème pendant des semaines. Bien sûr, nous avons tous beaucoup appris ! C'est pourquoi les jeunes sont pour moi une incroyable source d'inspiration. Passer d'une structure à une interprétation personnelle est toujours un processus fascinant et créatif, toujours différent, souvent surprenant. Pourquoi la danse est-elle importante pour les enfants ? Pour moi, l'importance de la danse réside dans le fait que les jeunes apprennent un autre langage dans lequel ils peuvent s'exprimer. Et cela peut être particulièrement précieux lorsque les enfants n'ont pas encore les compétences linguistiques suffisantes pour s'exprimer de manière raffinée. Cela les aide également à explorer certains aspects de leur propre personnalité. Ils découvrent ce que c'est que d'interagir avec les autres, ce qu'ils aiment ou n'aiment pas, et comment ils peuvent coopérer ou négocier. Quel est le rôle de la danse dans le développement des jeunes ? Lorsque l'on regarde un groupe de jeunes, on ne sait pas ce que chacun d'entre eux deviendra. Sommes-nous en présence d'un futur Premier ministre, d'un plombier, d'un scientifique ou peut-être d'un danseur ? Quelle que soit la profession qu'ils choisissent, ils ont tous besoin des mêmes outils pour réaliser le rêve de leur vie. J'aime appeler ces outils les "cinq C" ; des compétences qui existent en chaque personne et qui doivent être encouragées pour être développées : "Communication" - à la fois verbale et non verbale (mots, gestes, mouvements, toucher, sons et images). Les éléments de base de la communication peuvent exprimer un message de nombreuses manières différentes. " Cognition " - l'accumulation de connaissances tout au long de la vie. Les nouvelles connaissances ouvrent les portes à un développement ultérieur et à la découverte de nouvelles voies. "Condition" - Il est important d'être en forme à la fois physiquement et mentalement. Prendre soin de son corps et de son esprit est un élément essentiel pour maintenir un équilibre sain, et une personne en équilibre est une personne en mouvement. " Créativité " - penser avec ses émotions et ressentir avec son esprit. Lorsque nous invitons les jeunes à explorer différentes possibilités, nous stimulons un processus créatif que nous devons encourager autant que possible. "Curiosité" - conduit à chercher, à vouloir comprendre et à découvrir de nouveaux horizons. Les compétences ci-dessus sont essentielles pour les jeunes. Un Premier ministre, un plombier, un scientifique ou un danseur en ont tous besoin pour être compétents dans ce qu'ils font. La danse permet d'utiliser toutes ces compétences de manière ludique, grâce à un mouvement coopératif, les jeunes sont dans un échange social, culturel, cognitif et émotionnel permanent. Alors pourquoi ne pas donner aux jeunes la possibilité d'apprendre de, avec et par la danse, en abordant des sujets de tous les jours ? Voici un exemple pratique, destiné aux jeunes et basé sur la vie quotidienne : Les téléphones portables ! Avez-vous déjà dansé votre propre numéro de téléphone ? Visualisez l'écran de votre téléphone portable et imaginez qu'il est posé sur le sol devant vous, agrandi à un mètre par un mètre. Pouvez-vous faire sauter votre numéro ? Et si tu connais l'ordre, quel type de sauts aimerais-tu faire : grands, petits, tordus ? Quelqu'un d'autre peut-il noter votre numéro pendant que vous le sautez ? Lorsque vous communiquez votre numéro à quelqu'un, prononcez-vous la combinaison de chiffres de manière régulière et monotone OU utilisez-vous une sorte de rythme ? Il est parfois difficile de reconnaître son propre numéro lorsque quelqu'un le répète à un rythme différent... Pouvez-vous ajouter un rythme à vos sauts ? Si nous sautons tous notre numéro en même temps, nous voyons que nous sautons tous les deux premiers chiffres dans la même direction (numéro de pays), ensuite on voit beaucoup de différences, mais aussi des similitudes. Cela se voit encore mieux si nous accompagnons les chiffres de 0 à 9 d'un mouvement pour lequel nous n'utilisons que le haut du corps. Nous devons d'abord imaginer et automatiser les mouvements ensemble, puis chacun traduit les mouvements en une phrase qui correspond à son propre numéro de téléphone. En fait, cela devient immédiatement une danse. Si nous réunissons plusieurs élèves dans un groupe, nous obtenons une chorégraphie intéressante : les deux premiers numéros sont les mêmes pour tout le groupe, ensuite nous ne savons plus où donner de la tête ! Au fait, la façon de sauter et de se déplacer sera-t-elle différente si nous ajoutons différents fragments de musique ? Saute-t-on plus vite, de manière plus décontractée, plus formelle ? Avec les défis ci-dessus, nous faisons appel à des compétences telles que la capacité d'analyse, l'orientation spatiale, la cognition, la coopération, la musicalité et, bien sûr, la créativité ! Quels sont les défis que vous rencontrez dans votre travail et comment les gérez-vous ? Je ne peux m'empêcher de penser à une citation d'Einstein : "Nous ne pouvons pas résoudre les problèmes avec la même façon de penser que celle avec laquelle nous les avons créés..." Nous vivons dans un monde qui évolue rapidement, et les connaissances d'aujourd'hui peuvent ne plus avoir de sens demain. Récemment, nous avons appris personnellement comment le Covid nous a mis au défi pour trouver d'autres façons d'aborder notre enseignement et notre communication. Les gens semblent souvent vivre de plus en plus dans leur tête, et leur corps est en fait principalement utilisé pour transporter cette tête. Bien que nous puissions aller très loin avec nos mots, nous trébuchons souvent sur le reste de notre corps. La danse est idéale pour garder vivants et dynamiques les liens entre la formation, la culture et l'art. C'est pourquoi il est important de continuer à explorer différentes approches de l'enseignement de la danse en tant qu'éducation artistique des jeunes. Transformer un problème en défi reste pour moi une raison de bouger. C'est certainement un grand défi et parfois même effrayant, mais cela nous permet aussi d'évoluer en tant que professeurs de danse et surtout en tant que personnes. Comment voyez-vous votre rôle en tant que professeure de danse ? Que souhaitez-vous transmettre ? Un aspect important de mon rôle de professeure de danse est de créer des opportunités pour les jeunes de développer leur propre personnalité et de prendre conscience des qualités qu'ils ont souvent déjà sans s'en rendre compte. Je leur offre la possibilité de se développer en tant que danseurs, chorégraphes, spectateurs et critiques dans le sens le plus large du terme. J'insiste également sur l'importance d'un processus d'apprentissage créatif, considéré à partir de différents contextes et compréhensions. "Faites ce que vous voulez" n'est pas une option pour moi. Parfois, je pars d'un cadre très structuré que les jeunes reprennent lentement, parfois nous partons d'abord à la découverte et finissons par une danse que nous avons créée ensemble. Je prépare toujours très bien mes cours, mais c'est surtout pour moi, pour m'assurer que mon matériel pédagogique est bien pensé et que je sais ce que je veux donner aux élèves ou ce que je veux qu'ils sachent ou puissent faire à la fin du cours. Mais... Lorsque le cours commence, je me concentre sur les élèves et il se peut que j'atteigne mon objectif d'une manière différente de celle que j'avais prévue au départ. En écoutant attentivement les élèves, nous découvrons parfois des chemins de traverse inattendus qui peuvent rendre un cours tellement beau et spécial. Mais cela ne veut pas dire que mes cours sont par définition des va-et-vient. C'est justement parce que je me suis bien préparée que je parviens finalement à revenir sur la route principale qui mène au but, mais... avec de belles escapades que je n'aurais peut-être pas vécues sans les idées des jeunes ! En ce sens, je suis plutôt un intermédiaire, ou facilitateur. Comment voyez-vous la relation entre les apprenants et les enseignants ? L'idéal est que tous les participants soient impliqués de la même manière dans un processus d'apprentissage et de partage mutuels. Un enseignant peut faciliter un processus d'apprentissage (créatif) en posant des questions et en recevant des suggestions, mais il ne donne pas nécessairement un plan clair étape par étape. Il veut que les élèves acquièrent de nouvelles connaissances plutôt que de leur dire ce qu'ils devraient savoir selon vous. Cela nécessite un intérêt réel pour les élèves, avec une curiosité intrinsèque pour leur environnement. Une communication qui laisse de la place à leur perception du monde, à leur contribution et à leur opinion. Une excellente occasion d'apprendre d'eux aussi ! Maria, vous disposez d'une expérience incroyable, vous enseignez depuis de nombreuses années dans différentes académies de danse, institutions et animez des ateliers. Ce savoir, issu de votre longue expérience pédagogique et artistique, vous le mettez gratuitement à disposition sur votre site web comme source d'inspiration. Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur Dance Spetters ? Toutes mes réponses ci-dessus reflètent la vision que je poursuis également chez Dance Spetters. Je plaide pour que le mouvement soit une motivation ! Donnez aux gens une motivation pour explorer et il se passera de belles choses. Encourager sa propre créativité, mais aussi explorer et apprendre ensemble de la manière la plus variée possible, voilà ce qui est important pour moi. La créativité dans l'éducation n'est pas une option, mais une nécessité que nous devons encourager en tant qu'enseignants. Au fil des années, j'ai constaté que les danses de Dance Spetters plaisaient à la fois à de nombreux enfants et à leurs enseignants. L'espièglerie et le divertissement étaient contagieux et rendaient le processus d'apprentissage haut en couleur et stimulant. Les problèmes sont devenus des opportunités, les résoudre une aventure. J'ai ressenti le besoin de contribuer à un échange global et de donner aux jeunes la possibilité d'apprendre et de se connecter par, avec et dans la danse. Les danses présentées dans Dance Spetters sont des thèmes de la vie quotidienne, accompagnés de nombreuses suggestions, avec l'intention d'inspirer les utilisateurs avec de nombreuses idées différentes d'activités de danse. Chaque danse a un arrière-plan et un thème qui correspond au monde vécu par les enfants et les adolescents de 4 à 18 ans et dans lequel l'élément ludique et l'improvisation jouent un rôle essentiel. Pendant plus de trois décennies, les enfants du monde entier ont pris plaisir à explorer les différentes idées de danse. C'est la principale raison pour laquelle nous avons récemment pris la décision de publier la musique sur différents services de streaming et de mettre en ligne gratuitement les descriptions des danses. Pour plus d'informations www.dansspetters.nl Référence source: TVS / Dance Spetters - Maria Speth 06/2023 Fotocredit: Daphne Dumoulin Share
Dimensions sociales dans la danse Psychologie La culture du feedback dans les arts scéniques Comment un feedback honnête et constructif adressé aux supérieurs peut-il contribuer à une culture de respect et d'appréciation dans les arts du spectacle ? Dans son travail de MAS, Adrian Hochstrasser se penche sur la signification, l'utilisation et l'acceptation du feedback ascendant auprès des dirigeants et des professionnels du spectacle. Adrian Hochstrasser est danseur, interprète musical, chorégraphe, metteur en scène et enseigne le tango argentin. Après avoir suivi une formation de professeur d'éducation physique à l'EPFZ (Master of Science), il a étudié la danse à la Zürcher Tanz Theater Schule, puis a obtenu un MAS en Dance Science à l'université de Berne et un Executive Master in Arts Administration à l'université de Zurich. L'idée de ce travail de fin d'études est née dans le contexte d'une enquête interne à SzeneSchweiz - l'association suisse des artistes de la scène - sur l'abus de pouvoir et le harcèlement sexuel dans les arts de la scène, que l'association a publiée en novembre 2020 dans son magazine "Ensemble" destiné à ses membres. La communication entre les dirigeants et les artistes, tant dans les institutions culturelles que dans les milieux indépendants, se trouve à un moment délicat. Dans les organisations où la distance au pouvoir est grande et où les collaborateurs se soumettent au jugement du dirigeant, le pouvoir et l'information sont fortement centralisés et sont détenus par un petit nombre de personnes définies par la hiérarchie. Les procédures descendantes sont donc souvent utilisées dans ces configurations de pouvoir. Un changement vers une attitude de respect mutuel entre les cadres et les artistes du spectacle n'est possible que si une culture honnête de feedback est mise en place. Lire le résumé en allemand Feedbackkultur in den darstellenden Künsten Plus d’infos sur Adrian Hochstrasser Référence source: MAS Thesis Adrian Hochstrasser, Universität Zürich (2020) Share
Histoire de la danse & diversité Culture Un jeu interactif pour détectives culturels Qui est "Rudolf" ? Pourquoi se présente-t-il à la police ? Quel est le rapport avec la danse ? Une affaire épineuse. La police est débordée. D'une manière ou d'une autre, les énigmes semblent être liées au mouvement et à la danse, car "Rudolf" parle sans cesse de l'oubli de l'héritage de la danse. Dans cinq endroits de la ville de Winterthur, "Rudolf" a caché une partie du mot de passe nécessaire pour désamorcer la bombe. Celle-ci menace de pétrifier les gens. "MISSION RUDOLF" est une nouvelle forme de jeu avec des énigmes de danse difficiles, l'exploration de différents lieux culturels, des connaissances sur l'art et la danse et une histoire pleine d'aventures. Une application gratuite permet de jouer dans et autour de la vieille ville de Winterthur. Le parcours est adapté aux enfants à partir de 8 ans environ accompagnés, aux adolescents et aux adultes et dure environ 2½ à 3 heures. "MISSION RUDOLF" a été conçue par Astrid Künzler et réalisée en collaboration avec le développeur Lorenz Elmiger (et une équipe polyvalente issue des domaines artistiques les plus divers). Astrid, vous êtes très active dans le domaine de la danse, notamment en tant que danseuse, chorégraphe et organisatrice du Festival de danse de Winterthur. Comment avez-vous eu l'idée de développer une "application danse/culture" / "MISSION RUDOLF" ? Dans le cadre de mon master "Performing Arts" à l'université de Berne, j'avais écrit un travail sur la médiation de l'art et un autre sur l'hybridité et l'intermédialité. Tout cela m'a sensibilisée. Comme mon fils aime beaucoup jouer à l'ordinateur, j'ai essayé de comprendre ce qui le motivait. Le facteur décisif a été un jeu d'énigmes en ligne « passage secret 188 » pendant la pandémie de Corona, qui m'a inspirée pour développer une toute nouvelle forme de jeu, centrée de A à Z sur la danse. Quels sont les défis que vous avez rencontrés ? Comme il s'agit d'une toute nouvelle façon de transmettre la culture de la danse, nous avons dû faire face à de nombreux défis. Cela a commencé par la recherche de fonds, car il n'y avait pas encore de modèles, mais seulement des projets similaires. Nous nous sommes demandés quels contenus de la culture de la danse nous pouvions intégrer dans des énigmes et quels contenus nous pouvions transmettre par le biais du récit et des différents lieux. Autre grand défi : comment construire les énigmes pour que les joueurs soient réellement obligés de se déplacer et que cela soit aussi vérifiable. En effet, les appareils numériques ne disposent que de signes, c'est-à-dire de lettres et de chiffres. Mais nous voulions rendre tangible le sentiment qui peut naître de la danse, ce qui signifie que les participants doivent danser sans se sentir gênés. Quelle est la particularité de "MISSION RUDOLF" ? Le lien entre le monde réel et les mondes numériques et dessinés. Et que tout est lié à la danse : du récit et des lieux que les joueurs découvrent, aux illustrations et, bien sûr, aux énigmes qui ne peuvent pas être résolues de manière cognitive, mais qui doivent avant tout être réalisées physiquement. En outre, les archives numériques de Rudolf permettent de découvrir une grande partie de l'histoire de la danse. Qu'est-ce qui vous fascine dans le lien entre la danse et la culture numérique ? En m'intéressant à la médiation, et plus particulièrement à la médiation de la danse, j'ai remarqué que nous faisons la même chose depuis plus de 20 ans. Seulement, en tant que société, nous sommes entrés dans le numérique. Ce qui me fascine c’est de trouver des moyens de transmettre la danse dans sa diversité et en tant que forme d'art dans une société numérique, car pour moi, la danse a beaucoup à voir avec la communication. Que va-t-il se passer ensuite ? Que souhaitez-vous pour l'avenir ? Nous allons adapter Mission Rudolf pour Zoug en 2024, ce qui est une belle étape de développement. Et c'est aussi mon souhait pour l'avenir : que nous puissions adapter Mission Rudolf à différentes villes, afin de rendre accessibles les spécificités régionales en matière d'histoire et de culture de la danse. Plus d'informations www.mission-rudolf.ch "MISSION RUDOLF" à télécharger gratuitement sur l'App Store Apple ou Google Play Référence source: TVS / Verein Kulturvehikel 06/2023 Fotocredit: Marko Mijatovic - grundstudio.ch Share
Dimensions sociales dans la danse DancePodGuest Chorégraphie, passion et identité professionnelle en danse Comment l'appréciation et la reconnaissance influencent-elles le monde de la danse ? Natalie Wagner est chorégraphe, pédagogue de la danse et mentor à l'échelle internationale depuis de nombreuses années. Elle a créé et dirigé de nombreuses productions aussi bien de courte que de longue durée. Depuis la saison 2022/23, elle est directrice artistique et chorégraphe en chef de la compagnie de danse des Landesbühnen Sachsen. Dans ce podcast, elle explique comment elle est venue à la danse, ce qui l'a inspirée et marquée dans son travail artistique et pédagogique et pourquoi un environnement de travail sain, la responsabilité personnelle et l'estime lui tiennent tant à cœur. Elle nous parle également du projet de santé pour les danseurs au théâtre et de son étude sur l'identité professionnelle en danse, qu'elle a réalisée dans le cadre d'une bourse de deux ans pour étudiants diplômés et étudiants en maîtrise à Dresde. Vers le podcast DancePodGuest - Natalie Wagner (DE) Plus d'infos www.nataliewagner.ch Fotos: Julius Zimmermann / Tankompagnie Landesbühnen Sachsen Sonia Bartuccelli / Head shot Référence source: TVS / Natalie Wagner 06/2023 Share
Évolution du style & esthétique Culture Ursus & Nadeschkin : Nadja Sieger en dialogue autour de la scène, de la danse et de l’humour Comment conserver le plaisir de l'art e du mouvement tout en menant une vie très mouvementée ? Dans cette discussion, Nadja Sieger, alias Nadeschkin, partage sa passion pour le lindy hot, les défis de la création et sa convinction que l'imperfection peu faire évoluer - un coup d'oeil sur une vie inspirante qui ne s'arrête jamais. Avec Urs Wehrli, elle parcourt les routes du monde entier sous le nom de "Ursus & Nadeschkin" depuis 1987. Que ce soit au théâtre, dans les salles de concert, à la télévision ou au cirque, ce duo créatif sait toujours enthousiasmer et entraîner son public. Quel rôle la danse et le mouvement jouent-ils dans ta vie ? Je suis en mouvement depuis toujours. La prédiction selon laquelle je deviendrais plus calme avec l'âge ne s'est pas vérifiée. Soit, je suis encore trop jeune pour cela à plus de cinquante ans, soit je n'apprendrai jamais à rester assise. Te souviens-tu de ta première rencontre avec la danse ? Ma mère m'a raconté qu'à l'âge de deux ans, je me suis échappée pendant un spectacle de maternelle. J'ai grimpé tout droit sur la scène, j'ai fait des culbutes avec mes grosses moonboots aux pieds et j'ai ainsi saboté le spectacle de danse de ma sœur aînée. Vous ouvrez votre programme " Der Tanz der Zuckerpflaumenfähre " avec un pas de deux inspiré de Casse-Noisette. Est-ce que vous faites vous-même vos chorégraphies ? Et comment peut-on se l'imaginer ? Pour notre dernière création, nous voulions aller plus loin dans le mouvement. Contrairement à toutes les productions précédentes, nous avons engagé au préalable des professionnels de la danse et des chorégraphes dans l'équipe de production. Nous nous sommes entraînés au hip-hop avec Giovi Minasi, un danseur professionnel de Zurich, avons copié une chorégraphie de Bollywood avec Lisa Perissinotto, une danseuse multitalents de Berne, et avons appris nos premiers pas de ballet sous la direction rigoureuse de Laura Altwood, une ancienne prima ballerina professionnelle de longue date. C'était une fuite en avant, du moins en ce qui concerne le ballet à notre âge. J'étais responsable de la danse Shag. J'y combinais des séquences de pas et des figures que j'avais apprises chez Markus & Bärbel de Munich, en les adaptant à la musique. Le shag est une danse de couple swing des années 30 et 40. D'où viennent les idées pour un nouveau programme ? Il n'y a pas de recette universelle. Mais il y a quelques ingrédients : Avec suffisamment de temps, un esprit libre, une saine distance par rapport aux événements quotidiens et un regard aimant sur l'ici et le maintenant, je peux bien développer des idées. Mais on raconte aussi que c'est surtout sous pression que les esprits créatifs deviennent vraiment productifs. Les deux sont vrais, mais je crois que la vraie nouveauté ne frappe à la porte que chez ceux qui ont suffisamment de temps à la maison pour la laisser entrer. Comment gères-tu les situations de frustration ? En changeant de décor : en prenant l'air, en courant, tout ce qui crée une distance par rapport à la frustration, afin que celle-ci ne puisse plus me voler mes forces. Dans un deuxième temps, je m'assieds et je fais le tri dans ce qui s'est passé en le notant, car la meilleure préparation est un bon suivi. Tu es également une danseuse de lindy hop passionnée. Comment en es-tu arrivé là et qu'est-ce qui te fascine dans ce style de danse ? J'avais une trentaine d'années et je prenais des cours de hip-hop et de street dance avec des participants généralement beaucoup plus jeunes. J'aimais ce style de danse, mais je trouvais toujours stupide de devoir se regarder dans un miroir. De plus, on était toujours seul avec ses pas. C'est à cette époque que des amis m'ont parlé du lindy-hop et du renouveau mondial de cette ancienne danse de couple. Je me suis retrouvée dans un cours accéléré et j'ai dansé toute la nuit lors de la fête qui a suivi, jusqu'au petit-déjeuner commun. Ce fut le début d'une nouvelle passion qui dure encore aujourd'hui. Dans le lindyhop, on a - même dans le rôle de suiveur - beaucoup de liberté. On peut apporter sa musicalité et participer ainsi à la direction. Je ne connaissais pas cela dans les autres danses de couple. En outre, j'aime l'environnement social, le fait que l'on boive beaucoup plus d'eau que d'alcool, et que l'on trouve dans cette scène une incroyable diversité de personnes sur la piste de danse. Il y a des jeunes et des vieux, des gros et des maigres, et tout ce qui est possible entre les deux. Et s'il n'y a pas assez de leaders, les rôles sont inversés : les femmes en surnombre dansent avec les femmes, ou inversement, les hommes avec les hommes. Quel style de danse n'as-tu encore jamais dansé, mais que tu aimerais essayer ? L'irlandais ou l'écossais ? Sur votre site Internet, on peut lire qu'Urs Wehrli et toi vous vous êtes formés vous-même, mais aussi que vous vous êtes formés mutuellement. Peux-tu nous en dire un peu plus à ce sujet ? Et quels conseils donnerais-tu aux autodidactes ? Lorsque nous nous apprenions mutuellement à danser, à jongler et à faire du monocycle, il n'y avait pas de cours pour cela. Quand on était adolescent, on voyait quelque chose à la télévision, on était fasciné et on essayait de le reproduire. On n'avait pas d'autre choix à la fin des années quatre-vingt et au début des années quatre-vingt-dix. Le seul choix que nous avions était d'essayer ou de ne pas essayer. Nous n'avions pas d'Internet où regarder des tutoriels, juste nos propres vidéos musicales de Michael Jackson, Madness et compagnie, enregistrées de manière poussive et dont il manquait généralement le début parce que nous avions appuyé trop tard sur la touche "Rec". Et comme le Web n'avait pas encore été inventé, on ne connaissait pas non plus ses concurrents. C'est peut-être pour cela qu'on avait un peu moins peur ? Aujourd'hui, on est plus imprudent avec ses propres idées et on les rend plus rapidement publiques. On se confronte ainsi souvent trop tôt à des opinions anonymes. En ligne, il n'y a que le pouce : on te félicite ou on te freine. Or, ce qui génère des clics en deux dimensions ne fonctionne pas forcément en direct - et inversement ! En outre, ce qui a du succès est immédiatement oublié si on ne peut pas en faire plus. Je me félicite de notre calme d'antan. On laissait grandir ce qui n'était pas fini. On n'était pas parfait, mais toujours sur la bonne voie. Un chemin que je recommande d'ailleurs encore aujourd'hui. Car hier comme aujourd'hui, c'est en forgeant qu'on devient forgeron ou forgeronne. Et - Corona l'a prouvé : Les réunions où une seule personne parle et où tous les autres écoutent fonctionnent parfaitement en ligne. Pour les discussions, c'est déjà plus difficile, car les retards entre la parole et la réponse nuisent au timing lors de la transmission. Et les répétitions de théâtre ou de danse ne fonctionnent en ligne qu'en cas de nécessité, mais en réalité pas du tout - car dans l'art, une chose est avant tout importante : le bon timing ! Qu'est-ce qui, pour toi, fait absolument partie d'une formation artistique ? La curiosité, l'autocritique, la persévérance et l'humour. Le vieillissement t'inquiète-t-il ? Quand je dois expliquer pourquoi je ne teins pas mes cheveux gris, quand les femmes de mon âge n'ont plus de rides ou des lèvres de vingt ans, l'âge me préoccupe. Qu'est-ce qui te touche dans ton travail et dans la vie ? J'ai la chance, même après 36 ans de théâtre, de découvrir encore et toujours de nouvelles choses. La semaine dernière encore, j'ai vu une éblouissante danseuse gréco-suisse qui, à elle seule, a mis en scène un thème incroyablement difficile avec légèreté, poésie, une incroyable féminité, de l'humour, de l'insolence, et tout cela de manière très érotique. Ceux qui pensent qu'il n'y a plus rien à découvrir ont arrêté de regarder. Tu mènes par ailleurs une vie très mouvementée. Tu es souvent en tournée, tu voyages beaucoup et tu as vécu dans les endroits les plus divers pendant une longue période (par ex. en Australie, à New York, à Berlin). Quelles expériences de voyage t'ont marqué et de quoi te réjouis-tu à chaque fois que tu rentres chez toi ? Travailler et vivre en dehors de la zone de confort donne de la flexibilité. Dans d'autres mondes, il y a de nouveaux problèmes et de nouvelles solutions. Il faut toujours repenser les choses, car ce qui est valable et fonctionne chez nous ne l'est pas forcément ailleurs. En voyage, la mobilité est donc une priorité. Et quand on rentre chez soi, on se réjouit justement de ce qui est différent : Ce qui est habituel, toujours pareil, sûr. Quels sont tes souhaits professionnels pour l'avenir ? Que je reste en bonne santé, mobile, et que je ne me lasse pas de faire des détours. En savoir plus www.nadjasieger.com www.ursusnadeschkin.ch Référence source: TVS / Nadja Sieger 06/2023 Share
Histoire de la danse & diversité Culture Voix de danse, Voies dansées – Un documentaire de la danse en Suisse Comment conserver les moments éphémères de la danse pour la postérité ? La fondation SAPA a réalisé un portrait cinématographique émouvant qui documente les histoires de vie de dix figures marquantes de la danse en Suisse afin de faire découvrir de façon unique la diversité culturelle et l'histoire de la danse. Sur la base d’interviews vidéos, les Archives suisses des arts de la scène - Fondation SAPA - ont tissé les histoires de vie de dix professionnels de la danse établis en Suisse pour en faire un portrait cinématographique émouvant d'une heure. Ces danseurs, chorégraphes et pédagogues ayant déjà atteint un certain âge ont vécu la période historiquement importante des années 1960 à 1980 et ont marqué de leur empreinte la scène suisse de la danse. Ils parlent de leurs réseaux, des possibilités de formation et de représentation ainsi que de leurs conditions de vie en tant que professionnels de la danse à cette époque-là. Les portraits illustrent et donnent vie à la richesse des différentes carrières et trajectoires dans le domaine de la danse et font apparaître des liens à travers des points de contact souvent inattendus. La danse est une forme d'art éphémère, la documenter représente un défi. En Suisse en particulier, les sources sont lacunaires et l'histoire de la danse est par conséquent parsemée de lacunes. L'enregistrement vidéo des interviews par la Fondation SAPA permet également de créer une base pour une analyse scientifique. Les personnes interviewées sont : Monique Bosshard (1941), Jean Deroc (1925-2015), Marianne Forster (1943-2014), Peter Heubi (1943), Ulla Kasics (1926), Noemi Lapzeson (1940-2018), Fritz Lüdin (1941), Fumi Matsuda (1943), Annemarie Parekh (1941) et Evelyn Rigotti (1938). Le projet pilote a été récompensé en 2012 par l'Office fédéral de la culture OFC et a pu être réalisé grâce au soutien financier de l'OFC, de la Loterie Romande et de la Fondation Stanley Thomas Johnson. Lien vers le documentaire Voix de danse, Voies dansées (1h) plus d’infos sur le projet Oral History de la Fondation SAPA Référence source: TVS / Stiftung SAPA 06/2023 Share*
Dimensions sociales dans la danse Social Motherhood in the World of Ballet Que se passe-t-il lorsque le chemin d'une danseuse de haut niveau croise celui de la maternité ? Ce court documentaire de trente minutes, réalisé par Clara Arasanz, accompagne cinq des plus grandes danseuses de ballet du monde et donne un aperçu de leur vie de mère danseuse. Dans des interviews personnelles, Polina Semionova (Staatsballett Berlin), Mathilde Froustey (San Francisco Ballet), Anna Ol (Dutch National Ballet), Léonore Baulac (Opéra de Paris) et Iana Salenko (Royal Ballet London) racontent leur grossesse, leur accouchement et leur retour sur scène à travers le regard d'une danseuse moderne. Documentaire “Motherhood in the World of Ballet” en anglais Référence source: TVS / www.dance-masterclass.com 05/2023 Share
Inclusion & accessibilité DancePodGuest Danse et racisme Qui peut se permettre de rêver d'une vie de danseuse ou de danseur ? Qui a accès à la danse et que faut-il pour changer durablement des structures, des images et des récits dépassés ? Dans ce podcast, les deux danseuses, chorégraphes et activistes Anna Chiedza Spörri et Baba Altenburger se penchent sur ces questions et sur d'autres questions essentielles liées au thème du racisme. Elles parlent de leur expérience du racisme, du lien entre la danse et la musique, de ce qui les a marquées et inspirées dans leur travail artistique et racontent leur séjour à la célèbre école de danse "École des Sables" au Sénégal. Anna Chiedza Spörri est danseuse, elle chorégraphie pour différents artistes et crée ses propres projets. Elle a étudié l'anthropologie sociale, est cofondatrice du Café Révolution et de la plateforme de danse Limelight. Elle est actuellement en tournée avec sa première production "Perspectives". Baba Altenburger est également danseuse, chorégraphe, activiste et enseignante en école enfantine. Diplômée en anthropologie sociale, en études théâtrales et en études de genre, elle accompagne et conseille différentes institutions et théâtres qui souhaitent rendre leur lieu de représentation à la fois plus critique vis-à-vis des discriminations et plus inclusif. Podcast en allemand DancePodGuest - Tanz und Rassismus Baba Altenburger babadance Plus d’infos www.annachiedza.com Café Révolution - Safer Space www.caferevolution.ch Référence source: TVS / Baba Altenburger & Anna Chiedza 04/2023 Share
Histoire de la danse & diversité DancePodGuest Danse chinoise, engagement social et amour de la danse Comment associer diversité culturelle, responsabilité sociale et danse ? Dans ce podcast, Julie Kerner partage sa fascination pour la danse orientale et chinoise, les effets positifs de la danse du ventre pendant la grossesse et son engagement pour les droits des enfants et des femmes à travers l'inspirant projet « Dances for the Children ». Julie Kerner explique comment elle a découvert la danse orientale et chinoise, ce qui la fascine, les effets positifs de la danse du ventre pendant la grossesse et l'importance d'étudier en profondeur la culture qui se cache derrière les danses. Elle est très engagée dans le domaine social et a créé le projet "Dances for the Children", dans le but de soutenir l'association "Chance Swiss", qui s'engage pour les droits des enfants et des femmes. Pour cela, elle organise tous les deux ans un grand gala de charité de danse avec des artistes de toutes les disciplines. Accéder au podcast DancePodGuest - Julie Kerner Plus d'informations www.julie.ch Engagement social www.chanceswiss.ch Référence source: TVS / Julie Kerner 03/2023 Share
Processus cognitifs Dance Science Attention et focalisation en danse - Suggestions de lecture et interview de Clare Guss-West Clare Guss-West, ancienne danseuse professionnelle et praticienne en santé holistique, combine dans son travail les connaissances scientifiques et le bien-être holistique pour faire de la danse une méthode de santé créative. Comment le fait de se concentrer sur le corps, l'esprit et l'attention peut-il non seulement améliorer les performances physiques, mais aussi élever l'expression artistique des danseuses et danseurs à un niveau supérieur ? Elle collabore avec des compagnies telles que le Royal Ballet, le Finnish National Ballet, le Mark Morris Dance Group NY et le Bern Ballett. Elle enseigne dans le cadre du MAS Dance Science de l'Université de Berne et du diplôme "Dance, Health & Aging" de l'Université de la Côte d'Azur, France. Tu es danseuse professionnelle, chorégraphe, scientifique en danse et praticienne de santé holistique. Comment es-tu arrivée à la danse et quel rôle la danse joue-t-elle dans ta vie ? J'ai commencé à danser à l'âge de 4 ans, on ne peut donc pas dire que j'ai moi-même choisi consciemment de danser. Je suis passée de danseuse amateure à danseuse professionnelle, chorégraphe, danseuse blessée puis rétablie, metteure en scène, pédagogue de la danse, formatrice de professeurs de danse et militante de la Dance for Health. Cela représente près de 60 ans de danse ! La danse est ma vie - mon chemin de vie, presque un chemin spirituel - une médiation physique qui m'offre chaque jour un ancrage physique et mental, et c'est l'endroit où je me sens chez moi, où que je me situe dans le monde. Tu accordes de l'importance aussi bien à une approche holistique qu'au lien entre la danse et les connaissances scientifiques. Comment cela s'est-il développé ? Je me suis retirée de la danse professionnelle en raison de blessures dues à mon approche inutilement épuisante de l'entraînement et aux exigences de la danse professionnelle. J'ai suivi une formation de reconversion en tant que praticienne de santé holistique, d'abord pour soutenir mon propre rétablissement et mon bien-être, puis pour soutenir le bien-être des autres. Cette période a été très formatrice, mais ensuite, après plus d'une décennie dans le domaine de la santé, j'ai réalisé que j'étais loin de « chez moi ». J'ai décidé d'intégrer mon expérience et mes connaissances en matière de santé holistique dans la danse afin d'améliorer la formation des danseurs et danseuses professionnels et de valider la danse elle-même en tant que pratique de santé innovante dans le domaine en pleine expansion de la danse au service de la santé. Ces dernières années, tu as beaucoup travaillé sur le thème de l'attention et de la focalisation en danse. Qu'est-ce qui te fascine particulièrement dans ce thème ? Lorsque je suis revenue à la danse, j'ai été surprise de constater que mes performances physiques étaient bien meilleures qu'à 20 ans, malgré 15 ans passés loin de la salle de ballet. Je dansais plus fort, plus vite, plus facilement. Comment cela a-t-il été possible ? En me plongeant dans la pratique holistique de la santé et dans la pratique somatique du qi gong, j'avais changé d'orientation. Dans la pratique orientale du mouvement – qi gong, t'ai chi, kungfu - un mouvement réussi repose sur trois points forts : focalisation sur l'alignement corporel - focalisation sur l'attention et l'intention - focalisation sur la respiration et l'énergie. Ces trois axes sont entraînés simultanément afin d'obtenir des résultats de mouvement optimaux. La seule différence consistait à prendre conscience de l'endroit où je dirigeais mon attention et de la manière dont je plaçais ma respiration - ce qui est fou quand je pense à l'effort incroyable de mes premières années d'entraînement. Je me suis demandée si ces compétences étaient transférables et j'ai commencé à suivre des cours expérimentaux et à faire des recherches à Paris pour voir comment je pouvais transmettre ces compétences à d'autres danseurs. Pourquoi l'attention et la concentration sont-elles importantes en danse ? Dans l'enseignement traditionnel de la danse occidentale, nous nous concentrons presque exclusivement sur le premier point fondamental - l'alignement physique ou l'apparence d'un mouvement vu de l'extérieur - et nous ne prêtons guère attention aux deux autres domaines. Cela signifie que de nombreux danseurs travaillent avec une force, une énergie et une vitesse non optimales. Un entraînement mental attentif visant à développer les capacités de focalisation de l'attention est essentiel pour réussir des performances maximales et constantes. Vingt-cinq ans de recherche en sciences du sport prouvent les parallèles avec l'approche orientale du mouvement dans l'entraînement. L'application systématique de l'entraînement de l'attention et de la focalisation en danse permet d'obtenir de meilleures performances physiques, de prévenir les efforts inutiles, la fatigue et les blessures, et d'améliorer les capacités artistiques et les possibilités d'expression. Qu'entend-on exactement par "External Focus of Attention" (EFA), ou en français focalisation attentionnelle externe (FAE) ? Une focalisation attentionnelle externe est décrite comme une "concentration sur l'effet du mouvement" et est utilisée comme stratégie naturelle dans la pratique du mouvement oriental. Il s'agit d'une approche pour le Queuing de mouvements ou le Self-Queuing, qui éloigne de manière ciblée la focalisation des danseurs du contrôle personnel et conscient de certaines parties du corps. Cette focalisation dite "externe" permet au corps et à l’esprit de recourir à des processus réflexifs et automatiques de contrôle du mouvement et de libérer des réserves cognitives, ce qui conduit immédiatement à des résultats de mouvement plus efficaces et plus performants. L'aspect fantastique de l'approche FAE est qu'il s'agit véritablement d'une "stratégie unique" pour l'apprentissage des compétences de mouvement pour les danseurs de tous âges et de tous niveaux. L'utilisation des instructions FAE peut également soutenir la performance des danseurs souffrant de troubles cognitifs légers et des danseurs adultes plus âgés, pour lesquels l'attention, la concentration et la cognition représentent un plus grand défi en raison du processus naturel de vieillissement. En tant que professeur, nous devons être conscients que l'attention peut être entraînée comme un "muscle" - l'attention est un processus qui peut être développé parallèlement aux capacités physiques et techniques du mouvement. Comment ton regard sur la danse a-t-il évolué au fil des années ? Qu'as-tu appris ? Que la danse n'est pas une question de corps - nous dansons dans un continuum où nous façonnons l'énergie, la lumière et la musique qui circulent dans et autour du corps en une sculpture éphémère qui est la danse ; S'adapter à un corps qui change jour après jour, année après année, comme l'océan - chaque jour une couleur différente, une profondeur différente, un rythme différent, un défi différent - et me demander comment je vais danser avec ce corps aujourd'hui ? Et de partager sans mesure ma joie de danser et de faire de la musique ! Que souhaites-tu transmettre aux professeurs de danse ? La décision d'intégrer les avantages incroyables de l'approche FAE dans leur propre enseignement est un voyage, un processus, comme l'apprentissage d'une nouvelle langue. Mais les résultats sont immédiatement perceptibles chez les élèves. C'est encourageant et cela motive à continuer et à explorer. Il suffit de commencer par prendre conscience de ses choix habituels en matière d'attention - comment dirige-t-on l'attention de ses élèves ? Sur l'attitude consciente et le contrôle des parties du corps ? Ou sur les aspects souhaités du mouvement ? Pourquoi et quand le faites-vous ? Si nous n'avons jamais décidé consciemment d'utiliser une certaine "stratégie de contrôle du moteur attentionnel", il est probable que nous répétions simplement ce que nous avons entendu et que nous enseignions comme on nous l'a appris, parce que c'est ce qui nous semble le plus familier et le plus "normal". La conscience représente plus de 50% du voyage - soyez patient avec vous-même et profitez d'expérimenter et d'enrichir votre pratique d'enseignement. Que souhaites-tu transmettre aux danseurs et danseuses ainsi qu'aux élèves ? Avoir confiance dans le fait que 'moins c'est plus'. Travailler intelligemment et de manière efficace. Connaître les mouvements de ses propres pensées. Elles seules ont le pouvoir de vous élever jusqu'à votre plein potentiel ou de saper et de diminuer votre force, votre énergie, votre concentration et votre confiance en vous. Découvrir que votre esprit est votre muscle le plus fort. Suggestions de lecture Guss-West, Clare (2021), Attention and Focus in Dance - Enhancing Power, Precision and Artistry. Champagne, IL. : Human Kinetics Books. Attention and Focus in Dance - Enhancing Power, Precision and Artistry est un manuel pratique basé sur les découvertes de la chercheuse en attention Gabriele Wulf. Il a pour but d'aider les danseurs et les professeurs de danse à exploiter leurs réserves de force et d'endurance, à permettre un mouvement efficace, à aiguiser la perception sensorielle et à libérer leur potentiel de danse. Il s'agit d'une approche systématique et scientifique destinée au travail mental dans la danse.Guss-West, Clare/Leventhal, David (2023) Attentional Focus Strategies for Dance Educators. Champagne, IL. : Human Kinetics Books. Attentional Focus Strategies for Dance Educators est un livre rempli d'exercices interactifs d'exploration et de réflexion, de podcasts et de vidéos pour développer des stratégies d'enseignement en FAE dans la pratique, applicable à toutes les populations de danseurs. Il a été rédigé en collaboration avec David Leventhal du Mark Morris Dance Group, NY, et peut être reconnu comme formation professionnelle continue à hauteur de 12 heures en cas de participation active. En savoir plus www.attentionfocusindance.com Photo : Eeva Suorlahti Danseuses : Clare Guss-West avec les danseuses du Finnish National Ballet : Kailey Kaba, Emmi Pennanen, Terhi Talo, Ben Kuefler, et la cheffe physiothérapeute Johanna Osmala. Référence source: TVS / Clare Guss-West 03/2023 Share
Danse communautaire Social TDC - Territoires Dansés en Commun Comment l'enseignement de la danse peut-il promouvoir l'éducation culturelle au-delà des frontières nationales et relier les gens entre eux ? De 2018 à 2021, le projet transfrontalier TDC a permis des actions et des projets de danse qui ont non seulement formé des acteurs artistiques, mais aussi offert à 1100 participants de nouvelles possibilités d'expression dans la danse. TDC a permis de développer les actions de danse en milieux scolaire, socio-culturel et médico-éducatif. Il s’est articulé autour de plusieurs activités, notamment la formation et la mise en réseau des acteurs de l’éducation artistique et culturelle (EAC) en danse (artistes, enseignants, éducateurs/animateurs et médiateurs culturels) de part et d’autre de la frontière. En quatre années, TDC a formé 60 acteurs de terrain. Il a touché 1’100 bénéficiaires (enfants, adolescents, adultes) à travers la réalisation de projets d’EAC en danse menés dans 27 structures réparties sur les territoires d’action de TDC. Plusieurs ressources issues des quatre années de ce projet sont accessibles sur le site www.danse-tdc.com le film documentaire TDC (25 min) qui retrace les quatre années de projet les travaux des chercheurs associés à TDC : Gian Desboeufs, collaborateur scientifique à la Haute École Pédagogique Berne-Jura-Neuchâtel (HEP BEJUNE) et Patrick Germain Thomas, sociologue. le Guide TDC qui accompagne pas à pas toute personne désirant élaborer un projet d’EAC en danse dans le cadre d’un partenariat. Le projet a été porté par VIADANSE direction Fattoumi/Lamoureux – Centre chorégraphique national de Bourgogne-Franche-Comté à Belfort et l’AICC – l’Association Interjurassienne des Centres Culturels et ses partenaires d’ÉVIDANSE. À l’issue du projet TDC et après 20 ans de coopération franco-suisse dans le champ chorégraphique, les structures partenaires souhaitent poursuivre leur collaboration. Référence source: TVS / Territoires Dansé en Commun TDC 03/2023 Share
Aspects neurologiques Psychologie Music’s power over your brain Comment la musique influence-t-elle notre cerveau et nos mouvements ? Michael Spitzer explique comment la musique augmente notre bien-être émotionnel, réduit le taux de cortisol et alimente notre cerveau en dopamine, tout en nous incitant à être plus attentifs et à bouger plus librement. La musique - et en particulier le rythme - nous incite à bouger, mais notre capacité à bouger influence aussi la façon dont nous écoutons la musique. Notre système auditif et notre système moteur sont inextricablement liés. Non sans raison, dans la langue sesotho, le verbe pour chanter et danser est le même (ho bina), car on considère que les deux actions se produisent conjointement. L'homme est un animal musical vieux de 4 millions d'années, explique également l'expert en musique Michael Spitzer, les hommes ont fait de la musique et ont appris à la reconnaître depuis que notre espèce a appris à marcher sur deux pieds et à produire un rythme prévisible. La musique est un excellent moyen de conserver des souvenirs et d'exprimer les émotions les plus profonde ainsi que sa propre identité. Toute ceci favorise la santé mentale, et finalement, la musique peut donc devenir une forme de pleine conscience. Michael Spitzer est professeur de musique à l'université de Liverpool. En tant que musicologue, il s'intéresse particulièrement au chevauchement et à la connexion de la musique avec d'autres disciplines, de la philosophie à la psychologie, de la biologie à la religion. Dans ses publications, il s'intéresse à la musique occidentale, du chant à la pop, ainsi qu'à la world music dans une perspective historique globale et profonde, et organise des conférences dans le monde entier sur le thème de la musique et des émotions. Voir l'interview (EN) sur Youtube avec Michael Spitzer Music’s power over your brain Plus d'infos sur la musique et les neurosciences your brain on music Référence source: TVS / Michael Spitzer 02/2023 Share
Promotion de la santé Médecine Guide Danse & Santé Comment les danseuses et danseurs, les pédagogues et les chorégraphes peuvent-ils mieux protéger leur santé physique et mentale tout au long de leur vie ? Le guide « Danse & Santé » du Centre National de la Danse (CND) offre des outils et des pistes de réflexion précieux pour promouvoir une pratique durable de la danse et renforcer la responsabilité collective dans le domaine chorégraphique. Ce guide s'adresse aux danseuses et danseurs qui sont les premiers acteurs de leur santé et de leurs soins personnels, mais aussi aux pédagogues de la danse, aux chorégraphes, aux professionnels de la santé et à tous ceux qui accompagnent les danseurs et danseuses tout au long de leur vie - de la formation pendant l'enfance, en passant par les changements à l'adolescence, jusqu'au développement à l'âge adulte et aux effets du vieillissement. Les écoles de danse, les compagnies, les producteurs et toutes les autres institutions qui emploient et accompagnent des danseuses et danseurs ont une responsabilité cruciale, du fait des conditions de travail qu'ils créent (rythme de travail, conditions matérielles, prévention des risques psychosociaux, etc.), pour garantir une pratique de la danse en toute sécurité. Les danseurs et danseuses ont une connaissance approfondie de leur corps. Ce guide a pour but de les aider à être plus conscients de leurs besoins, de leurs limites, de leurs faiblesses et de leurs forces, des effets de leurs pratiques et parfois de remettre en question ou de corriger certaines idées et approches préconçues. Il offre à tous les protagonistes du domaine chorégraphique des outils, des pistes de réflexion et des conseils pour une pratique de la danse plus saine et durable. L'approche proposée est commune à tous les types de danse : elle n'aborde pas les spécificités de chaque technique ou l'esthétique, mais privilégie plutôt une approche globale et place les danseurs ainsi que la profession dans une position centrale. Le guide Danse & Santé a été rendu possible grâce au travail et à l'engagement de médecins, de physiothérapeutes, de spécialistes AFCMD, de chercheurs, etc. et publié avec le soutien du Ministère français de la Culture. Il est le résultat et le reflet d'une démarche collective qui prend en compte les différents domaines de compétences et les différentes approches, sans négliger les désaccords ou les points de vue divergents. Lien vers le guide danse et santé Référence source: Centre National de la Danse Paris CND 02/2023 Share
Entraînement & apprentissage Médecine Danse & fascias Comment l'intégration consciente du travail sur les fascias peut-elle façonner la danse du futur et entraîner le corps de manière globale ? Lisa Lareida, avec son projet connectivedance, présente un set de cartes innovant qui combine danse et connaissance du corps pour permettre aux danseuses et danseurs d'avoir une nouvelle perspective sur la qualité de leurs mouvements. La recherche et l'intérêt croissants dans ce domaine montrent à quel point les structures fasciales sont importantes pour le corps. Par conséquent, l'entraînement des fascias est de plus en plus important. La danse offre une multitude de possibilités de travail des fascias, rarement rencontrées dans d'autres types d'entraînement. Utiliser cette situation de départ de manière méthodique pour l'enseignement de la danse, le travail chorégraphique ainsi que pour la recherche de mouvements recèle un grand potentiel pour la danse du futur. L'intégration consciente du travail des fascias permet de considérer les qualités du mouvement sous un angle nouveau et de manière parallèle et empirique. Les mouvements de danse gagnent en qualité, le corps est entraîné de manière globale et à long terme. On comprend ainsi l'influence majeure de la danse sur le corps et les bénéfices qu'il en retire, y compris dans le domaine de la prévention. En conséquence, la danse peut être mieux intégrée dans les structures sociales quotidiennes, ce qui contribue également à modifier la perception de cette forme d'art. Le jeu de cartes Dans le jeu de cartes, la connaissance artistique de la danse se combine à un arrière-plan anatomique et scientifique. Le jeu de cartes se compose de 25 cartes réparties en cinq catégories thématiques. Elles contiennent à la fois des connaissances anatomiques générales et spécifiques à la danse, ainsi que des exemples d'application pour l'enseignement. Les exemples d'application sont décrits de manière à pouvoir être utilisés dans différentes disciplines de la danse et servent également à la recherche de mouvements. L'utilisation des cartes permet aux utilisateurs de regarder et d'adapter leurs propres exercices et mouvements à travers le "prisme des fascias". Cela permet de transposer différemment, ou peut-être de manière totalement nouvelle, la qualité des mouvements dans la danse. Pour une mise en œuvre ludique et méthodique, le jeu est structuré en cinq niveaux. Dans chaque niveau, les différentes cartes sont utilisées de manière progressive et sont finalement combinées avec les différentes cartes thématiques. Cette méthodologie stimule une application artistique individuelle et favorise un travail de plus en plus conscient des structures fasciales du corps. Un concept qui peut être utilisé non seulement pour l'entraînement des danseuses et danseurs, mais aussi par des spécialistes du mouvement dans d'autres disciplines. Pour en savoir plus sur connectivedance Voir l‘interview de TAS connectivedance Faszien & Tanz avec Lisa Lareida Commander le jeu de cartes [email protected] Référence source: TVS / connectivedance 01/2023 Share
Régulation émotionnelle DancePodGuest Santé mentale et résilience dans la pédagogie de la danse Comment les danseuses et danseurs peuvent-ils développer leur résilience et créer un climat psychique sain dans les cours de danse ? Michelle Schachtler Dwarika, scientifique de la danse et experte en psychologie de la danse, met en lumière l'importance de la santé mentale dans la danse et explique comment les facteurs de stress peuvent être surmontés ou comment il est possible de créer un environnement d'apprentissage favorable. Dans ce podcast, elle explique comment elle en est venue à la psychologie de la danse, de ce qui la fascine et quel rôle joue la santé mentale dans la danse. Elle aborde également différentes questions de psychologie de la danse - qu'est-ce que la résilience et comment peut-on la promouvoir et la développer ? Quels sont les facteurs de stress auxquels les danseurs et danseuses sont particulièrement exposés et quelles sont les stratégies d'adaptation dont ils disposent ? Et que faut-il pour créer un climat d'enseignement qui renforce et fasse progresser les élèves, les danseurs non seulement sur le plan physique, mais aussi psychique et mental ? Accéder au podcast en allemand DancePodGuest - Michelle Schachtler Dwarika Pour plus de ressources sur le sujet de Resilence and Ethics in Dance Education Référence source: TVS / Michelle Schachtler Dwarika 01/2023 Share
Dimensions sociales dans la danse Social Syncopated Ladies - Tap World Comment la danse et l'activisme peuvent-ils se combiner pour provoquer des changements sociaux ? Les Syncopated Ladies, une compagnie de claquettes primée de Los Angeles, utilisent leur art non seulement pour enthousiasmer le public, mais aussi pour lutter pour l'égalité des chances, l'accès à l'éducation à la danse ou encore contre le racisme systématique. Les vidéos virales des Syncopated Ladies ont déjà été visionnées plus de 100 millions de fois. Elles ont collaboré avec la méga star Beyonce, ont participé à l'émission "So You Think You Can Dance" où elles ont remporté le premier Dance Crew Battles et ont été honorées par la Chambre des représentants américaine en tant qu'ambassadrices des arts. Mais pour les sœurs, la danse n'est pas seulement un divertissement, c'est aussi une forme d'activisme. Avec la Chloé & Maud Foundation, elles militent pour l'égalité des chances et l'accès à une éducation de qualité dans le domaine de la danse pour les enfants afro-américains, cherchent à donner du pouvoir aux danseuses et sont très engagées dans la lutte contre le racisme systématique dans la danse. En 2015, le duo de chorégraphes et de productrices a également produit le documentaire primé TAP WORLD. Les danseuses et danseurs de claquettes les plus innovants du monde entier y partagent leur histoire personnelle, parlent de leurs inspirations, de leurs défis et de leurs triomphes. Ils nous enthousiasment par leur talent de danseurs et donnent une nouvelle vie à cette forme d'art. Vidéo Beyonce Tap Formation by Syncopated Ladies En savoir plus www.syncopatedladies.com Liens vers TAP WORLD sur Google Play et iTunes Référence source: TVS / Syncopated Ladies 01/2023 Share
Histoire de la danse & diversité Culture "(Un)credited" - les racines de l'Afro Dance au Nigeria Comment l'Afro Dance a-t-elle influencé la culture mondiale de la danse et pourquoi la reconnaissance de ses créateurs n'a pas encore eu lieu ? Le documentaire « (Un)credited » met en lumière l'émergence et le succès mondial de l'Afro Dance au Nigeria et met l'accent sur les artistes souvent négligés. Tout commence à Lagos - où "(Un)credited" jette un regard sur la force et la signification de la culture de la danse au Nigeria, suit les danseurs qui participent à l'événement "Dance Your Style" et se penche sur la question de savoir comment ces pas de danse ont fait le tour du monde. Le film "(Un)credited - comme son titre l'indique - met l'accent sur les racines de l'Afro Dance et célèbre les créateurs de ces mouvements de danse influents, qui n'ont pas été suffisamment reconnus jusqu'à présent. Film complet en anglais www.redbull.com - “(un)credited” Référence source: www.redbull.com 01/2023 Fotocredit: © Tyrone Bradly (Dancer and choreographer Hermès dancing in a city with children) Share
Motivation & développement DancePodGuest Dance and Transition Comment les danseuses et danseurs peuvent-ils orienter avec succès leurs compétences hautement spécialisées dans un autre domaine professionnel une fois leur carrière sur scène terminée ? Oliver Dähler explique dans DancePodGuest comment il est possible de concevoir des processus de reconversion pour les professionnels de la danse ainsi que comment réussir la transition de la scène à la société afin que les compétences acquises puissent continuer à être utilisées. De nombreux danseurs ne peuvent pas exercer leur métier jusqu'à la retraite, c'est pourquoi la transition professionnelle fait partie intégrante de leur carrière. Oliver Dähler et la SSUDK sont convaincus que les artistes du spectacle, en particulier les danseurs, sont des experts hautement spécialisés dans leur domaine et qu'il est important d'utiliser leurs excellentes compétences à bon escient une fois qu'ils ont quitté la scène, afin qu'elles puissent être réinvesties dans la société. Dans DancePodGuest, il parle des défis auxquels sont confrontés les professionnels de la danse lors de leur reconversion ou de la création de leur propre école de danse, des compétences qu'ils acquièrent au cours de leur carrière artistique et de sa propre expérience en tant que danseur et pédagogue de la danse. Podcast en allemand DancePodGuest - Oliver Dähler Plus d'informations sur le Transition-Center SSUDK Plus d'informations sur Oliver Dähler Référence source: TVS / Oliver Dähler 11/2022 Share
Histoire de la danse & diversité DancePodGuest L'art du flamenco Comment Nina Corti, en tant qu'artiste de flamenco, a développé sa propre identité artistique au cours des cinq dernières décennies et que signifie pour elle le fait de partager ses connaissances et sa passion avec une nouvelle génération de danseuses et danseurs ? Dans DancePodGuest, elle parle de sa trajectoire dans le flamenco, de ses sources d'inspiration et des défis qui l'ont façonnée en tant qu'artiste. En 2022/23, elle a célébré ses 50 ans de scène et de carrière tout en ayant fondé en 2021 son propre studio de danse "Vorstadt66" à Schaffhouse, où elle transmet sa grande expérience à ses élèves dans le cadre de cours et d'ateliers. Dans le DancePodGuest, Nina Corti revient sur son œuvre et raconte comment elle a découvert le flamenco, sa relation avec la musique, ce qui l'inspire et la défie, et le plaisir de partager son art avec d'autres. Podcast en allemand DancePodGuest - Nina Corti Plus d'informations sur Nina Corti Référence source: TVS / Nina Corti 11/2022 Share
Inclusion & accessibilité Social "Wheels In Line" - La Line Dance en fauteuil roulant « Je danse seule et pourtant je ne suis pas seule ». Pour Karin Müntener, la Line Dance était exactement la danse qu'elle recherchait. C'est ainsi que son hobby est devenu sa profession, sa vocation. Une passion qu'elle souhaite partager avec tous ses élèves. Depuis 2008, Karin enseigne la Line Dance et en 2011-12, elle a suivi la formation de professeur de Line Dance auprès de l'association faîtière SCWDA. Elle participe à de nombreux événements nationaux et internationaux et organise elle-même de nombreux événements, petits et grands, avec son mari et sa fille. En 2011 déjà, tu as fondé ton propre studio de Line Dance Speedy Gon-CH-ales à Sennwald et Buchs. Comment en es-tu arrivée à consacrer ta vie à la Line Dance ? La danse a toujours été mon rêve. Malheureusement, quand nous étions enfants, nos parents ne nous conduisaient pas partout pour pratiquer un hobby. Donc, petite, je dansais devant le miroir dans le couloir de la maison. C'est lors de ma lune de miel en Floride que j'ai vu pour la première fois de la Line Dance. J'ai regardé, captivée, ces danseurs et danseuses ; alors, j'ai su que c'était exactement ce que j'avais toujours recherché. Mais comme ce n'était pas encore connu en Suisse, j'ai appris les premières danses avec des vidéos, chez moi, dans mon salon. De nombreuses années se sont écoulées jusqu'à ce qu'un cours de Line Dance soit enfin proposé dans notre région. A partir de là, plus personne ne pouvait m'arrêter. Qu'est-ce qui te fascine le plus dans ce style de danse ? Je danse seule et pourtant je ne suis pas seule. Je ne me sentais pas à l'aise en discothèque. Je voulais un rythme de danse ou un partenaire qui me guide. Dans la Line Dance, les séquences de pas sont prédéfinies, mais j'ai toujours la possibilité d'apporter mes propres variations et mon propre style. De plus, je ne suis pas dépendante d'un partenaire et je peux danser sur de nombreux styles de musique différents, que ce soit de la country, de la pop, du rock ou du blues. La diversité des pas de danse, du cha-cha-cha à la polka en passant par les danses swing et autres, rend la Line Dance passionnante. Je peux me rendre seule à des événements et rencontrer de nombreuses personnes de tous âges partageant les mêmes idées. En plus des cours réguliers, tu diriges également un groupe de Line Dance pour les personnes en fauteuil roulant et valides. Peux-tu nous parler des débuts de "Wheels in Line" ? J'ai lu dans le journal que l'on cherchait des danseurs valides pour un cours de danse en fauteuil roulant. Comme je venais d'obtenir mon diplôme de professeur de danse, je pouvais explorer de nouvelles pistes. Lors de l'inscription, j'ai dit que j'étais professeur de danse et que je souhaitais suivre ce cours à titre de formation continue. Mais on m'a dit que le nombre de danseurs était suffisant. J'ai donc mis cela de côté en attendant. Trois mois plus tard, j'ai reçu un e-mail me demandant si je ne voulais pas reprendre directement ce cours et le diriger. Et c'est ainsi que tout s'est mis en place. J'ai cherché le lieu idéal, j'ai chorégraphié des danses et j'ai rencontré les personnes en fauteuil roulant pour échanger avec elles. Je me suis assise dans le fauteuil roulant pour me familiariser avec les possibilités de mouvement. En novembre 2013, après six mois de préparation, la journée portes ouvertes a eu lieu dans la salle de sport de Sennwald. J'ai senti la joie et le plaisir des personnes intéressées et j'ai décidé de lancer le cours. Ainsi sont nés les "Wheels in Line. Depuis un peu plus d'un an, nous sommes à Buchs dans notre propre salle de danse, que nous avons pu aménager pour les personnes handicapées après une collecte de fonds. En 2023, cela fera 10 ans que "Wheels in Line" existe. Quels sont les moments dont tu te souviens le plus ? Il y a beaucoup de souvenirs. En fait, chaque cours de danse est un moment particulier. Nous avons toujours des invités. Ces rencontres pendant le cours nous font vivre des choses passionnantes et nouvelles. Bien sûr, nous n'oublions pas non plus les différentes représentations. Une représentation est liée à quelque chose de plus mémorable. Nous nous sommes produits devant des Line Dancers internationaux et nous avons senti à quel point notre prestation était touchante pour tous. Lors des représentations, je suis toujours impressionnée par l'humour et le calme avec lesquels les danseurs en fauteuil roulant gèrent les obstacles. Il y a beaucoup à apprendre d'eux ! Quels sont les défis que vous avez rencontrés au fil des ans ? Ce qui est écrit "accessible en fauteuil roulant" n'est pas toujours accessible en fauteuil roulant. Nous en faisons surtout l'expérience lorsque nous sommes en tournée. Que ce soit le transport de la gare au lieu de l'événement, la chambre d'hôtel, le lieu de l'événement ou les toilettes publiques. Raconter toutes ces expériences dépasse le cadre de cette interview. L'un des grands défis est que nous habitons tous très loin les uns des autres. Nous avons des danseurs et danseuses des cantons de Saint-Gall, des Grisons, de Thurgovie et d'Argovie. Lors d'un spectacle, il n'est pas facile de coordonner où et comment nous nous rencontrons. Certains voyagent en train. Il n'est donc pas toujours possible de se rendre partout le soir. Les demandes à court terme sont donc difficilement réalisables. Dans les cours de danse, la devise est : "Si ça ne va pas, ça ne va pas". Nous trouvons donc toujours une solution et tout le monde fait ce qu'il peut. Comment le travail avec "Wheels in Line" a-t-il influencé ton activité pédagogique au fil des ans ? Qu'as-tu appris ? L'humilité, la patience et la gratitude. Rien n'est jamais acquis. Tout ce qui est si simple et rapide chez nous prend beaucoup, beaucoup plus de temps chez les personnes handicapées. Je suis reconnaissante de pouvoir travailler avec des personnes aussi formidables. Elles m'apprennent aussi beaucoup. Qu'est-ce qui est important pour toi dans tes cours de danse ? Qu'est-ce qui t'inspire ? Le plaisir et la communauté. Dans tous les cours, il est important pour moi que mes élèves viennent danser avec plaisir et qu'ils repartent avec le sourire. J'aime aussi participer à des événements où nous pouvons mettre en pratique ce que nous avons appris. Nous rencontrons toujours des gens qui n'imaginent pas qu'on puisse danser en fauteuil roulant. Quel conseil donnerais-tu aux pédagogues de la danse qui souhaitent rendre leurs cours de danse et leur offre plus inclusifs ? Pas de discours, mais des actes. Essayez donc de le faire ! Bien sûr, ce n'est pas possible partout, car une certaine infrastructure doit être mise en place. Selon le degré de handicap, il peut être nécessaire d'avoir un accompagnateur qui participe. On grandit avec l'expérience. La perfection n'est pas nécessaire - le plaisir est au premier plan. Quel est ton message pour les danseurs et danseuses, qu'ils soient en fauteuil roulant ou non ? La reconnaissance d'avoir un si beau hobby et plus de patience envers soi-même et les autres. Ce n'est pas la façon dont nous dansons qui compte, mais le fait que nous dansions ! En savoir plus sur Speedy Gon-CH-ales Référence source: TVS / Karin Müntener 11/2022 Share
Motivation & développement Dance Science We’ve got the power - Dance teacher's views on autonomy and person-environment fit Comment l'attitude des professeur·e·s de danse par rapport à l'autonomie et à l'individualité influence-t-elle la qualité et le bien-être de leurs élèves ? Dans son travail de master, Michelle Schachtler Dwarika examine comment les pédagogues de la danse peuvent encourager l'autodétermination dans leur enseignement et quels en sont les effets sur les conditions d'apprentissage. En quoi l'enseignement de la danse pourrait-il changer s'il était basé sur l'autodétermination plutôt que sur des structures hiérarchiques strictes ? Au contraire, ces histoires semblent nous rappeler que la tradition d'enseignement autoritaire, silencieuse et hiérarchiquement descendante, caractérisée par des relations de pouvoir faussées, n'appartient pas encore au passé, même chez nous. Dans sa thèse de master, Michelle Schachtler Dwarika examine, à travers la théorie de l'autodétermination, les attitudes et les conceptions des professeurs de danse en matière d'autonomie et de soutien à l'autonomie (par exemple, l'offre de choix personnels, la justification et la valorisation de l'individualité) et la manière dont elles influencent le style d'enseignement. De plus, ce travail examine les expériences et les points de vue des professeurs de danse en ce qui concerne l'adéquation personne-environnement et sa relation avec l'autonomie. Michelle Schachtler Dwarika est chercheuse en danse, assistante de recherche et conférencière en psychologie de la danse. En tant que membre du comité des éducateurs de danse de l'IADMS, Michelle travaille en étroite collaboration avec un réseau international de danseurs et de pédagogues de la danse. Ses principaux centres d'intérêt sont la santé mentale et la résilience en danse, les facteurs de stress et les stratégies d'adaptation, ainsi que l'autonomie dans l'enseignement de la danse. En 2022-2026, elle prépare un doctorat en psychologie du sport et de la danse à l'Université de Birmingham. Lire le résumé de l'étude ici. Autres ressources sur la résilience et l'éthique dans l'enseignement de la danse Référence source: MAS Thesis Michelle Schachtler Dwarika, Universität Bern (2020) Fotocredit: Eduardo Valle de Anton Share
Processus cognitifs Psychologie Comment la danse nous rend heureux et en bonne santé – un livre de Peter Lovatt Comment la danse peut-elle changer positivement notre façon de penser et notre vie ? Dans son livre « Tanz einfach ! », le Dr Peter Lovatt explique comment la danse renforce non seulement le corps, mais aussi la pensée et le bien-être émotionnel. Quels sont les effets profonds de s'abandonner à un rythme et comment la danse peut-elle contribuer à soulager l'anxiété et la solitude ? « The dance cure » est un livre pour tous ceux qui veulent être plus intelligents, plus forts et plus heureux. Il contient des faits, des connaissances scientifiques, des histoires personnelles et, surtout, de la danse. Il vous incite à monter le son, à vous lever et à danser pour votre propre bonheur, y compris pour ceux qui pensent qu'ils ne savent pas danser. L'approche du Dr Peter Lovatt dans « The dance cure » est basée sur le principe que nous sommes nés pour danser. La danse est l'une des formes de communication les plus puissantes que nous ayons. La danse est notre pouls, notre battement de cœur, notre respiration. C'est le rythme de notre vie. Il existe de nombreuses preuves que la danse peut changer la façon dont les gens ressentent et pensent, et qu'elle peut améliorer l'estime de soi de chacun. La danse n'est pas un simple entraînement aux mouvements. L'expérience de s'abandonner à un rythme peut avoir un impact profond sur tous les aspects de notre vie - elle nous aide à mieux communiquer, à penser de manière plus créative et peut nous donner une impulsion puissante pour changer positivement notre vie. Se perdre dans le moment présent en écoutant une chanson ou un autre morceau de musique peut soulager l'anxiété, la dépression et les sentiments de solitude. Il n'est pas question ici de la compétence d'une personne à danser, ni d'un style de danse particulier. Si vous pensiez que les mots étaient puissants, attendez de voir ce que le mouvement peut faire... Le Dr Peter Lovatt est un psychologue de la danse, également connu sous le nom de Dr.Dance en Angleterre. Après une carrière de danseur professionnel de comédie musicale, il a étudié la psychologie, l'anglais et le calcul neuronal, combinant sa fascination pour la psychologie et les neurosciences avec sa passion pour la danse. En 2008, il a ouvert son laboratoire de psychologie de la danse, où il étudie la manière dont le mouvement affecte les interactions sociales, notre façon de penser et la manière dont nous résolvons les problèmes. Peter Lovatt est également coach en motivation et donne des conférences dans le monde entier sur le pouvoir transformateur de la danse. Livre en anglais « The dance cure » Plus d'informations sur Peter Lovatt Référence source: Peter Lovatt (2022) Share
Dimensions sociales dans la danse Pédagogie A guidebook to enhance your practice Comment peut-on associer danse et soft skills ? L'équipe d'Empowering Dance montre comment le partage d'expériences en danse nous renforce non seulement en tant que danseuses et danseurs, mais aussi en tant qu'êtres sociaux. Quelles sont les soft skills qui se développent lorsque nous dansons tous ensemble ? Quelles sont les compétences que nous exerçons et développons lorsque nous partageons une expérience de danse ? Que se passe-t-il lorsque nous nous regardons dans les yeux, lorsque nous nous donnons la main ou lorsque nous sommes en équilibre ensemble dans l'instant ? Nous nous entraînons à la capacité d'être ensemble. Nous naviguons à travers l'équilibre délicat entre notre propre réalité et celle des autres. Danser ensemble plonge les gens dans le moment présent et crée une expérience commune afin de se sentir partie intégrante d'un collectif, d'une communauté : Ce que nous pratiquons physiquement se transforme en capacités mentales. Ce que nous pratiquons mentalement façonne notre façon d'aborder les autres autour de nous. Plus nous incorporons ce type de soft skills dans la danse, plus nous en sommes conscients et plus ces capacités peuvent se renforcer. L'équipe d'Empowering Dance - The Soft Skills Teaching and Learning Approach, cofinancée par le programme Erasmus Plus de l'UE, a développé ce guide numérique pour aider les professionnels de la danse (chorégraphes, danseurs, professeurs de danse) à intégrer l'enseignement des soft skills dans leur pratique artistique de la danse et dans d'autres domaines professionnels autres que la danse. Le guide a été développé par Monica Gillette et le Prof. Sara Houston en collaboration avec plusieurs artistes et sept institutions partenaires européennes - CSC - Centro per la Scena Contemporanea (Bassano del Grappa, Italie), Dansateliers (Rotterdam, Pays-Bas), HIPP - Croatian Institute for Movement and Dance (Zagreb, Croatie), K3 \| Tanzplan Hamburg / Kampnagel (Allemagne), La Briqueterie CDCN (Val-de-Marne, France), University of Roehampton (Londres, Royaume-Uni) et University of Zagreb, Academy of Fine Arts (Croatie). Lien vers le guide en anglais Soft Skills in Dance Guidebook Site web Empowering Dance Photo: Empowering Dance - The Soft Skills Teaching and Learning Approach Référence source: Empowering Dance - The Soft Skills Teaching and Learning Approach 09/2022 Share
Motivation & développement Psychologie «Le coaching mental consiste à extérioriser ce qui est à l'intérieur» Rebekka Scharf, danseuse et coach mental, montre comment un soutien mental ciblé permet de surmonter les blocages et de développer la confiance en soi - aussi bien dans l'art de la danse que dans la vie. Grâce à son expérience dans la pédagogie de la danse et le coaching, elle aide les danseuses et les danseurs à reconnaître leurs propres forces et à transformer leurs peurs en une force créatrice. Elle a obtenu son diplôme à l'université privée Anton Brucker de Linz et s'est perfectionnée à New York à l'école Martha Graham et Merce Cunningham. Elle a dansé dans différentes productions contemporaines en Suisse, a fait une tournée en Allemagne avec la Kelly Family et a joué dans différents spectacles musicaux gothiques avec la compagnie "Cie Quilla". Elle enseigne dans diverses écoles de danse et est membre de l'association faîtière suisse V-P-T ainsi que de la Swiss Coaching Association SCA. En plus de tes activités artistiques et pédagogiques, tu es diplômée en coaching mental, peux-tu nous en dire un peu plus sur ce métier? Le métier de coach est surtout connu dans le domaine du sport. Il s'agit de coacher les sportifs pour qu'ils atteignent des niveaux de performance élevés et qu'ils se renforcent mentalement. La différence avec les entraîneurs et les consultants est qu'en tant que coach, nous partons du principe que chaque personne a déjà la solution en elle. Le coaching est un voyage à la découverte de soi-même. Grâce à des interventions créatives et à des impulsions de ma part, les clients élaborent eux-mêmes leur objectif et les prochaines étapes pour y parvenir. C'est toujours un plaisir d'observer et de voir l'expression de surprise sur le visage des clients et leur motivation à franchir les étapes suivantes. En tant que coach mental, nous travaillons sur la base d'une mission et d'un objectif. Nous allons en profondeur, nous y restons un moment, puis nous nous concentrons sur l'avenir. Les observations de la métaperspective nous permettent de voir les choses sous un autre angle, et c'est souvent à ce moment-là qu'un déclic se produit. Dans ta mémoire de fin d'études de coach mental, tu as étudié de manière approfondie le "soi" chez les professionnels de la danse et de la culture. Le soi concerne la confiance en soi, l'estime de soi et la perception de soi comme des autres. "Comment est-ce que je me perçois, comment est-ce qu'on me perçoit?", "Quels sont mes points forts et ce sur quoi je voudrais encore travailler?", "Qu'est-ce qui me motive, qu'est-ce qui a tendance à me tirer vers le bas?" et "Comment est-ce que je dois décider?". Voici un extrait des pensées qui hantent souvent les professionnels de la danse et de la culture. Les pensées sont puissantes et déterminent largement nos actions et notre présence, même inconsciemment. Les échecs sont considérés comme des échecs personnels et on peut rapidement se sentir sans valeur et malheureux. L'accent est alors mis principalement sur l'échec et les petites réussites sont négligées, la plupart du temps. En théorie, nous en sommes tous conscients. Nous savons que le fait de se concentrer sur le positif nous permet d'échapper à la spirale négative. En pratique, ce n'est souvent pas si simple. On a déjà lu des articles sur le coaching mental pour les danseurs, et il existe maintenant des ateliers dans certaines écoles de danse, mais ce n'est pas encore très répandu. Mais c'est justement là que je vois un potentiel et un besoin de rendre les danseurs encore plus forts mentalement, de les soutenir, de les encourager à reconnaître davantage leur propre valeur et à transformer leurs peurs et leurs blocages en points forts. Comment en es-tu arrivée au coaching mental? En tant que pédagogue de la danse, j'ai rapidement réalisé à quel point j'étais fascinée par les personnes, leurs histoires et leurs expériences personnelles - plus que par la technique de danse imposée. Je prends en compte l'état actuel des capacités de chacun et c'est à partir de là que je travaille en tant que pédagogue de la danse. Je veux voir et ressentir les émotions et aller chercher les danseurs là où ils se trouvent. Ce qui m'intéresse et me fascine, c'est l'être humain avec son langage individuel du mouvement et la façon dont les émotions sont exprimées de manière individuelle. J'ai souvent remarqué que les danseurs se retiraient par peur d'échouer, de se ridiculiser et de ne pas connaître leur propre valeur. J'ai donc cherché à savoir comment contrer - et même soutenir - cette tendance. De quelle manière l'accent mis sur les pensées positives peut-il nous aider à rester nous-mêmes et à ne pas nous laisser déstabiliser par les opinions et les perceptions des autres? Comment se présenter soi-même et son rôle de manière authentique et convaincante? Ce sont des questions que je me suis posées maintes et maintes fois. Qu'est-ce qui te fascine dans le coaching mental? En tant que danseuse et pédagogue de longue date, j'ai eu l'occasion, en plus de mon expérience de la scène et de l'enseignement, de vivre beaucoup d'expériences sur les émotions et sur le soi. Les sentiments de bonheur et de réussite qui me motivaient et me donnaient l'impression que rien ni personne ne pouvait m'arrêter dans ma créativité, ont été remplacés par des peurs de toutes sortes qui me coupaient l'herbe sous le pied. Peur de ne pas être à la hauteur, de ne jamais y arriver, d'échouer et de me ridiculiser, et pensées négatives qui allaient dans ce sens, me renforçaient dans mon idée et m'empêchaient de réussir. Dès le début, j'ai été intéressée et fascinée par la façon dont les pensées peuvent nous conforter dans tout ce que nous faisons et par la façon dont elles peuvent être utilisées POUR nous et DANS notre création. L'attitude envers soi-même, la confiance en soi en tant que personne et dans le travail personnel également. Tu es toujours active en tant que danseuse et pédagogue de la danse, comment l'étude du coaching mental a-t-elle influencé ton travail pédagogique et ta vision de la danse? J'essaie de séparer clairement le coaching de la pédagogie. Comme je l'ai déjà dit, je me concentre sur le renforcement de l'être des danseurs et des danseuses et sur la construction de celui-ci. De plus, je veille à ce que les danseurs interprètent les différents rôles et émotions de manière authentique et je travaille de plus en plus sur la perception de soi et des autres. A l'avenir, je proposerai non seulement des coachings individuels, mais aussi des coachings de groupe, qui seront proposés dans le cadre d'ateliers spécialement destinés aux danseurs et danseuses. J'élabore actuellement un concept adapté aux thèmes qui seront utiles aux danseurs, aux pédagogues de la danse et aux professionnels de la culture dans leur travail quotidien. Quels conseils donnerais-tu aux professeurs de danse et aux danseurs? Je leur poserais quelques questions: Où est-ce que je me situe en ce moment? Qu'est-ce qui me caractérise? Quels sont mes points forts? Sur quoi aimerais-je travailler? Où est-ce que je veux aller? Réfléchir sur soi-même est déjà un premier pas vers soi-même et ses points forts. Mais parfois, l'arbre cache la forêt. C'est là que je recommande vivement de s'accorder le temps et l'espace nécessaires pour se confier à une personne extérieure. Une personne de confiance qui considère les thèmes de manière neutre, les analyse avec le client et l'accompagne vers l'objectif qu'il s'est fixé - étape par étape. Plus d'informations: Rebekka Scharf Photo: Igor Rus Référence source: TVS / Rebekka Scharf 10/2022 Fotocredit: Igor Rus Share
Inclusion & accessibilité Social Dodzi Dougban - Artiste d'égal à égal Le film documentaire « Sehen statt hören » suit le danseur de hip-hop sourd Dodzi Dougban, qui lutte contre les préjugés grâce à sa force d'expression et son sens du rythme, en utilisant la puissance de la danse pour créer des ponts entre les gens. À travers son parcours de vie, il montre comment la danse unit les personnes, favorisant l'acceptation mutuelle et l'encouragement réciproque. En tant que personne sourde d'origine afro-allemande, Dodzi est confronté dès son plus jeune âge à des préjugés. Il grandit avec la danse et le rythme et développe très tôt des stratégies contre la discrimination. Le portrait inspirant du film "Voir plutôt qu'entendre" donne un aperçu de la vie de ce danseur passionnant et l'accompagne dans son quotidien artistique. Voir le film en allemand Dodzi Dougban - Künstler auf Augenhöhe Référence source: ARD Mediathek 09/2022 Share
Planification pédagogique Pédagogie Le rôle de l'imagerie dans le devenir d'un professionnel de la danse Comment l'imagerie peut-elle transformer la pratique de la danse de manière esthétique, sensorielle et émotionnelle ? Le travail de master de Salomé Martins montre comment les images anatomiques et métaphoriques renforcent la conscience de son propre corps en danse et favorisent le développement d'un langage individuel du mouvement. La pratique de l'imagination, de la visualisation et de l'imagerie est utilisée depuis longtemps dans différents contextes, allant des pratiques religieuses, spirituelles et de guérison jusqu'à la psychothérapie et au sport. Les premières expériences avec les images et le mouvement apparaissent dès que les élèves entrent dans un studio de danse et se développent progressivement en plusieurs types et catégories. Pour Salomé Martins, l'imagerie est une préparation à l'apprentissage d'une technique de danse et une partie essentielle du processus d'apprentissage d'une technique de danse et du développement d'un langage individuel du mouvement. Dans le cadre de son travail de Master, elle s'est penchée sur l'imagerie anatomique et métaphorique afin d'éveiller la compréhension de l'outil le plus important que chaque élève possède déjà - le corps physique. Pour ce faire, elle s'est appuyée sur des études scientifiques, ainsi que sur son propre travail de recherche et ses expériences en tant qu'élève, danseuse professionnelle et pédagogue de la danse. Après avoir terminé sa formation de danseuse au Portugal, Salomé Martins a été engagée comme danseuse, soliste et directrice de répétition dans différents théâtres et compagnies de danse à travers l'Europe, notamment au Tanz Luzerner Theater, au Ballet National de Marseille, au Staatstheater am Gärtnerplatz à Munich, au Staatstheater Darmstadt et Braunschweig. En 2022, elle a obtenu son Master in Dance/Teaching and Coaching Dance Professionals à la ZHdK de Zurich. Video Link en anglais The role of imagery in becoming a dance professional Référence source: MAS Thesis Salomé Martins, ZHdK (2022) Share
Histoire de la danse & diversité Culture Découvrir la danse dans toute sa diversité: Welcome to Burlesque! Le New Burlesque célèbre la féminité, mais au fait, le Burlesque, c’est quoi ? Comment percevons-nous cette forme d'art ? Nous nous sommes penchés sur ces questions et nous nous sommes retrouvés dans un monde de séduction glamour, plein de paillettes et d'humour. Ce que c'était - Les débuts Le terme burlesque vient du mot italien "burla", qui signifie plaisanterie, blague ou amusement. Au 16e siècle, le burlesque désignait une forme de théâtre des "gens simples", caractérisée par des contenus grossiers et bizarres et des personnages exagérés. L'origine se trouve dans l'opérette italienne de Francesco Berni, qui a donné son nom à cette forme d’art. Grâce aux théâtres itinérants en Europe, les représentations populaires ont laissé une impression durable. Au fil des siècles, se sont développées plusieurs formes indépendantes. Ce que c'est devenu - Évolution Le passage du théâtre de rue avec ses parodies bizarres au spectacle avec des composantes érotiques a eu lieu à partir du 19e siècle. Le spectacle burlesque, avec ses éléments humoristiques et érotiques, s'est alors développé en un genre à part entière, passant pour ainsi dire du théâtre populaire à l'art de l'effeuillage. Afin de conserver la dimension divertissante des spectacles de type vaudeville, on a copié des éléments du programme des cirques itinérants et on les a repris dans ce que l'on appelle les Sideshows. De jolies dames faisaient un strip-tease en étant accompagnées par des humoristes. Il n'était pas rare qu'un tel spectacle soit l'épreuve du feu pour le comédien : celui qui parvenait à faire écouter et rire le public, alors qu'une beauté se déshabillait au passage, avait manifestement du talent et était réengagé. Lorsque, après 1930, le strip-tease impliquait le déshabillage complet, le lien entre la présentation, la danse, le chant et le strip-tease suggestif s'est dissous. Dans le film "I'm no Angel" (sorti en 1933), Mae West joue une danseuse de cirque qui allie performances érotiques et petites conversations raffinées. En tant qu'incarnation de la femme fatale, elle a brisé de nombreux tabous sexuels en vigueur à l'époque en proclamant la liberté de l'amour et l'égalité des sexes. Au cours des années 40 et 50, le Burlesque s'est développé et s'est de plus en plus combiné avec la Pin-up devenue de plus en plus populaire. Avec l'émergence de la révolution sexuelle dans les années 60, la danse burlesque est tombée de plus en plus dans l'oubli et n'a été relancée qu'au début des années 90 par ce que l'on appelle le New Burlesque. Ce que c'est - le Burlesque aujourd’hui Le New Burlesque ressemble au strip-tease. La différence avec le strip-tease traditionnel réside dans le degré de déshabillage. Alors que dans le strip-tease, les vêtements tombent complètement, dans le Burlesque, les parties les plus importantes restent couvertes. Les mamelons sont recouverts de tétons, les culottes sont serrées mais ne sont pas retirées. Des costumes élaborés avec des boas en plumes, des bas résille, des éventails et des corsets soulignent la féminité. Souvent, les danseuses se glissent dans des rôles, associent leurs mouvements et les paroles de leurs chansons à des numéros de danse et de séduction. On y trouve même des éléments de danse moderne ainsi que des accessoires issus de la scène fétichiste. Tout ce qui plaît est permis. Le New Burlesque célèbre la féminité : un divertissement de haut niveau qui stimule les fantasmes érotiques. Le film hollywoodien "Burlesque" (2010) a permis à Christina Aguilera et Cher de porter cette forme d'art sur le grand écran. D'un seul coup, le Burlesque est devenu célèbre dans le monde entier. Les chorégraphies et les danses du film sont aujourd'hui encore ancrées dans l'esprit des gens. En 2022, TAS a pu assister au championnat "European Queen of Burlesque", avec des artistes de renommée internationale, et a pu apprécier des spectacles humoristiques, sensuels, érotiques, fascinants et mystiques. Avec des styles comme Classic, Neo, Comedy et Dark Cabaret, les artistes n'ont pratiquement aucune limite. Avec le Boylesque, même des artistes masculins se transforment en créatures glamour. Il était agréable de constater que le Burlesque continue d'avoir de multiples facettes et que tout ce qui plaît est permis. Après le spectacle, nous avons eu l'occasion de nous entretenir avec une représentante du Comedy Burlesque : Cheeky Kelly a enthousiasmé le public avec sa parodie raffinée, truffée d'un humour à la fois grinçant et subtil. Interview avec la danseuse burlesque Cheeky Kelly Cheeky Kelly, que signifie pour toi le Burlesque? A l'origine, le Burlesque était considéré comme une représentation humoristique et théâtrale. Burlesque vient du mot "burla", qui signifie drôle - pour moi personnellement, c'est un aspect très important ! Mais le Burlesque, c'est aussi savoir s'exprimer et montrer qui l'on est vraiment. L'origine ethnique, la nationalité, l'apparence ou la silhouette ne jouent aucun rôle – l’important, c'est qui tu veux être et que tu aies le courage, au travers du burlesque, de le vivre. Comment es-tu arrivée au Burlesque? Après être devenue mère, j'ai ressenti un grand besoin de faire quelque chose pour moi. Je voulais à nouveau mieux sentir mon corps et pratiquer quelque chose qui me fasse du bien. J'ai donc rejoint la Secret Follies Company en 2013 et me suis plongée dans l'art du Burlesque. Après quelques leçons, j'ai tout de suite su quel style me correspondait. Il ne s'est pas écoulé beaucoup de temps avant que je ne fasse mon premier spectacle - depuis, je me produis dans différents événements (cabaret Ohlala Chérie à Zurich, cabaret Lune Noire à Berne ainsi que des événements privés). Tu as choisi le style comique en raison de l'origine du Burlesque. Y a-t-il d'autres styles dans les différents spectacles que tu proposes? Mon style burlesque est influencé de bout en bout par la comédie. J'aime me glisser dans différents rôles et faire rire les spectateurs - car n'oubliez pas ce qu'est le Burlesque : ce n'est pas seulement un art de la séduction à son meilleur niveau, mais un art de l'expression ! www.cheekykelly.com Cet article a été rédigé par Katiuscia Di Marino et Jenny Leone (qui enseigne elle-même des ateliers de burlesque) de Polelicious Pole Dance Winterthur. Référence source: TVS / Cheeky Kelly 09/2022 Share
Promotion de la santé Psychologie La danse rend heureux Danser rend heureux, Sylvia Frauchiger en est convaincue. Dans l'interview accordée à TAS, elle aborde les questions suivantes : en quoi la danse et le bonheur sont-ils liés, comment le fait d'être heureux peut-il enrichir l'enseignement de la danse et pourquoi la danse, tout comme le bonheur, ont-ils leur place à l'école? Sylvia Frauchiger a terminé sa formation de danseuse et de pédagogue de la danse à la Rotterdamse Dansacademie (aujourd'hui Codarts). Elle enseigne la danse contemporaine au Studio Akar à Berne et dans de nombreuses autres structures pour des personnes âgées de 4 à 90 ans. Elle enseigne également la matière "bonheur" à l'école, donne des cours et est coach en développement personnel. Qu'est-ce que le bonheur? La question la plus simple d'abord. . . ! Je ne cesse de la poser dans mes cours et à moi-même. Et il y a tellement de réponses ! Le bonheur est un sentiment. Un sentiment agréable auquel nous aspirons consciemment ou inconsciemment. Nous voulons tous être heureux. Nous faisons tout ce qui est imaginable, plus ou moins utile, pour ressentir ce bonheur pendant un court instant. C'est un état merveilleux, souvent fugace, qui envahit tout notre corps. Dans mon travail, l'accent est mis sur le bien-être psychologique. On l'appelle aussi le bien-être eudémonique, ou bonheur des valeurs, et il remonte à Aristote. Ici, on met l'accent sur la croissance personnelle et l'épanouissement de soi. Ce bonheur a beaucoup à voir avec le fait de pouvoir agir de manière autonome dans sa vie, de maîtriser les exigences de ce qui nous entoure, de vivre un épanouissement personnel, d'entretenir des relations positives, de s'accepter et de trouver un sens à sa vie. Quel est le rapport entre la danse et le bonheur? Il est prouvé que la danse rend heureux. Elle réunit de manière naturelle de nombreux facteurs qui, selon la recherche sur le bonheur, contribuent à augmenter la sensation de bonheur. En dansant, on est pleinement présent dans l'instant, souvent dans un état de flow, où l'on ne pense à rien d'autre. On est en contact avec soi-même, son corps, ses sentiments, son âme, mais aussi avec l'espace, la musique et les autres. De plus, en dansant, le corps libère de la dopamine et de l'endorphine, les hormones du bonheur. La danse renforce par ailleurs la perception de soi et, dans le meilleur des cas, la confiance en soi. C'est donc un véritable cocktail de bonheur qui peut être savouré en toute confiance. La danse rend-elle toujours heureux? Bien sûr, le facteur bonheur dépend beaucoup de la manière dont les cours sont donnés ou de l'environnement dans lequel on danse. Danser à la maison sur sa musique préférée ou lors d'une fête apporte parfois plus de bonheur que dans une école de danse. En effet, danser peut aussi rendre malheureux. Les facteurs du malheur sont : Toujours se comparer, se surmener, ne pas écouter son corps, se dévaloriser, se fixer des objectifs trop élevés et ne pas valoriser les petits progrès. La méthode d'enseignement et surtout le professeur de danse avec lequel on prend des cours jouent également un rôle important. Celui-ci doit corriger avec attention et ne doit en aucun cas dévaloriser ou ridiculiser la personne. La danse est toujours très personnelle. C'est ton corps qui reçoit des critiques et qui est indissociable de tes sentiments et de ton âme. Les commentaires désobligeants peuvent aller très loin et être très blessants. Il faut demander de l'aide si la danse ne rend plus heureux ! Bien sûr, il y a des hauts et des bas, mais le sentiment de base doit être positif. Prends soin de ton corps. Sache toujours que ton corps, ton esprit et ton âme dansent avec toi. On ne peut pas les séparer et tous les aspects ont besoin d'attention. Le corps se manifeste par des douleurs, l'esprit par de mauvaises pensées et l'âme par des sentiments de tristesse lorsque quelque chose ne va plus. Il faut essayer de suivre la JOIE, c'est elle qui connaît le mieux le chemin du bonheur ! Tu enseignes la matière "bonheur" dans les écoles et tu proposes différentes formations pour les enseignants. Peux-tu nous en dire plus à ce sujet? La matière "bonheur" est issue de la psychologie positive et a pour objectif de renforcer le bien-être psychologique des enfants. Elle a été créée par le Dr Ernst Fritz Schubert. J'ai suivi une formation continue à l'Institut Fritz Schubert après avoir pris conscience de l'absence de facteurs de renforcement de soi dans les écoles et du bonheur que l'on peut ressentir lorsqu'on reconnaît sa valeur et sa justesse. Même en cas de mauvaises notes ou si l'on ne correspond pas à la norme. En classe, j'essaie de découvrir avec les enfants quels sont leurs points forts, ce qu'ils font bien, ce qui les rend heureux et ce dont ils ont besoin pour se sentir bien et en sécurité. Nous parlons aussi beaucoup de sentiments et, bien sûr, nous dansons toujours ! Comment es-tu arrivée au coaching du bonheur? Pour moi, le coaching du bonheur est un développement personnel. J'entends le développement dans le sens de : "Développer" tout ce qui n'appartient pas à la personnalité naturelle, afin que la beauté de chaque personne soit à nouveau visible. Le noyau est toujours sain et beau, mais souvent emmailloté et caché. Les personnes qui croient en elles, qui s'aiment, qui utilisent leurs talents et leurs forces pour le bien de tous et qui sont heureuses, sont indispensables pour un monde meilleur. C'est pourquoi je commence par les écoles. Les enfants représentent l'avenir. Comment cela a-t-il influencé ton travail de pédagogue de la danse? Il a toujours été important pour moi que mes élèves sortent heureux de mes cours. Ces dernières années, j'ai placé le "bonheur" de plus en plus consciemment au centre de mes objectifs et de mes préoccupations. J'intègre également de plus en plus d'exercices de perception corporelle et de pleine conscience dans mes cours. J'essaie d'être toujours plus consciente de la valeur de mes élèves, de voir leurs progrès personnels et de ne pas les comparer. Je m'efforce de voir tout le monde et de les encourager là où ils en ont besoin. La danse t'a accompagnée toute ta vie, qu'est-ce qui te fascine encore? La danse est une chose merveilleuse. Ce qui me fascine le plus, c'est la manière dont elle nous affecte, nos sentiments et notre âme, comment elle peut nous rendre heureux ! Que ce soit en tant que spectatrice ou en tant que danseuse, la danse a pour moi, plus que tout autre chose, la capacité d'évoquer des sentiments et souvent aussi le bonheur. J'aime la danse parce qu'en dansant, le bonheur est toujours présent. La connexion est le mot magique. En dansant, je me sens parfois tellement bien connectée à moi-même, à l'espace, aux gens, à la musique et à l'univers. Seule la danse est capable de cela. Plus d'informations www.raum-für-glück.ch Foto: Rolf Siegenthaler Référence source: TVS / Sylvia Frauchiger 09/2022 Fotocredit: Rolf Siegenthaler Share
Corporéité & somatique DancePodGuest De l'amour de la danse, des distorsions de l'image corporelle & des troubles alimentaires Comment la danse peut-elle être utilisée comme un moyen de lutter contre la distorsion de l'image corporelle et les troubles alimentaires ? Gizella Erdös explique comment, grâce à sa longue expérience en tant que pédagogue de la danse et analyste du mouvement, elle aide les gens à renforcer leur image de soi par la danse et à combattre les troubles alimentaires. Pour Gizella Erdös, la pédagogie de la danse est aussi un mode de vie - depuis plus de 35 ans, elle enseigne avec passion la danse de caractère, notamment à l'école de ballet pour l'Opéra de Zurich et a créé des chorégraphies pour diverses productions. Dans ce podcast, elle parle de son amour pour la danse, des images du corps faussées et des déclencheurs possibles de troubles alimentaires, ainsi que de la manière de les contrer et de les gérer dans l'enseignement de la danse. Vers le podcast en suisse allemand: DancePodGuest - Gizella Erdös Service d'accueil en cas de troubles alimentaires Société Suisse de Troubles de l‘Alimentation SSTA Plus d'informations sur Gizella Erdös Référence source: TVS / Gizella Erdös 08/2022 Share
Dimensions sociales dans la danse Psychologie Danse et 'intimité - Intimacy Direction & Coordination Comment le thème de l'intimité peut-il changer le monde de la danse ? Emma Murray explique comment l'introduction de la direction et de l'Intimacy Direction and Coordination (TIE) dans la danse peut contribuer à créer un environnement respectueux et créatif dans lequel les danseuses et danseurs peuvent préserver leurs limites sans restreindre leur liberté artistique. Soliste au Royal New Zealand Ballet, elle a également dansé au Stadttheater de Berne. Parallèlement à son activité artistique et chorégraphique, elle enseigne dans différentes écoles de danse et compagnies. En 2020, elle a obtenu un Master in Performance Art Practice à la HKB Berne et suit actuellement une formation en Intimacy Direction & Coordination (TIE). Actuellement, tu suis une formation pour devenir "Intimacy Director & Coordinator (TIE)". Peux-tu nous en dire un peu plus sur ce domaine professionnel et nous expliquer comment tu en es arrivée à t'intéresser au thème de la danse et de l'intimité? Une collègue danseuse en Nouvelle-Zélande, qui a récemment terminé sa formation, a attiré mon attention sur les cours en ligne de gestion et de coordination de l'intimité. Les experts en intimité sont des chorégraphes et des intervenants auprès des acteurs. Dans les scènes impliquant de la nudité et/ou des contacts physiques intimes, ils servent de lien entre les acteurs et la production. Intimacy Direction se réfère au travail pour le théâtre ou la performance en direct, Intimacy Coordination au travail pour la télévision et le cinéma. Dans le secteur du cinéma et du théâtre, les directeurs et coordinateurs d'intimité sont depuis longtemps intégrés dans les processus de travail, où vois-tu un potentiel pour ce travail dans le domaine de la danse? Je pense que les pratiques basées sur le consentement, inhérentes au travail d'intimité, peuvent être très utiles pour les jeunes étudiants en danse et dans le domaine de l'enseignement de la danse en général. Le travail d'Intimacy aborde des questions importantes concernant les frontières et les interfaces entre les limites physiques, professionnelles, personnelles et culturelles. La communauté de la danse, plus large, ne peut que bénéficier des connaissances sur la manière de travailler de manière plus coopérative et créative à l'intérieur de ces frontières. Où vois-tu les plus grands obstacles ou défis? Dans la création de nouvelles normes au sein de la culture de la danse. Par exemple, établir que les danseurs avec lesquels on peut bien travailler sont des danseurs qui arrivent à l'heure, qui s'intègrent bien dans l'espace, mais qui savent aussi respecter leurs propres limites et articuler leurs besoins. En tant que danseuse, as-tu toi-même vécu des moments où tu t'es sentie mal à l'aise? Oui. Faire la différence entre l'inconfort et une limite, c'est quelque chose que je continue d'apprendre, à l'intérieur et à l'extérieur du studio de danse! Le contact physique fait partie intégrante de nombreux styles de danse, que ce soit dans la danse de couple, le contact impro ou sur scène, dans le domaine amateur ou professionnel, et chacun perçoit le toucher différemment. Quels aspects peuvent être transférés ou intégrés dans l'enseignement de la danse? En tant que pédagogue, metteur en scène ou chorégraphe, il est souvent difficile d'abandonner sa "position de pouvoir", mais on peut trouver des moyens de l'atténuer ou de l'affaiblir par des pratiques basées sur le consentement. Dans l'un des cours en ligne de TIE auquel j'ai participé, le consentement a été décrit comme un espace de respiration - pour pouvoir prendre des décisions conscientes et informées dans la salle de répétition. L'utilisation de questions ouvertes, par exemple, est une bonne façon de le faire, ou de se mettre d'accord sur un mot de pause. Au lieu de dire "non", ce qui peut sembler être un arrêt brutal et un défi dans un environnement collaboratif, le choix d'un mot ou d'un geste de remplacement peut permettre une pause ou un espace de respiration et de réflexion avant de poursuivre la conversation. Le rapport et la relation avec son propre corps est toujours un thème central dans tous les domaines de la danse. Comment ta relation avec ton corps a-t-elle évolué au fil des ans? Et par quoi cela a-t-il été influencé? Je considère de plus en plus comme un privilège d'avoir travaillé si longtemps avec le corps en mouvement. Malgré (ou à cause de ?) l'absence de sécurité, le temps que j'ai passé en tant que danseuse, enseignante ou chorégraphe à (re)penser par et sur le corps m'a permis d'acquérir une série de compétences précieuses qui contribuent à une vie de qualité. C'est justement dans le domaine de l'intimité que la communication est de la plus grande importance. Quel est le rôle de la langue dans ce contexte? J'ai été surprise de découvrir à quel point le travail de guidage et de coordination de l'intimité repose sur des outils chorégraphiques. La danse et le travail sur l'intimité partagent un vocabulaire similaire pour la gestion des mouvements. Un vocabulaire qui décrit par exemple les différents niveaux de contact ou la distance qui s'agrandit ou se réduit entre les différentes parties du corps ou les corps. Le langage est concis et codifié et vise à ne pas être surchargé ou sexualisé. Par conséquent, on n'attend pas des interprètes qu'ils créent une "chimie" ou "une certaine forme de magie" lors de la représentation de scènes intimes. Ce langage allégé, utilisé pour la chorégraphie de moments intimes ou de mouvements directs, permet aux danseurs et aux acteurs d'agir librement et de rester dans des limites claires pendant les répétitions. Comment l'étude approfondie de cette thématique a-t-elle influencé ton propre travail artistique et pédagogique? Je suis enthousiaste à l'idée que ce travail s'intègre à ma pratique d'enseignement - tout en apprenant davantage et en me qualifiant. Je veux vraiment contribuer à partager les piliers de la gestion et de la coordination de l'intimité avec le champ professionnel de la danse. Non pas pour restreindre ou censurer l'expression créative, mais pour améliorer sa qualité en donnant du pouvoir à ceux qui sont responsables de la création et de l'interprétation! Que souhaites-tu pour la danse? Les positions de pouvoir et la perception de la rareté du travail (gig economy) conduisent souvent les danseurs et les professionnels de la danse à un mode de survie qui peut inhiber leur pensée créative et cognitive et éventuellement avoir un impact sur les questions liées au consentement. J'aimerais que le studio de danse soit un lieu d'habilitation et d'autonomisation pour tous ceux qui y travaillent. Plus d'informations sur Emma Murray www.emmamurray.ch Informations sur le thème Intimacy Direction & Coordination www.theatricalintimacyed.com Chorégraphie : Emma Murray Référence source: TVS / Emma Murray 08/2022 Fotocredit: Nicole Pfister Share
Dimensions sociales dans la danse Social "manntanzt" - les hommes tapent juste du pied... Tina Mantel, avec « manntanzt », favorise l’accès des hommes à la danse artistique et souhaite réduire les barrières spécifiques liées au genre. Selon elle, comment peut-on ouvrir davantage le domaine de la danse aux hommes et maintenir durablement leur enthousiasme pour cette discipline ? En 2021, elle a lancé le festival de danse Tanzmehr Bühne miteinanderes. Elle est membre du comité directeur de TanzLOBBY IG Tanz Zürich et soutient en tant que coach les professionnels de la danse dans leur parcours personnel. Tu es chorégraphe, créatrice et chercheuse de la danse et tu travailles depuis de nombreuses années dans le domaine de la ‘community dance’ artistique. Peux-tu nous en dire un peu plus sur ce domaine? L'enseignement a toujours fait partie de mon activité, je ne veux pas seulement faire vivre la danse comme une forme d'art auprès des professionnels, mais aussi auprès des personnes dansant de manière non professionnelle, aussi bien les enfants que les personnes âgées. Le travail artistique sur des projets avec de tels groupes a commencé avec "manntanzt". Dans le cadre de la ‘community dance’ artistique’, nous travaillons en tant que professionnels de la danse avec ce que l'on appelle des "experts de la vie", c'est-à-dire des personnes qui apportent toute leur biographie, leurs faiblesses et leurs forces dans le processus artistique, par le biais du mouvement. Ce qui m'intéresse, c'est de redécouvrir sans cesse comment le mouvement devient "danse" - et ce que c'est exactement pour moi. Les amateurs ne sont en général pas porteurs de modèles de mouvements de danse, ils abordent les tâches différemment des danseurs professionnels La découverte et l'authenticité y sont pour beaucoup. Je trouve toujours magique de développer avec eux une poésie de l'expression dansée. En 2012, tu as créé "manntanzt". De quoi s'agit-il exactement?* A l'époque, j'avais organisé le premier cours de bachelor en danse contemporaine à la ZHdK et, lors des examens d'admission, j'ai pu constater une fois de plus à quel point il y a peu d'hommes qui dansent en Suisse. Sur une cinquantaine de candidatures, il y avait à peine trois hommes, et nous avons pu en accepter un seul. Lorsque le cours a été interrompu pour des raisons politiques, je n'ai pas pu m'empêcher de me demander pourquoi, dans notre culture occidentale, les hommes n'ont guère accès à la danse artistique. C'est ainsi qu'est née l'idée de réaliser un projet sur ce thème, justement "manntanzt". Il n'était prévu que sous forme d'atelier, mais avec le metteur en scène Roger Nydegger, nous avons créé une production qui a duré toute une soirée et qui a enthousiasmé tout le monde. Par la suite, j'ai proposé aux hommes participants - ils étaient 13 - d'organiser un entraînement de danse régulier pour eux. Depuis lors, quatre productions complètes et trois productions plus courtes ont vu le jour et l'entraînement se poursuit sans interruption, même si le nombre de participants varie. En tant que femme, qu'est-ce qui te pousse à développer un format de danse spécialement pour les hommes ? Peut-être que pour les danseurs professionnels, il est tellement évident qu'il y a peu d'hommes dans les offres de danse qu'ils n'y pensent pas. Au début, je trouvais important de travailler avec un homme sur une production. Aujourd'hui, je sais que ce n'est pas nécessaire. Avec un homme à la tête, il y aurait peut-être des sentiments de concurrence ou des comportements de type Alpha. Nous sommes maintenant une équipe exclusivement féminine pour les répétitions avec Delia Dahinden (mise en scène) et Antje Brückner (lumière) et cela fonctionne très bien. En fin de compte, il s'agit d'un projet féministe visant à faciliter l'accès des hommes à la danse artistique. Tout comme jouer au football est devenu une évidence pour les filles, je souhaite que les garçons et les hommes puissent se tourner vers la danse sans avoir à supporter les préjugés méprisants de leur entourage. Comment peut-on s'imaginer concrètement une leçon ou un atelier de "manntanzt"? Le contenu de l'entraînement du lundi n'est pas différent d'une offre destinée à un groupe mixte. Peut-être que j'utilise parfois d'autres images ou morceaux de musique, mais ce sont des détails. Le plus important, c'est que les hommes se retrouvent entre pairs et qu'ils puissent exprimer leur intérêt pour la danse. Dans les groupes mixtes, ils sont en effet les exotiques, ce que beaucoup n'apprécient pas. Durant la première heure, je propose un entraînement corporel pour la conscience, la force, la flexibilité et la coordination, basé sur la danse contemporaine et la technique de José Limon. Dans la deuxième partie, nous improvisons avec des thèmes variés, seuls, à deux ou en groupe. Ici, c'est l'aspect créatif qui est au premier plan. Pour l'expérience personnelle à proprement parler, il existe d'autres offres. Les ‘Jubiläums Workshops’ durent une journée et reprennent chacun le thème d'une pièce de "manntanzt". Lors du premier atelier, il est question, comme dans la production de 2012, des inhibitions mais aussi des désirs que les hommes associent à la danse. D'autres thèmes seront les pionniers hommes de l'histoire de la danse, la proximité et la distance entre les hommes ou la question d'un héroïsme contemporain. Quels sont les défis que tu rencontres dans ton travail? Le plus grand défi est toujours de trouver des hommes intéressés par la danse et qui apprécient mon offre. Les hommes qui participent à une production font souvent une pause après cette phase chronophage. Les jeunes hommes semblent ne plus pouvoir se libérer pour la danse lorsqu'ils deviennent pères. Les hommes plus âgés finissent par trouver les défis physiques trop importants. Il y a donc toujours des changements, mais il est agréable de constater que de nombreux hommes restent en moyenne environ 4 ans. De quels moments et expériences de "manntanzt" te souviens-tu particulièrement bien? Lorsqu'un homme apprend quelque chose de nouveau sur lui-même par la danse et qu'il se sent mieux dans son corps, c'est un cadeau. Découvrir à chaque fois l'ouverture d'esprit, l'énergie et la créativité des hommes à l'entraînement est pour moi une source d'épanouissement. Et dans chaque pièce, il y a eu des moments drôles, esthétiquement beaux et émotionnellement touchants. Par exemple, la fin de "Von Mann zu Mann zu Mann", lorsque les danseurs se tiennent en ligne, dos au public, et tendent timidement leurs mains l'un vers l'autre avant de les laisser retomber. Cela m'a ému à chaque fois et j'ai trouvé très beau de reconnaître ce sentiment dans le public. Tu t'es également penchée sur la question sur le plan scientifique et as écrit un travail sur ce thème à l'université de Berne : "manntanzt - how male dancers destabilize gender roles". La relation entre la danse et la masculinité semble, surtout dans la culture occidentale, être encore entachée de certains préjugés. Je connais différentes approches. D'une part, à un niveau historico-culturel: Le corps masculin a connu une évolution historique au cours des deux derniers siècles. Dans les temps préhistoriques, ce sont presque exclusivement des hommes qui dansaient, même Louis XIV a reçu son surnom de "Roi Soleil" d'un rôle principal dans un ballet. Mais le danseur masculin a pratiquement disparu des scènes de théâtre occidentales au 19e siècle, à l'époque du ballet romantique et du culte des ballerines. De même, le nu masculin a disparu de la peinture et de la sculpture, et les vêtements masculins ont connu un understatement uniforme avec l'introduction du costume noir. Les hommes sont devenus quasiment invisibles alors qu'ils représentent le regard normatif des sociétés patriarcales. C'est pourquoi les hommes sur scène sont dans une position précaire lorsqu'ils mettent leur corps sous les projecteurs en tant que danseurs. En effet, le regard masculin hétérosexuel ne doit pas, par définition, s'intéresser au spectacle du corps masculin dansant, sous peine de déclencher des réactions homoérotiques inconscientes ou conscientes, qui provoquent à leur tour des réactions homophobes. A un niveau plus individuel, la conscience du contrôle dans nos sociétés d'Europe centrale et du Nord se frotte à la danse. Les hommes, en particulier, apprennent encore qu'un vrai homme contrôle ses émotions et discipline son corps. La danse est toujours une perte de contrôle, en dansant nous nous soustrayons à la pensée rationnelle, ce qui est plus difficile pour les hommes que pour les femmes. L'Église a également contribué à ce que la danse soit considérée comme une forme d'art inférieure, voire inexistante. En revanche, la danse a une tout autre signification pour les hommes dans les sociétés du Sud ou d'Europe de l'Est. Là où la danse folklorique est une partie activement vécue de la culture, les hommes trouvent plus naturel de danser, comme hobby ou comme profession. Quelle est l'attitude qui sous-tend ton travail artistique et pédagogique? Je peux peut-être résumer cela ainsi : Le respect et la curiosité pour les personnes qui dansent d'une part, et le partage de ma grande passion pour la danse contemporaine en tant que forme d'expression créative. Comment ton travail dans le domaine de la community dance a-t-il changé ou influencé ta vision de la danse? La perfection ne m'intéresse plus, je peux apprécier les performances techniques de la danse mais elles m'enthousiasment rarement. Et la communication avec le public est devenue de plus en plus importante pour moi. Je veux toucher les gens et ne pas les voir désemparés devant une pièce de danse. Avec la première production de "manntanzt", j'ai découvert que ces hommes sur scène, qui ressemblent au frère, au père ou au voisin, interpellent et touchent directement les spectateurs. Parce que l'identification est plus évidente qu'avec des danseurs professionnels, virtuoses et bien entraînés. Mais que j'apprécie aussi beaucoup ! Qu'est-ce qui te motive dans ton travail? Quelle est ta source d'inspiration? J'espère l'avoir déjà exprimé : j'aime la danse et je souhaite donc la rendre accessible au plus grand nombre de personnes possible, qu'elles dansent elles-mêmes, se produisent ou regardent des productions. La danse souffre entre autres du fait que tout le monde pense savoir ce que c'est, mais que chaque personne y voit quelque chose de différent. La danse peut être une pratique sociale lors de fêtes et de célébrations, elle peut être un sport, elle est utilisée à des fins commerciales dans la publicité ou les clips musicaux, et elle peut aussi être une forme d'art. Et là aussi, il existe un large éventail allant du ballet classique à la danse conceptuelle. En savoir plus sur la danse permet d'y accéder plus facilement. C'est ce qui me motive. La danse reste encore et toujours la source de mon inspiration - je ne me sens jamais aussi vivante que lorsque je danse et j'espère que ce sera le cas encore longtemps. Cette année, manntanzt fête son dixième anniversaire. Comment cela va-t-il continuer et quels sont tes souhaits et tes visions pour les dix prochaines années? Je souhaite qu'il y ait des satellites manntanzt dans différentes villes - des offres de danse différentes qui s'adressent aux hommes et aux garçons. J'aimerais moi-même monter encore quelques productions avec des hommes sur scène et trouver ensuite une relève, afin que le travail continue, même si un jour je n'ai plus l'énergie pour cela. A court terme, je souhaite avant tout qu'un nombre suffisant d'hommes intéressés s'inscrivent pour pouvoir organiser les ateliers à Winterthour, Bâle, Berne et Lucerne ! Quels conseils donnerais-tu aux écoles de danse, aux professeurs de danse et aux hommes qui aiment danser, en ce qui concerne l'accessibilité de la danse à tous les genres? Je recommande vivement de mettre en place des offres réservées aux garçons, aux jeunes hommes et aux hommes, dirigées par des professionnels de la danse masculins et féminins. Au début, il peut s'agir d'ateliers ou de projets à court terme. Il est plus facile pour les hommes de s'engager pour une durée limitée et un objectif clair que pour un cours régulier. Dans les groupes mixtes, les besoins des hommes et des femmes pourraient être abordés et, le cas échéant, on pourrait les faire travailler sur quelque chose en séparant les sexes. Chez les enfants en particulier, l'enthousiasme de nombreuses filles pour les petites robes roses est plutôt dissuasif pour les garçons - et aussi pour certaines filles. Je souhaite aux hommes qui aiment danser de trouver une offre qui leur convienne et d'avoir le courage de l'essayer ! Et de ne pas se laisser décourager s'ils sont les seuls hommes. Pour plus d'informations: manntanzt - Tina Mantel Lien vidéo: manntanzt Informations sur les Jubiläumsworkshops Lire ici le travail en anglais “manntanzt - how male dancers destabilize gender roles” Les médias sociaux : @manntanzt sur Facebook et Instagram Crédit photo : Roman Bernhard Référence source: TVS / Tina Mantel 06/2022 Fotocredit: Roman Bernhard Share
Motivation & développement Psychologie IADMS - Ressource Paper pour les danseurs et danseuses ainsi que pour les pédagogues de la danse: perfectionnisme Dans les critiques de journaux, les mots "parfait" ou "impeccable" sont souvent utilisés pour indiquer que quelque chose de remarquable s'est produit lors d'une représentation de danse. Mais la perfection ou l'excellence est-elle plus préférable ? Y a-t-il une différence entre les deux, et si oui, en quoi cela peut-il consister pour les danseurs et pour ceux qui sont chargés de le leur enseigner ? La psychologue Harriet Braiker disait: "La recherche de l'excellence motive, la recherche de la perfection démoralise". Sans doute en reconnaissance du fait qu'un danseur ou une danseuse doit viser haut et travailler dur avant de pouvoir réaliser une bonne performance, les pédagogues essaient parfois d'inspirer les élèves à la perfection. Cet article décrit d'abord les idées actuelles sur le perfectionnisme, y compris ses aspects positifs et négatifs. Il présente ensuite un aperçu des recherches pertinentes sur les relations entre le perfectionnisme et un certain nombre d'indicateurs de bien-être et de mal-être ou de pathologies. L'article aborde également la question du perfectionnisme parmi les pédagogues de la danse, les élèves et les danseurs et se termine par des recommandations pour la pratique. L'article a été rédigé par Sanna Nordin-Bates en collaboration avec le IADMS Dance Educators’ Committee en 2014. Lire ici l'article complet de l'IADMS en anglais Perfectionism - Ressource Paper for Dancer and Teachers Vous trouverez ici de nombreuses autres ressources et informations passionnantes IADMS - International Association for Dance Medicine and Science Référence source: IADMS - Dance Educators’ Committee (2014) Share
Dimensions sociales dans la danse Dance Science In y/our Shoes - The Role of Empathy in Coaching Dancers Ilana Werner consacre son travail à l'étude de l'empathie dans le coaching de la danse et met en lumière la relation profonde entre les danseuses et danseurs et leurs professeur·e·s. Quelle importance accorde-t-elle à l'empathie dans le processus créatif et quelles sont les conséquences de son absence sur le développement des œuvres chorégraphiques ? Dans le cadre de son Travail de Master, Ilana Werner s'est penchée sur le thème de l'empathie dans le domaine du coaching et a mis en lumière la relation et l'interaction entre les danseurs et les pédagogues de la danse, les professeurs de ballet et les directeurs de répétition. Dans le cadre d'une table ronde, elle s'entretient avec trois experts chevronnés au sujet de la beauté de ce travail, du rôle de l'empathie dans le processus de travail et d'apprentissage, mais aussi des difficultés et des défis, ainsi que des conséquences désastreuses résultant d'un manque d'empathie. Ilana Werner a passé 12 ans de sa carrière comme première soliste au Bayerisches Staatsballett de Munich, puis a dansé au Ballet du Capitole de Toulouse et au Ballet national hongrois de Budapest. En 2021, elle a obtenu son Master of Arts in Teaching and Coaching Dancers à la ZHdK de Zurich. Elle intervient au niveau international en tant que coach invitée dans des écoles et des compagnies et a été maîtresse de ballet au Tanz Luzerner Theater. Elle est traductrice certifiée et travaille désormais également dans la prévention des fraudes pour une entreprise de crédit renommée. Vous pouvez lire ici son Travail de Master en anglais In y/our Shoes - The Role of Empathy in Coaching Dancers Lien Vidéo In y/our Shoes Référence source: MAS Thesis Ilana Werner, ZHdK (2021) Share
Entraînement & apprentissage DancePodGuest Fit 4 performing arts Angélique Keller combine son expertise en sciences du sport et en danse pour accompagner les danseuses et les danseurs dans tous les aspects de leur vie, de la prévention au retour sur scène. À quoi ressemble son travail et quels sont les aspects essentiels d’un entraînement durable et de la santé à long terme des danseurs ? En 2018, elle a fondé fit4performingarts Angélique Keller, une activité qui s'adresse aux danseurs et danseuses de tous horizons, aux pédagogues et aux institutions de danse. Elle propose des check-ups, des programmes de condition physique, de prévention et de retour au travail, des consultations ainsi que des ateliers et des conférences sur la science de la danse. Par ailleurs, Angélique s'intéresse de près à la Spiraldynamique et aux différentes formes de mouvement. Elle a notamment conçu des programmes de condition physique pour le Ballet de Zurich, le Landestheater Ballett Salzburg et le Ballet de Leipzig. Dans le deuxième épisode de DancePodGuest, Angélique parle de son travail avec les danseurs et danseuses, de leur motivation et de leurs objectifs, ainsi que d'un entraînement sain et durable, tant pour les amateurs que pour les professionnels, dans toutes les disciplines de la danse. Elle s'intéresse également à différents mythes sur l'entraînement, souligne l'importance des phases de repos conscientes et parle de son étude d'intervention sur la force de saut pliométrique, qu'elle a menée dans le cadre de ses études MAS avec le Ballet de Zurich. Écoutez ici l'interview complète en allemand DancePodGuest - "fit 4 performing arts" Vous trouverez de plus amples informations auprès d'Angélique Keller sur www.fit4performingarts.ch Référence source: TVS / Angélique Keller 05/2022 Share
Entraînement & apprentissage Pédagogie Le tango rencontre la Science de la danse Annatina Luck, danseuse et pédagogue de tango, associe sa longue expérience de la danse à la recherche scientifique pour comprendre l’impact du tango sur la qualité de vie et la santé. Comment notre compréhension de la danse évolue-t-elle lorsqu’elle est examinée à travers le prisme de la science, et comment ce changement de perspective peut-il révolutionner la pratique pédagogique ? Le mouvement a toujours été ta passion. Tu as suivi ta formation de danseuse contemporaine à l'Université des Arts d'Amsterdam et à l'Alvin Ailey School de New York, comment en es-tu venue au tango? Après ma formation de quatre ans à New York, il était clair pour moi que je voulais vivre là-bas. Après avoir obtenu une green card, plus rien ne me barrait la route. Pendant près de 20 ans, cette ville a été mon chez-moi et j'ai dansé, chorégraphié et enseigné la danse moderne. Lors d'un spectacle nocturne au "Steps on Broadway", où je présentais mes chorégraphies, j'ai vu pour la première fois une performance de tango. J'étais tellement fascinée que j'ai pris ma première leçon de tango dès le lendemain et à partir de là, j'ai su que c'était mon avenir. Depuis des années, tu enseignes aussi bien dans ta propre école qu'en tant que professeur invité en Suisse et à l'étranger. Quelle est l'attitude qui sous-tend ton activité pédagogique? La personne, l'élève, est toujours au premier plan. J'adapte toujours le contenu des leçons aux besoins des élèves. Il faut de la flexibilité et de la créativité, car ce n'est qu'en comprenant l'individu que le tango peut être transmis dans son intégralité. Mon enseignement suit les principes du tango argentin traditionnel et il est important pour moi que les élèves puissent apprendre dans un environnement sûr. Je veille à ce que l'atmosphère reste détendue et décontractée malgré les contenus exigeants. En 2021, tu as obtenu l'une des bourses TAS pour suivre le CAS "Dance Science : Health & Performance" à l'université de Berne. Qu'est-ce qui t'a motivé à entreprendre ces études? Cela peut paraître amusant, mais c'est en premier lieu le Dr Derrick Brown ! En 1992, il était mon professeur à l'Université des Arts d'Amsterdam, où j'ai suivi ma formation de danseuse. À l'époque, comme aujourd'hui, il était pour moi une source d'inspiration. Lorsque j'ai commencé à m'intéresser aux études et que j'ai vu qu'il était répertorié comme directeur d'études et professeur, j'étais certaine que ces études me permettraient de progresser. De plus, mon partenaire, lui-même scientifique, m'a également encouragée. Comment as-tu réussi à concilier tes études et ta vie professionnelle? Au début, c'était un défi, car en plus de mon travail et de mes études, j'ai une fille de deux ans. Mais comme pour beaucoup de choses dans la vie, si on y prend du plaisir et que la motivation est là, on peut concilier beaucoup de choses. Le Dr Andrea Schärli, directrice des études du MAS/CAS Dance Science, m'a assuré dès le début qu'elle avait beaucoup de compréhension pour les différentes circonstances et qu'il y avait une certaine flexibilité dans les études. Dans le cadre de ta formation continue CAS, tu as rédigé une étude : "Can Tango Improve the Quality of Life in Non-Professional Dancers" et tu t'es demandé si et comment le tango pouvait améliorer la qualité de vie des danseurs et danseuses non professionnels ? Peux-tu nous en dire un peu plus à ce sujet? En tant que danseuse de tango professionnelle, le sujet m'intéressait naturellement et de nombreux facteurs que j'avais perçus intuitivement se sont confirmés lors de mes recherches sur le sujet. Il est prouvé que les avantages du tango sont vastes. Des études ont montré que le tango peut réduire la dépression et le stress, favoriser une plus grande prise de conscience et influencer positivement la fonctionnalité psychologique. En outre, le tango peut réduire le risque de chute chez les personnes âgées et améliorer la santé cardiovasculaire. On a accordé une attention particulière à la question de savoir comment la danse tango et la musique peuvent influencer les processus cognitifs et les activités corticales. Mais il reste encore beaucoup à explorer pour pouvoir comprendre plus précisément ces relations et ces influences. Tu es toi-même danseuse et enseignante de tango depuis des années, comment l'étude scientifique de ce thème a-t-elle influencé ton travail pédagogique? J'ai appris à m'exprimer de manière plus nuancée et plus précise en classe. J'ai une meilleure compréhension du comment et du pourquoi des choses, ce qui rend les explications aux élèves plus concrètes. Je comprends beaucoup mieux les raisons et cela me permet de mieux soutenir les élèves. Je vois beaucoup de choses qui peuvent être améliorées dans l'enseignement en tant que pédagogue et aussi en ce qui me concerne en tant que danseuse. Cela touche différents domaines que nous avons étudiés, comme l'anatomie, la prévention des blessures, l'apprentissage de la motricité, l'enseignement pour différents groupes d'âge, la psychologie et bien d'autres choses encore. Je suis sûre qu'il y aura encore beaucoup de choses intéressantes, je ne suis qu'en deuxième année d'études. Quels conseils donnerais-tu aux futurs boursiers? Je ne peux que recommander cette formation. Bien sûr, cela dépend toujours du parcours de chacun, mais j'avais peu d'expérience de l'approche scientifique en raison de ma passion pour la danse. Cela m'a ouvert l'esprit et je vois des moyens de mettre la théorie en pratique. Quand tu regardes en arrière, quelles expériences avec et dans la danse t'ont particulièrement marqué? Quelles ont été pour toi les plus belles expériences de danse? En danse, ce qui m'a le plus marqué, c'est le fait de surmonter les défis, de ne pas abandonner et d'avoir du plaisir à apprendre. La discipline, la camaraderie, la capacité d'apprendre des mouvements complexes et d'être créatif peuvent être appliqués dans presque tous les domaines de la vie en dehors de la danse. Il y a eu beaucoup de belles expériences de danse en cours, sur scène, en tournée, mais ce qui restera finalement pour toujours et qui est pour moi le plus beau, ce sont les amitiés qui en sont nées. De quoi te nourris-tu, qu'est-ce qui t'inspire dans ton travail? Les sources d'inspiration sont nombreuses : d'une part, apprendre moi-même de nouvelles choses, d'autre part, me réjouir des progrès des autres et surtout, découvrir sans cesse de nouvelles voies. Après plus de 20 ans, depuis que j'ai pris mon premier cours de tango, je n'ai jamais cessé d'apprendre. Plus d'informations sur Annatina Luck Vous trouverez ici des informations sur les bourses TVS Référence source: TVS / Annatina Luck 05/2022 Fotocredit: Leon Le Photography Share
Entraînement & apprentissage Pédagogie Contemporary Approaches to Dance Pedagogy - Etude bibliographique sur les approches actuelles de la pédagogie de la danse La pédagogie de la danse a évolué d'un modèle traditionnel basé sur l'imitation en une approche dynamique et holistique qui combine différentes méthodes et outils pour inspirer les élèves. Comment les nouvelles technologies, l'approche somatique et une focalisation multiculturelle influencent-elles l'avenir de la pédagogie de la danse et la façon dont nous apprenons et expérimentons la danse ? Alors que dans le modèle de transmission traditionnel, les élèves apprenaient principalement par imitation certains modèles de mouvements et du vocabulaire donnés par un enseignant expérimenté, de nombreux pédagogues de la danse utilisent aujourd'hui un large éventail de stratégies, méthodes et outils d'enseignement pour motiver et enthousiasmer leurs élèves. Anu Sööt (docteur en philosophie) est maître de conférences à l'université de Tartu en Estonie. Dans cet article, elle partage les conclusions et les résultats d'une étude bibliographique sur les tendances générales de développement et les défis de l'enseignement de la danse contemporaine. Sur la base de la recherche documentaire, sept thèmes principaux ont été identifiés et sont expliqués plus en détail dans l'article : Le modèle holistique de la pédagogie de la danse L'autorégulation et la réflexion dans l'apprentissage L'approche somatique La danse en tant que forme artistique en relation avec la pédagogie de la danse Les formes de collaboration entre différentes formes d'art Le rôle des nouvelles technologies et des médias de masse dans la pédagogie de la danse L'approche multiculturelle, le genre et la sexualité Lire l'article original en anglais ici Contemporary Approaches to Dance Pedagogy Référence source: Anu Sööt et al. (2014) Share
Planification pédagogique DancePodGuest Enseigner la danse avec cœur et engagement « Nous, les professionnels de la danse, pouvons être des pionniers dans le développement humain. » Marianne Kaiser, pédagogue de danse et fondatrice de la KAISER TANZSCHULE à Zurich, partage sa philosophie unique selon laquelle la danse est un voyage commun de découverte, où chaque moment a sa signification. Comment le développement de sa méthode Tai Chi Tango a-t-il révolutionné sa vision de la danse et de l’apprentissage, et que pouvons-nous tirer de sa passion pour le mouvement et la pleine conscience ? Dans le premier épisode du podcast DancePodGuest, Marianne Kaiser raconte comment elle est venue à la danse, ce qui l'inspire et la motive dans son travail pédagogique, quels sont les points forts et les écueils qu'elle a rencontrés et comment elle en est venue à développer sa propre méthode de Tai Chi Tango. Écoutez ici l'interview complète en podcast en allemand DancePodGuest - une interview avec Marianne Kaiser. Teaser Qu'est-ce qui t'inspire dans ton travail? Nous, les professionnels de la danse, pouvons ouvrir la voie à des développements chez l'être humain. On procède de manière ludique, mais derrière, il y a la profondeur et la prise de conscience que chaque moment est important et unique. Dans la méditation zen on dit à la fin de la journée: "Soyez toujours attentifs, ne vous laissez jamais aller! Si l'on considère les élèves comme des invités, ils sont une source d'inspiration. Chaque rencontre devient à chaque instant un voyage commun, un voyage de découverte. Quelles ont été tes plus belles expériences? Ce qui a toujours été GRAND pour moi, c'est de former de jeunes couples de débutants, au fil des années, cela représente plus de 5000 couples de débutants, environ 5000 jeunes en tout, pour monter sur la scène sociale dans leurs habits de fête et de les laisser partir ensuite. J'apprécie également de voir un sourire détendu sur le visage des élèves lors de mon premier cours ou alors si je vois des larmes sur un visage lors de mon TAI CHI TANGO. Quelle est, selon toi, la mission d'un professeur de danse? Donner du plaisir. L'apprentissage doit être plaisant et indolore. On porte aussi une grande responsabilité. On peut ouvrir des mondes aux gens. La danse doit devenir un moyen de grandir extérieurement et intérieurement. Comment vois-tu le lien entre l'enseignant et les élèves? Il y a X années, un professeur de danse allemand a dit lors d'un congrès : "Aime tes élèves". C'est beau quand on rayonne vraiment de cela ! D'un point de vue didactique et pédagogique, il faut toujours se demander s'il n'y aurait pas de meilleures méthodes. Il ne faut jamais être trop sûr de sa propre didactique et de sa pédagogie. Qu'est-ce qui est important pour toi quand tu donnes un feedback? Féliciter, féliciter et motiver très fort en disant que l'on pourrait faire les choses "encore un peu différemment". Qu'as-tu appris toi-même grâce à ton activité pédagogique? Moshe Feldenkrais m'a appris à apprendre. J'essaie toujours de le faire par le biais de mes élèves et en leur accordant la meilleure attention possible. Qu'est-ce qui te fascine dans le style de danse que tu enseignes? Actuellement, je développe mon TAI CHI TANGO. Je cherchais depuis longtemps une forme de méditation forte dans la danse. Ma forme de TAI CHI a été développée par un danseur. Son esprit et ma propre Son esprit et ma propre sensibilité à la danse me guident. Des mots de sagesse? De sagesse? Pour l'amour du ciel. Non, la danse n'est pas la sérénité, mais la joie de vivre spontanée! Être sans "words", sans dogmes et sans idées préconçues - en être libéré! Vous trouverez de plus amples informations sur www.kaisertanz.ch Référence source: TVS / Marianne Kaiser 03/2022 Share
Entraînement & apprentissage Médecine connectivedance - Fascias & danse Lisa Lareida est danseuse, chorégraphe, pédagogue de la danse et neuro-orthopédiste. Elle a récemment terminé son master à la ZHdK de Zurich dans le domaine suivant : Teaching and Coaching Dance Professionals. Elle s'est penchée dans son travail de fin d'études sur le lien entre les fascias et la danse. Dans l'interview de TAS, elle parle du principe de connectivedance et de la manière dont la connaissance des fascias peut enrichir l'enseignement de la danse. Vous êtes créatrice de danse, chorégraphe et enseignante de danse. Comment es-tu venue à la danse? Qu'est-ce qui te fascine dans la danse et le mouvement? Enfant déjà, je bougeais beaucoup et je faisais beaucoup de sport. Dès qu'il y avait de la musique, je dansais et chantais. D'aussi loin que je me souvienne, j'ai toujours suivi cette impulsion intérieure, qui est pour moi l'une des choses les plus naturelles au monde. La particularité de la danse est la combinaison de mouvements variés et de musicalité. Je n'ai trouvé cette infinie diversité nulle part ailleurs que dans la danse. Le mouvement est un (mon) élixir de vie, mon équilibre et me permet de me sentir moi-même, en me procurant de la joie et en me reliant aux autres. Outre la danse, vous êtes également orthopédiste de formation et titulaire d'un master en neuro-orthopédie. Comment votre parcours médical a-t-il influencé votre approche de la danse et du mouvement? Y a-t-il des liens entre les deux? La danse, tout comme mon goût pour l'artisanat, fait partie de moi depuis ma plus tendre enfance. J'ai réalisé très tôt que le temps passé sur les bancs d'école prendrait fin pour moi après les neuf années obligatoires et j'ai décidé de faire un apprentissage d'orthopédiste. Pendant cet apprentissage, j'ai découvert un autre domaine d'intérêt qui m'accompagne depuis toujours et qui a marqué mon parcours. Mon travail d'orthopédiste m'a permis de développer ma compréhension du corps humain dans le domaine médical et de l'élargir pendant ma formation de master en neuro-orthopédie. Parallèlement, mon travail m'a permis de laisser libre cours à ma créativité manuelle et de travailler avec des personnes en tenant compte de leur individualité. Parallèlement, j'ai continué à me consacrer intensivement à la danse. Je pense que c'est la combinaison de tous ces domaines qui a durablement marqué mon intérêt pour une approche globale du mouvement. Quelle est l'attitude qui sous-tend votre travail de pédagogie de la danse? La durabilité, et ce à plusieurs niveaux. En tant que danseuse, je suis soumise à une certaine pression de créativité. La créativité est quelque chose qui ne peut pas être forcée, mais qui naît. J'ai remarqué que je tenais beaucoup à un échange d'égal à égal avec mes élèves. Ils ne sont pas les seuls à apprendre quelque chose de moi, non, j'apprends beaucoup d'eux. J'aime les questions, les difficultés et les processus qui surgissent au cours d'une leçon. Ils éveillent ma curiosité et suscitent ainsi la créativité de manière naturelle. Le mouvement en soi est également essentiel pour moi. Je réfléchis beaucoup à la manière, au lieu et au moment où un mouvement peut être utile en classe. Chaque personne a un rapport individuel au mouvement et les mouvements ont des effets différents sur les différents corps. Je suis fascinée par la découverte de ce qui se passe exactement dans le corps et par l'effet d'un mouvement sur un organisme, une humeur et, dans l'ensemble, sur le ressenti corporel. Mon parcours professionnel me fournit les données pédagogiques et chorégraphiques ainsi que les connaissances médicales. Ainsi, mes expériences s'entremêlent pour former une approche globale et une méthode d'enseignement qui me permettent de danser et d'apprendre durablement avec mes élèves. Vous avez récemment terminé votre Master Teaching and Coaching Dance Professionals à la ZHdK de Zurich et vous avez consacré votre travail de fin d'études au lien entre les fascias et la danse. Ce thème semble être actuellement sur toutes les lèvres, mais il s'agit encore d'un domaine de recherche relativement récent, notamment en ce qui concerne la danse. Comment en êtes-vous venue à vous intéresser à ce sujet? A l'âge de vingt ans, je me suis beaucoup intéressée à la posture et aux déséquilibres musculaires du corps. Suite à ma scoliose, j'ai découvert la thérapie Rolfing, qui travaille depuis longtemps sur les fascias. La première fois que j'ai suivi une thérapie, j'ai eu l'impression que mon corps était équilibré. À partir de ce moment, j'ai pris conscience de l'immense importance des fascias. Au cours des années suivantes, j'ai réalisé à quel point la danse, dans sa diversité de mouvements, de processus de perception et d'adaptation, était efficace pour les fascias. Je me suis intéressée à la qualité du mouvement, car elle détermine l'effet sur les fascias et le corps. Quel mouvement agit comment et pourquoi ? Comment la danse peut-elle à la fois renforcer, équilibrer et nourrir le corps, même à haute intensité ? C'est à travers le prisme de mon parcours interdisciplinaire et en me concentrant sur les structures fasciales que j'affine depuis ma compréhension de la danse. En ce sens, ce sont les fascias qui m'ont permis de voir comment mes différents domaines d'intérêt pouvaient être mis en relation. Comment cela a-t-il influencé votre perception du corps et comment s'est-il répercuté sur votre travail pédagogique? Chaque corps a des besoins individuels. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Dans ce sens, je considère qu'il est de ma responsabilité d'offrir à mes élèves une multitude de possibilités de découvrir leur propre chemin afin d'expérimenter la qualité d'un mouvement. C'est pourquoi je travaille moins sur la forme et plus sur l'intention d'un mouvement. Cette approche m'ouvre également une multitude de possibilités dont l'exploration éveille mon intérêt. Pour moi, la beauté de la danse ne consiste pas à forcer l'individualité dans une forme, mais à trouver une forme à partir de son propre corps et de sa qualité. J'intègre cette attitude dans mon enseignement physiquement intensif en créant, outre des exercices et des séquences, des improvisations ainsi que des moments de recherche de mouvements. Ceux-ci permettent de rechercher l'origine de la qualité du mouvement. Ceux qui pratiquent la danse avec moi depuis longtemps comprennent avec le temps que ce sont précisément ces phases de l'enseignement qui offrent la possibilité d'atteindre l'essence du mouvement. La recherche caractérise également mon concept d'enseignement, qui ne trouvera donc jamais de forme définitive. J'essaie toujours de trouver de nouvelles manières de rendre quelque chose tangible, ce qui permet de l'incarner. Ce qui est bien, car cela reste un défi pour moi et je continue à me développer. Pouvez-vous nous expliquer ce que l'on entend par connectivedance et quel rôle ce concept joue dans votre enseignement et dans votre travail artistique et pédagogique? J'ai récemment créé connectivedance comme un lieu d'échange. Mon souhait est de créer un lien entre les professeurs de danse qui s'intéressent aussi à la longévité de la danse. De plus, connectivedance doit offrir un espace pour les mondes de mouvement individuels des différents styles de danse, en leur permettant de s'unir en un champ d'apprentissage global. Mon projet, réalisé dans le cadre de la formation de master, offre la possibilité de développer constamment l'enseignement. J'ai créé une méthode qui ne constitue pas une unité d'enseignement séparée, mais qui peut être intégrée de manière ludique dans tous les éléments d'un cours et qui offre ainsi un grand espace à la créativité. De cette manière, les pédagogues génèrent de manière ludique de nouveaux matériaux et des impulsions pour leur enseignement. De plus, cette méthode ouvre des champs chorégraphiques intéressants. Sous quelle forme les résultats de votre travail de recherche peuvent-ils enrichir l'enseignement de la danse? Je pense que mes connaissances et celles de ceux qui effectuent des recherches dans un domaine similaire peuvent donner à la danse une toute nouvelle place dans notre société. Si les outils développés de manière interdisciplinaire sont appliqués, cela peut rendre l'enseignement plus varié, inspirer les professeurs de danse de manière créative et générer de nouveaux mouvements ; en d'autres termes, rendre l'enseignement de la danse dans la continuité, à petite et à grande échelle. Comme l'objectif premier n'est plus la forme et la perfection, la danse devient plus accessible et pourrait même être ancrée de manière profitable dans le quotidien de la société en raison de ses effets bénéfiques sur la santé. Un changement de paradigme qui reflète et développe les traditions qui se sont formées sur plusieurs générations dans un contexte médical, scientifique et artistique. Dans le cadre de votre travail de fin d'études, vous avez travaillé sur un jeu de cartes qui peut être utilisé comme source d'inspiration dans les cours de danse. Pouvez-vous nous en dire un peu plus à ce sujet? J'aimerais publier le plus rapidement possible mon jeu "fascia dance game", que j'ai développé sous le label connectivedance dans le cadre de mon travail de master. Le jeu contient 25 cartes qui abordent la danse sous l'angle des fascias et fournissent des pistes d'enseignement. J'ai délibérément choisi la forme du jeu, car je souhaite laisser aux joueurs la liberté d'expérimenter et de créer avec les cartes, conformément à mon approche durable. Pour toute question ou information : [email protected] Site web www.lisalareida.ch Vidéo Processus de création du jeu Relecture Interview : Sarah Elena Liechti Référence source: TVS / Lisa Lareida 03/2022 Share
Régulation émotionnelle Psychologie Les émotions dans la danse-thérapie Brigitte Züger explique dans son interview comment la thérapie par la danse met en lumière les liens profonds entre le corps, les émotions et le mouvement, ainsi que la puissance transformative que cela peut avoir dans les processus d’apprentissage et d’enseignement. Vous êtes thérapeute de la danse et du mouvement et vous vous êtes intéressée à diverses méthodes corporelles et de mouvement au cours de votre vie. Qu'est-ce qui vous fascine dans la danse et dans le travail corporel et thérapeutique par le mouvement ? J'aimerais tout d'abord expliquer comment nous, les danseurs-thérapeutes, définissons la danse : La danse est un mouvement ressenti qui trouve sa dynamique dans les émotions et dans une attitude intérieure. Je suis fascinée par le fait que chaque personne s'exprime différemment, bien que nous ayons tous la même structure corporelle. Ce qui m'intéresse dans le travail thérapeutique, c'est que, d'une part, la personne qui bouge fait l'expérience, avec le temps, que son corps en mouvement révèle des idées et des connaissances de plus en plus profondes et que, d'autre part, la personne qui bouge remarque très vite ce qui lui fait du bien et ce qui ne lui en fait pas. Je suis fascinée par le fait d'accompagner les gens dans cette démarche : de quelles instructions et d'expérience quelqu'un a-t-il besoin pour que ce processus se mette en route ? Mes évaluations et interventions en matière de mouvement spécifiques à la danse-thérapie me servent de lignes directrices. Comme ce processus est unique et très individuel pour chaque personne, il me faut beaucoup de présence, de connaissances et d'intuition. Ma longue expérience m'est bien sûr aussi très utile... Ce mélange me fascine énormément et le processus thérapeutique me réussit lorsque je m'engage véritablement avec mon interlocuteur. Si j'y parviens, il en résulte quelque chose de nouveau, d'imprévu, d'impressionnant, d'inattendu. Qu'est-ce que la danse-thérapie ? Il existe une définition de l'European Association for Dance Movement Therapy (EADMT) qui me correspond et me plaît : La danse-thérapie est l'utilisation thérapeutique du mouvement pour favoriser l'intégration émotionnelle, cognitive, physique, spirituelle et sociale de l'individu. La danse en tant que mouvement corporel, expression créative et communication est au cœur de la danse-thérapie. Partant du fait que l'esprit, le corps, l'état émotionnel et les interactions sociales sont liés, le mouvement corporel devient le moyen d'évaluer la situation ou l'événement, mais aussi le point de départ de l'intervention en danse-thérapie. Qu'est-ce qui vous a poussée à consacrer votre vie à la danse et à la danse-thérapie ? Comment êtes-vous venue à la danse ? À l'âge de 18 ans, j'ai réalisé que je ne pourrais devenir un être humain que si j'étais davantage connectée à mon corps. Je suis donc devenue professeur de gymnastique, car le mouvement gracieux me fascinait beaucoup. Au cours de cette formation, j'ai été en contact avec la danse moderne, ce qui m'a permis de devenir expressive et pleine de vitalité. J'ai éprouvé un sentiment de profonde satisfaction qui ne peut être exprimé par des mots : une vitalité vécue dans toutes ses variations et dépassant les limites de mon corps ainsi qu’un appel et un écho dans tout l'univers. Cela m'a donné un sentiment satisfaisant de connexion et d'élévation. Après mes études de danse à New York, il était clair pour moi que je ne voulais pas en premier lieu transmettre des "pas de danse", mais le sentiment corporel vital que l'on peut ressentir à travers la danse, dans toute son expression. Je n'y suis parvenue que lorsque j'ai réalisé que "l'âme doit danser elle aussi". Quelle est l'attitude fondamentale qui sous-tend votre travail thérapeutique, pédagogique et artistique ? Une attitude fondamentalement humaniste. J'en suis reconnaissante. Chaque personne est unique et est considérée comme un individu dont le corps, l'esprit et l'âme sont entremêlés et s'influencent mutuellement. Le potentiel créatif de chaque personne est reconnu, saisi, apprécié et soutenu. La capacité d'accorder les mêmes droits aux autres et de tenir un discours à ce sujet est reconnue à l'individu et attendue de lui. La vision humaniste considère que l'être humain est intégré dans un environnement écologique et social avec lequel il peut entrer en résonance. Il a le droit à la liberté ainsi que la légitimité et la responsabilité de l'autodétermination. Cette vision de l'être humain met en avant l'interaction entre les processus internes et la résonance avec les conditions extérieures. C'est pourquoi nous considérons l'être humain comme un être holistique. Cette année, le thème de la danse et des émotions nous accompagne. Pouvez-vous nous dire, du point de vue de la danse-thérapie, ce que sont les émotions, quelle est leur fonction dans notre vie et quel rôle elles jouent dans la danse-thérapie ? Les émotions sont ce que l'on appelle des "markers". Elles nous indiquent comment nous nous sentons et nous informent sur la manière dont nous devrions nous comporter : La peur nous indique que nous devons être prudents. La joie nous indique que nous sommes dans une situation favorable avec toutes les circonstances qui nous entourent. La colère est la force qui nous permet de reprendre notre propre espace, etc. Le mot émotion n'est pas très éloigné du mot motion. En effet, Antonio Damasio nous rapporte que toute émotion est aussi une modification du tonus musculaire. Il entend aussi dire que le corps, ou le mouvement, et les émotions sont en fait un seul et même processus, car il dit également que chaque modification d'une émotion est aussi une modification du tonus musculaire ou inversement. Ainsi, dans danse-thérapie, nous nous déplaçons constamment entre l'expérience (du mouvement, des émotions, de l'humeur, des images intérieures) et le mouvement actif. C'est ainsi que sont générées des connaissances qui vivaient jusque-là dans l'inconscient. J'observe que les personnes qui négligent leurs émotions ont dans une large mesure des corps inexpressifs et que les personnes qui retiennent leurs émotions ont plutôt des corps tendus. Cela peut être traité par le processus décrit ci-dessus. Du point de vue de la danse-thérapie, comment vois-tu la relation entre le corps et le psychisme ? Il faudrait d'abord définir ce qu'est le psychisme. Supposons que le psychisme soit l'ensemble des sentiments, des sensations et des pensées (résultant des sentiments et des sensations). Dans ce cas, le corps est le médiateur de ces fonctions. En ce sens, le corps est un exécutant et crée également la communication et donc, par conséquent, les relations avec les choses et les personnes dans notre environnement. Nous avons appris à exprimer nos émotions dans l'espace numérique par des emojis. Comment perçois-tu le rapport des gens aux émotions dans ton travail thérapeutique ? J'adore les emojis, ils donnent aux mots la "bonne couleur" et l'indication de l'émotion de la personne qui les envoie. Ils contribuent donc à une communication claire, car l'émotion qui se perd dans les phrases courtes est alors communiquée par l'emoji. Quelle gestion des émotions et de son propre corps souhaiteriez-vous voir dans notre société ? Où voyez-vous un potentiel de développement à cet égard ? Je souhaiterais que l'on sache davantage que nos émotions sont directement liées à notre mouvement : Nous disons d'ailleurs que nous sommes "émus" lorsque quelque chose nous touche émotionnellement. C'est vrai, car comme nous l'avons déjà mentionné, selon Antonio Damasio, chaque émotion s'accompagne d'une modification du tonus musculaire. Nous ne parlons plus d'émotions négatives, mais nous faisons la distinction entre les émotions plutôt agréables, plutôt désagréables ou exigeantes. En physique, négatif signifie "qui ne s'écoule plus". C'est logique, car nous avons tendance à retenir les émotions désagréables, voire à les réprimer, ce que nous faisons avec nos muscles. Le hic, c'est que les émotions fluides changent très rapidement, ce qui signifie que les émotions bloquées ne peuvent pas changer, ce que nous ne voulons justement pas. Il ne faut pas non plus oublier que lorsque nous bloquons les émotions, nous nous bloquons également nous-mêmes, notre conscience, nos impressions, notre expression vitale et, dans le pire des cas, nos organes. C'est comme si nous étions gelés. Le développement dans notre culture devrait être axé sur l'expression authentique des émotions. Quelle est l'influence des émotions sur les processus d'apprentissage et d'enseignement et qu'est-ce que cela signifie pour notre activité de pédagogie de la danse ? Les émotions vécues nous rendent perméables et nous ouvrent, nous et notre perception. Nous devenons curieux, ce qui est la base la plus importante du processus d'apprentissage. Dès que nous sommes dépassés, le stress et la tension apparaissent. Dans les situations de stress, le corps se met en danger, la réduction du danger ou toute la force physique et psychique du corps est utilisée pour éliminer ou surmonter le danger. La curiosité et l'ouverture d'esprit disparaissent, le processus d'apprentissage est bloqué. Pour la pédagogie, cela signifie par conséquent la nécessité d'un environnement d'apprentissage confiant et d'un espace et d'un temps d'exploration. En ce qui concerne les pédagogues de la danse, j'aimerais qu'ils sachent qu'une émotion est aussi une modification du tonus musculaire, donc un mouvement, et qu'ils enseignent aussi avec cette conscience. De quoi vous nourrissez-vous ? Qu'est-ce qui vous inspire dans votre activité ? Ce qui m'inspire, c'est le courage qu’ont mes clients de se connecter en permanence à leurs émotions cachées, retenues ou encore inconnues. De plus, je m'émerveille de l'émergence de connaissances impressionnantes pour le processus de croissance personnelle, lorsque les gens peuvent (re)laisser circuler leurs émotions et leur mouvement. C'est aussi de la vitalité pure et de la joie de vivre. Comment votre confrontation avec la danse-thérapie et différentes techniques corporelles a-t-elle influencé votre vie et votre activité pédagogique au fil des ans ? Qu'as-tu appris ? J'ai appris que le corps est à la base d'une intelligence infinie et très impressionnante : la clé est la conscience du corps, de ses structures, des os aux cellules en passant par les organes, et bien sûr toute la richesse infinie du mouvement. En vous basant sur votre riche expérience, quels conseils donneriez-vous aux professeurs de danse ? Transmettre aux élèves la curiosité, la soif de découverte et l'intelligence du corps. Plus d'informations www.zoe-tanz.ch Lire l'article de blog en allemand Les émotions ? Les émotions dans la thérapie par la danse Référence source: TVS / Brigitte Züger 03/2022 Share
Planification pédagogique Pédagogie Beyond steps: The need for pedagogical knowledge in dance Edward C. Warburton souligne dans son article la nécessité de disposer de connaissances pédagogiques en enseignement de la danse, allant au-delà de la simple maîtrise des techniques de danse. Il plaide pour une réflexion approfondie sur la manière dont la danse est transmise et met en avant que la pédagogie de la danse doit être apprise avec autant de soin que l’art de danser lui-même. Il souligne l'importance de connaissances pédagogiques approfondies, par opposition aux connaissances purement contextuelles et de la familiarité avec la matière à enseigner. Une pratique efficace et durable de l'enseignement ne doit donc pas seulement tenir compte de QUOI et QUAND on enseigne, mais aussi de COMMENT on enseigne ces contenus. L'enseignement pour la compréhension - learning for understanding - joue également un rôle important, ce qui, pour Warburton, est totalement différent de l'entraînement pour le rappel des étapes et des routines. Cela implique également de remettre en question et de réfléchir à ses propres schémas de pensée, ses convictions personnelles et ses hypothèses de base concernant la danse et son enseignement. Warburton avance que dans les cercles de la pédagogie de la danse, il existe encore peu d'idées uniformes sur ce qui fait un bon pédagogue. Les décisions concernant la qualité des enseignants sont toujours prises de manière ad hoc et souvent basées sur l'expérience de la danse et la réputation professionnelle. Mais tous les danseurs et danseuses célèbres ne savent pas automatiquement comment enseigner. C'est pourquoi il est d'autant plus important, à ses yeux, d'enseigner aux jeunes danseurs que la pédagogie, tout comme la chorégraphie, est un métier qui s'apprend et se travaille. Lire l'article original en anglais : Beyond Steps: The need for pedagogical knowledge in dance Référence source: Warburton, E. C. (2008). Beyond steps: The need for pedagogical knowledge in dance. Journal of Dance Education, 8(1), 7-12. Share
Inclusion & accessibilité Social DanceAbility Dans cette interview, Manuela Runge et Jeanine Elsener parlent de la méthode de danse inclusive DanceAbility, qui permet à chacun de danser indépendamment des conditions physiques ou mentales. Elles soulignent l'importance de l'ouverture d'esprit, de la patience ainsi que de la précieuse expérience que représente le fait de travailler avec la diversité des participants en tant que valeur ajoutée artistique - et souhaitent que la danse et la culture deviennent plus accessibles à tous. "Nous voyons toujours ce qui va et pas ce qui ne va pas". Manuela Runge est cofondatrice de l'association TANZflug, directrice de Theater&Schule - médiation artistique au Schauspielhaus de Zurich. Elle travaille depuis de nombreuses années en tant que créatrice de théâtre et de danse avec divers groupes et s'engage activement pour l'art et la culture pour tous et avec tous. Jeanine Elsener est danseuse et pédagogue de mouvement. Elle enseigne pour différentes institutions, donne ses propres cours de mouvement et réalise également divers projets artistiques. Ces dernières années, elle s'est concentrée sur l'improvisation en danse ainsi que sur la danse inclusive. Avec sa formation de DanceAbility Teacher, elle a pu approfondir ce travail et s'engage à transmettre et à diffuser cette méthode de danse. Comment avez-vous découvert DanceAbility pour la première fois ? Manuela : J'ai beaucoup travaillé avec des enfants et des adolescents dans un contexte de pédagogie théâtrale et j'ai remarqué que je pouvais très bien échanger avec les jeunes par le biais du mouvement et de l'improvisation. Pendant ma formation de pédagogue en danse, j'ai participé pour la première fois à des cours de DanceAbility, puis je suis allée à Vienne, où il y a une grande communauté DanceAbility. Dans le cadre du festival de danse ImPulsTanz, j'ai fait la connaissance d'Alito Alessi, qui y enseignait. Cela m'a beaucoup émue et en apprenant toujours plus sur la culture, le travail et l'attitude inclusive, j'ai remarqué que c'était exactement ce que je recherchais dans mon travail et l'année suivante, j'ai suivi le cours de formation de professeur. Jeanine : Dans mon cas, j'ai eu la possibilité de réaliser un projet de danse inclusive et je me suis donc penchée de manière approfondie sur ce thème. J'ai fait des recherches pour savoir qui avait déjà fait cela. Et c'est ainsi que j'ai participé à un atelier DanceAbility chez Manuela au Tanzhaus de Zurich. Cela m'a enthousiasmé et j'ai intégré cette expérience dans mes projets et j'ai réalisé que je voulais en savoir plus. C'est ainsi que je me suis rendue à Vienne. Il était important pour moi de rencontrer Alessi en personne et de recevoir toute la philosophie qui se cache là-derrière, de la part de celui qui a développé la méthode. Vous travaillez tous les deux dans d'autres domaines. Dans quelle mesure vos expériences et la confrontation avec DanceAbility ont-elles influencé votre travail pédagogique et artistique en général ? Jeanine : Cela m'a surtout appris la patience. Qu'il faut vraiment laisser chaque personne travailler, apprendre et bouger à son propre rythme. Et dans le domaine artistique, de partir de l'improvisation et de travailler avec ce qui est là, avec ce qui nous est donné. Et aussi que l'on prenne chaque personne simplement comme elle est, car alors de cette manière nous apprenons tous et c'est ce qui est beau. Manuela : Oui, je peux le souligner. Même dans mon travail avec les jeunes, je réfléchis davantage à la manière dont je dirige les choses. Comment est-ce que je parle aux jeunes ? Ou comment est-ce que je parle dans une fonction de direction ? Comment puis-je faire en sorte que tous se sentent concernés ? Bien sûr, cela ne réussit pas toujours. Et cela a certainement aussi une influence sur le fait que je me préoccupe beaucoup plus de la société. Qui a accès au travail artistique et qui n'y a pas accès ? Et pourquoi est-ce ainsi ? Et ce sont des questions importantes quand on est dans la situation privilégiée de pouvoir diriger. Quels ont été vos meilleurs moments ou expériences et qu'est-ce qui vous inspire dans votre travail ? Jeanine : Il y a beaucoup de moments, mais pour moi, ce sont surtout les rencontres faites dans le cadre de la danse. En tant que participante, de vivre ce fort sentiment d'appartenance au groupe, mais aussi en tant qu'enseignante, lorsque le feed-back montre que les gens se sentent mieux qu'avant, qu'ils ont vécu une expérience commune ou qu'ils ont pu retirer une expérience d’un workshop. Manuela : Pour moi, c'est ce sentiment de liberté en tant que participante, de savoir que je suis bien comme je suis. Je ne dois rien montrer ici ou faire quelque chose dont je sens peut-être que je ne suis pas capable. Il y a une grande ouverture d'esprit qui me touche toujours et aussi la confiance qui s'installe très vite entre les danseuses et danseurs. Et le fait que l'on se rapproche si vite, sans mots, uniquement par le corps et le langage corporel. Et c'est tout simplement beau. Vous l'avez déjà mentionné tout à l'heure, DanceAbility en tant que méthode de danse est basée sur l'improvisation. Comment décririez-vous la différence entre une leçon de DanceAbility et une leçon d'improvisation "traditionnelle" ? Y a-t-il vraiment une différence ? Jeanine : Un point important est que tout le monde reçoit les mêmes informations et instructions, indépendamment des conditions individuelles. Cela crée une base commune qui permet à tous de participer. Nous voyons toujours ce qui est possible et non ce qui ne l'est pas. Manuela : Oui, exactement, considérer la diversité comme une valeur ajoutée et non comme "Oh, qu'est-ce que je fais maintenant ? Il y a quelqu'un qui ne sait peut-être pas faire ceci ou cela", mais de voir ce que cette personne sait faire. Que peuvent faire les personnes présentes dans la pièce ? Et comment pouvons-nous voir cela comme une plus-value artistique et le découvrir et l'explorer ensemble ? Je ne veux pas remettre en question ce point dans un atelier d'improvisation traditionnel, mais c'est un point très important pour nous. Que peuvent retirer les professeurs de danse d'un atelier DanceAbility pour leur propre activité d'enseignement ? Jeanine : Je pense que le travail avec l'improvisation est un enrichissement précieux pour l'enseignement de la danse. Il s'agit d'offrir aux participants des moments où ils peuvent être eux-mêmes et se mouvoir à partir de leurs propres sensations, suivre leur intuition et laisser libre cours à leur créativité. Avez-vous des objectifs ou des souhaits pour l'avenir ? Ou quelques derniers mots que vous aimeriez nous donner pour la suite ? Jeanine : Mon souhait est de pouvoir créer une approche accessible à tous. Que tous ceux qui veulent danser aient la possibilité d'aller dans un endroit où ils peuvent danser. Et mon souhait personnel dans la période actuelle est aussi que nous puissions à nouveau nous rapprocher les uns des autres, vivre la danse et partager la joie. Manuela : Je souhaite que la danse et la culture deviennent plus accessibles et plus diversifiées, que ce soit sur scène, dans les salles de spectacles ou dans les postes à responsabilité. Et je souhaite que les personnes et les institutions qui ont le privilège de rendre cela possible s'y intéressent aussi, s'informent, rencontrent des personnes qui possèdent une expertise en la matière et tentent de créer dans ce domaine des voies d'accès. DanceAbility est la méthode que nous utilisons et avec laquelle nous nous amusons, mais il existe de nombreuses autres possibilités de travailler de manière inclusive. Commentaire final - "nothing about us, without us" Manuela : Il est important pour moi de dire que nous sommes trois femmes, sans handicap visible, à parler du travail inclusif. Je suis très favorable à l'affirmation "rien sur nous, sans nous" - et c'est pourquoi nous avons essayé d'inviter Corina Arbenz, une artiste sourde qui nous soutient et nous assiste dans les ateliers DanceAbility. Malheureusement, elle n'a pas trouvé d'interprète. Cela met à nouveau en évidence les obstacles. Dans notre société, c'est malheureusement encore ainsi : je bénéficie de plus d'accès en tant que personne privilégiée, blanche et non handicapée et les structures sont orientées vers moi. Vous pouvez écouter l'interview en allemand en podcast en cliquant sur le lien suivant : DanceAbility Pour plus d'informations : www.tanzflug.ch www.danceability.de Référence source: TVS / Manuela Runge & Jeanine Elsener 01/2022 Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie Da tanzt der Bär, partie 2 Tamara Gassner explique comment son approche créative de l’enseignement de la danse aide les enfants à développer leur personnalité et leurs compétences motrices, tout en favorisant l’apprentissage par le mouvement. Comment la danse créative pour enfants peut-elle soutenir le développement des enfants ayant des besoins spécifiques et même servir d’outil d’inclusion ? Danser, c'est comme faire de la musique - il suffit de le faire ! Cette phrase illustre l'introduction de votre page dance4school.ch. Comment comprendre cette phrase ? Qu'est-ce qui vous motive à faire ce que vous faites ? De nombreux enseignants pensent immédiatement à une chorégraphie ou à un spectacle lorsqu'ils pensent à la danse. En d'autres termes, ils pensent déjà au produit final. Il faut donc beaucoup de courage pour s'aventurer sur ce terrain. Avec la musique, c'est différent. Tout le monde sait déjà que c'est facile. Nous chantons tous sous la douche, en conduisant ou nous nous mettons à jouer du tambour dès que nous mettons la main sur un tambourin. La danse peut aussi se faire facilement - bien sûr, mieux vaut ne pas conduire ; )) Votre support pédagogique "da tanzt der bär" a été testé en pratique au printemps. Les réactions sont très positives... ...le matériel pédagogique permet une conception des séquences de danse adaptée à l'âge. ...le matériel pédagogique incite à donner à la danse une place prépondérante dans la vie quotidienne de l’école enfantine et de l'école primaire. Quels objectifs du plan d'études 21 couvrez-vous avec votre matériel pédagogique ? Le matériel pédagogique est adapté au plan d’études 21 et couvre les objectifs de la musique et de la danse. Il s'agit d'objectifs dans les domaines de la perception du corps, de la performance et du design, de la danse, de l'entraînement sensori-moteur, de l'expression corporelle à la musique, de l'adaptation du mouvement à la musique. Les objectifs formulés avec précision peuvent être consultés sur Lehrplan21.ch. Comment décririez-vous votre approche pédagogique ? Il faut mettre l'expérimentation et l'invention au premier plan. Promouvoir la créativité dans le but de trouver de nouvelles solutions et de développer la personnalité. Mais pour que les enfants soient créatifs, ils ont besoin d'incitations et d'un soutien adéquat. Un support pédagogique donne aux enseignants le soutien nécessaire pour encourager les enfants. À votre avis, quelle est la grande différence entre le principe du "show and tell" et l'approche pédagogique que vous avez choisie ? Pour de nombreux enseignants, enseigner la danse signifie qu'ils doivent ou devraient répéter une danse, puis l'enseigner aux enfants. De nombreux supports pédagogiques fonctionnent de cette manière. Il y a une description de la façon dont les mouvements doivent être exécutés et la musique qui va avec. Dans le matériel pédagogique "Da tanzt der Bär", les enfants apprennent les bases de la danse et du mouvement et sont ensuite autorisés à faire preuve de créativité. A l'aide de chaque carte d'animal, on exécute un modèle et la forme du mouvement. Ce processus permet de promouvoir d'importantes compétences en matière de mouvement. Le dicton, ainsi que les mots, servent ensuite à l'enseignant pour inciter les enfants à des processus créatifs. J'ai choisi cette approche pédagogique car elle correspond parfaitement au groupe cible. Les enfants de l’école enfantine et de l'école primaire sont encore très peu conscients d'eux-mêmes, ont beaucoup d'idées personnelles et aiment les tâches créatives. Leur temps de compréhension est court et ne peuvent pas se concentrer longtemps. Les unités de mouvement courtes qui peuvent être utilisées de manière flexible sont tout à fait appropriées. "J'ai été étonnée de voir combien de temps les enfants peuvent s’attarder sur des mouvements individuels. Ils sautillent, roulent, sautent, courent, tournent avec une incroyable résistance au rythme de la musique." Aline, enseignante d’école enfantine Les recherches actuelles sur le cerveau soulignent depuis un certain temps qu'il serait bénéfique pour le développement des enfants de faire fructifier leurs ressources individuelles au lieu d'enseigner des compétences. Votre approche semble avoir une touche révolutionnaire à cet égard. J'ai raison ? Quelle est votre position en tant qu'enseignante sur cette hypothèse ? En tant que professeur de théâtre et de danse, je travaille depuis longtemps avec cette approche. Lorsque vous dirigez une équipe, il est important de savoir qui utiliser où et comment. Il existe un magnifique livre pour enfants qui correspond merveilleusement à ce thème : "Quand la chèvre apprend à nager" de Nele Moost et Pieter Kunstreich. Un livre sur des animaux qui sont censés apprendre une nouvelle "compétence". Il illustre magnifiquement comment, en plus du singe, le moniteur d'escalade, et du pingouin, le moniteur de natation, le hibou doit également renoncer à son rôle de moniteur de vol lorsqu'il veut apprendre à l'éléphant à voler. Chaque animal a sa faculté bien particulière. Il faut encourager un singe à grimper et un canard à nager et à plonger. Le développement des ressources individuelles me semble également très souhaitable pour les enfants. Cependant, il s'agit toujours d'un grand défi à relever et à soutenir spécifiquement chaque individu. La planification, l'organisation et la structure des cours deviennent également plus complexes, car il n'y a pas que des éléphants ou que des chèvres dans une classe... Vous avez choisi des animaux pour faire avancer le processus créatif. Pourquoi ? Les enfants ont besoin de connaissances préalables pour devenir créatifs. Les animaux éveillent déjà des associations et des images de choses vues ou vécues chez les jeunes enfants. Les animaux sont idéaux pour rendre tangibles toutes les formes ainsi que les modèles de mouvement. Chaque animal a sa propre particularité ou caractéristique. L'ours, par exemple, favorise les schémas de mouvement homolatéraux (moitié droite et gauche du corps), l'équilibre et la marche rythmique. Et lorsqu'il doit aussi attraper des poissons, les enfants peuvent entraîner leurs capacités de réaction et leur coordination. Les enfants agités ou ceux qui " sortent du lot " peuvent développer tout leur potentiel en mouvement libre et sont perçus positivement par le groupe. C'est le retour qu'un enseignant d’école enfantine vous a donné pendant la phase de test. La danse créative pour enfants pourrait-elle devenir un moyen sérieux d'inclusion ? La danse met en valeur les "nouvelles" capacités des enfants. Le corps et sa perception sont au premier plan. Je remarque encore et encore que dans la danse, d'autres enfants que ceux d’habitude deviennent soudainement des "leaders". C'est très agréable à observer. La danse crée des liens et rend les gens heureux ! Lorsque nous dansons, le cerveau libère des hormones du bonheur. Cela peut vraiment souder une classe ou un groupe. Des études scientifiques suggèrent que les enfants souffrant de troubles du développement présentent souvent des problèmes dans leur manière de bouger. Pouvez-vous nous parler d'expériences qui permettent une conclusion inverse ? La recherche sur le cerveau fait de grands progrès. Nous savons que le mouvement est le moteur d'un développement sain. Grâce au mouvement, les enfants apprennent à mieux s'évaluer, à connaître leur corps et aussi leur environnement. Grâce au mouvement, les enfants font l'expérience de l'auto-efficacité, qui est à son tour cruciale pour le développement de la personnalité. Le mouvement est la vie - nous vivons par le mouvement. Jusqu'à présent, les expériences que j'ai pu vivre sont, par exemple, des garçons qui apprennent à montrer leurs émotions ou des filles qui prennent confiance en elles grâce à la danse. Travailler sur la conscience du corps les aide à se sentir bien dans leur peau. La danse peut accroître la confiance en son propre corps, ce qui peut être un enrichissement dans de nombreux domaines de la vie. Je suis convaincue que le travail avec le corps peut compenser les déficits de développement. La danse peut également être un bon complément thérapeutique, par exemple dans le domaine de la psychomotricité. "Au fond, mon objectif n'est pas de rendre les enfants meilleurs en danse, mais de les rendre plus conscients de la musique, d'eux-mêmes et du groupe." Petra, enseignante d’école enfantine En 2020, le journal Beobachter a rapporté que trois à cinq pour cent des enfants en Suisse ont un diagnostic de TDAH. Pouvez-vous imaginer que la danse créative pour enfants puisse être utilisée de manière préventive dans le cadre du déficit de l’attention et de l'hyperactivité ? La danse est très liée au fait de vouloir sans y être obligé. J'imagine bien que les enfants peuvent trouver un équilibre au quotidien dans les cours de danse. Le TDAH est un domaine très vaste et les diagnostics sont extrêmement variés. Il est clair que la danse en tant que forme d'expression offre de nombreuses possibilités. Avec la danse, je peux dire quelque chose sans parler, je peux montrer des émotions sans pleurer, je peux être physiquement actif sans être contraint à la performance et je peux trouver mes propres solutions de manière détournée. La danse offre aux enfants de nouvelles stratégies qu'ils peuvent également utiliser dans la vie. Une dernière question : vous êtes employée dans une école de danse, vous travaillez comme enseignante professionnelle, vous êtes professeur de danse et vous êtes vous-même danseuse et chorégraphe. Où trouvez-vous l’énergie pour ce grand investissement aux multiples facettes ? Je suis une visionnaire. La danse a sa place dans les écoles. Ma vision me guide. Chaque jour, j'essaie d'atteindre de petits objectifs. J'essaie de trouver un bon équilibre entre la famille et le travail, mais pour être honnête, je n'y arrive pas toujours. Trouver quelque chose qui me procure de la joie chaque jour me donne de la force. Lorsque je suis satisfaite le soir et que je sais que la journée en valait la peine, je suis heureuse. Merci beaucoup pour cet aperçu de votre travail. Voulez-vous commander le jeu de cartes ? Vous pouvez le faire ici : Commander le support pédagogique "Da tanzt der Bär" (L'ours danse) Vous voulez soutenir vos enfants dans la danse et la musique ? Vous recherchez une méthode simple, flexible et facile à utiliser ? Vous voulez des conseils et des astuces pratiques pour vos cours ? Dans ce cas, cette formation pourrait être la solution idéale pour vous. Tamara Gassner, enseignante, pédagogue diplômée et experte J&S dans le domaine de la danse, vous présentera le matériel pédagogique et vous montrera comment initier vos enfants à la danse de manière pratique et engagée. Informations complémentaires et inscription : Formation avancée sur le matériel pédagogique "Da tanzt der Bär" (L'ours danse) Référence source: TVS / Tamara Gassner 09/2021 Share
Promotion de la santé Dance Science Guide pour le développement de projets de danse liés à la santé Dance for Health propose des activités de danse basées sur des preuves scientifiques, qui aident les personnes à surmonter des défis de santé en les impliquant dans une pratique créative en tant que danseurs, et non en tant que patients. Une nouvelle infographie soutient les pédagogues de la danse dans le développement de projets axés sur la santé dans le domaine de la danse. Dans le cadre du comité "Dance for Health", dont fait partie l'Université de Berne, une infographie a été réalisée pour aider les danseurs et les éducateurs en danse à développer des projets de santé dans le domaine de la danse. Pour plus d'informations en anglais: International Association for Dance Medicine & Science Infographie téléchargeable (seulement disponible en anglais) : Developing a Dance for Health Project: Considerations Référence source: IADMS Dance for Health Committee (2021) Share
Motivation & développement Dance Science Attitude des hommes à l'égard des danses de salon Pourquoi les hommes sont-ils toujours sous-représentés dans de nombreux styles de danse ? Dans son travail de fin d'études, Corinna Janson examine pourquoi les compétences de base en danse sont souvent enseignées trop tard aux garçons, voire pas du tout, et en tire des conclusions intéressantes pour la conception d'offres de danse pour les garçons. La danse a une influence positive sur la santé et favorise certaines qualités de mouvement spécifiques qui varient d'un style à l'autre. Pourquoi les hommes sont-ils encore sous-représentés dans de nombreux styles de danse ? Corinna Janson traite cette question en détail dans le cadre de son mémoire pour le MAS en sciences de la danse à l'Université de Berne et arrive à des conclusions intéressantes en ce qui concerne la conception explicite d'offres de danse pour les garçons. Vous pouvez télécharger ici le résumé de l'étude en allemand. Référence source: MAS Thesis in Dance Science, Corinna Janson (2018) Share
Motivation & développement Pédagogie Les miroirs dans les cours de danse : utiles ou au contraire gênants ? Cet article jette un regard critique sur l'utilisation des miroirs dans les studios de danse et examine la question de savoir si, et dans quelle mesure, les miroirs ont un impact sur l'image corporelle et le développement technique des danseurs. Vers l'article original en englais: Mirrors in the Dance Class - Help or Hindrance Référence source: Sally A. Radell, Research Paper for Dancers and Teachers, IADMS (2019) Share
Promotion de la santé Médecine La santé et la danse Corinna Janson associe danse et thérapie dans son concept unique de Tanzhologie®, qui allie une activité de loisir saine à l’expression créative et à la relaxation. Que se passe-t-il lorsque nous utilisons la danse comme une forme de thérapie pour renforcer la perception corporelle et l’estime de soi, plutôt que de nous concentrer uniquement sur la guérison des symptômes ? Vous êtes thérapeute et pédagogue en danse. Qu'est-ce qui est venu en premier? La danse ou le travail thérapeutique? Pour moi, c'est presque comme la question de la poule et de l'œuf : j'ai commencé les cours de ballet à l'âge de 4 ans et je ne peux pas imaginer une vie sans danse. À l'âge de 19 ans, cependant, j'ai décidé de cultiver la danse comme un passe-temps et de me tourner vers d'autres sujets passionnants dans ma vie professionnelle. Enthousiasmée par la vision holistique de l'être humain dans l'homéopathie classique, j'ai suivi une formation à plein temps de 3 ans en tant que thérapeute non médicale en 1995, puis j'ai travaillé pendant 14 ans comme homéopathe dans un cabinet avec mon mari, qui est spécialisé en médecine traditionnelle chinoise. En parallèle, cependant, je travaille dans le domaine du mouvement depuis l'âge de 18 ans : en tant que professeur de gymnastique, j'ai enseigné l'aérobic, donné des cours de gymnastique pour des groupes de la Ligue contre les rhumatismes, animé des cours d'aquagym, et j'ai également été autorisée à remplacer mon professeur de ballet dès mon plus jeune âge à de nombreuses reprises avant de poursuivre ma formation en thérapie, en médecine et en pédagogie de la danse. Aujourd'hui, vous combinez votre travail de thérapeute avec la danse et dirigez le Studio Tanzhologie à Bad Kreuznach. Comment en êtes-vous arrivée-là? Je donne des cours de danse dans une optique thérapeutique et mon offre dans le Studio Tanzhologie est pensée comme une activité de loisir saine. Après avoir moi-même, en tant que jeune praticienne de la médecine alternative, été incapable de trouver une activité de loisir en danse qui soit compatible avec la vie quotidienne et qui combine santé, art et créativité, j'ai commencé à développer mon propre concept en 2003. Grâce à ma formation en danse-thérapie avec le Dr Detlef Kappert à Essen, j'ai pu compléter mon concept par un contenu dansé-psychologique. Pour moi, le Dr Kappert est quelque chose comme le "Hahnemann de la danse" et il m'a inspiré l'invention du terme "Tanzhologie". Au début, j'ai enseigné la psychologie de la danse en parallèle à ma pratique, mais mes intérêts de recherche en danse prenaient de plus en plus de place, si bien que j'ai cherché un soutien dans ma pratique afin d'avoir suffisamment de temps pour les poursuivre. Puis en 2011, mon professeur de ballet, avec qui j'entretenais une relation étroite et dont les activités artistiques m'avaient influencé pendant plus de 30 ans, est morte soudainement. À l'époque, j'étais sur le point d'obtenir un certificat en médecine de la danse (à ta.med) et, en tant que thérapeute, je me sentais aussi la responsabilité de "récupérer" d'une manière ou d'une autre les groupes de cette école de danse. J'ai donc relevé le défi de prendre en charge le studio, avec l'intention, dans un premier temps, d'engager un professeur pour la partie enseignement de la danse, et de me concentrer sur l'organisation du studio et sur le cours de Tanzhologie. Je suis très reconnaissante aux membres de mon studio, ainsi qu’à mon destin, que les circonstances se soient déroulées différemment et que je puisse maintenant enseigner le ballet de manière holistique depuis 10 ans. Vous basez votre travail sur l'idée d'une connexion inséparable entre le corps, l'esprit et les émotions de la personne. Comment justifiez-vous cette hypothèse? Toutes les grandes méthodes de guérison en naturopathie - qu'elles soient occidentales ou orientales - sont basées sur ce lien et cela correspond à ce que je vis ou ai vécu dans ma pratique. Ainsi, il est souvent observé dans les anamnèses homéopathiques détaillées qu'un certain thème se reflète chez une personne à différents niveaux. En tant qu'homéopathe, je comprends les symptômes de la maladie comme le "langage de la force vitale" qui s'exprime dans le corps et dans l'esprit. Il s'agit avant tout de comprendre ce langage et d'y réagir avec des remèdes adéquats afin de mettre en route des processus de guérison. Quelle est la différence entre la thérapie par la danse et la Tanzhologie®? La Tanzhologie® est conçue comme un cours de danse général de promotion de la santé qui utilise les effets positifs d'une grande variété de styles de danse en combinaison avec des techniques de relaxation pour le bénéfice de l'individu. Contrairement à la thérapie par la danse, la Tanzhologie® n'est pas une méthode de traitements des schémas pathologiques, mais sert de prophylaxie en matière de santé et de développement de la personnalité. Il s'agit d'une activité de loisir de groupe variée et pleine de joie, qui enseigne la technique de la danse et donne de l'espace aux besoins individuels de mouvement et d'expression, sans que les problèmes personnels ne soient abordés en profondeur dans les cours. Vous avez traité en détail l'interaction entre la perception du corps et l'estime de soi et avez, entre autres, étudié l'influence de l'entraînement à la danse sur l'image corporelle des femmes souffrant de troubles alimentaires. Quelles sont vos conclusions? Les expériences du projet de danse avec les patients anorexiques et boulimiques renforcent ma conviction que la formation en danse peut apporter une contribution précieuse dans la société actuelle pour contrer l'aliénation de son propre corps. Les exercices de danse libre sous forme d'improvisation et les éléments du ballet classique ont une influence très bénéfique. J'ai trouvé étonnant qu'avec certaines personnes testées, des résultats très durables puissent déjà être obtenus avec un petit nombre d'interventions de danse! Cela plaide absolument en faveur d'une exploration beaucoup plus large et d'une utilisation plus ciblée du potentiel de la danse. Certains professionnels réclament une formation thérapeutique pour exploiter les bienfaits de la danse sur la santé mentale. Quelle est votre position à ce sujet? Fondamentalement, je pense que si vous voulez être thérapeute, vous devez avoir une formation thérapeutique. La danse a un potentiel incroyablement important pour initier ou soutenir les processus de guérison de manière simple et amusante. Toute personne qui souhaite utiliser la danse pour accompagner de manière responsable des personnes qui souffrent physiquement ou psychologiquement et qui a besoin, en plus de sa propre formation complète en danse, d'une formation appropriée et d'une expérience dans la prise en charge des patients. En même temps, je pense que nous ne soulignerons jamais assez la grande influence que chaque professeur de danse exerce sur la santé et le développement de la personnalité de ses élèves. Il est également important pour les professeurs de danse (et surtout s'ils travaillent avec des enfants !) de prendre conscience de l'impact thérapeutique (qui est bien présent !) de l'enseignement de la danse. Dans quelle mesure les connaissances et les expériences de la Tanzhologie® peuvent-elles être intégrées dans l'enseignement de la danse avec des non professionnels? Mes idées et mes expériences de la Tanzhologie® se retrouvent dans tous les domaines de mon école de danse. Dans mes cours de ballet, j'incorpore régulièrement des éléments de Tanzhologie® dans toutes les tranches d'âge. Il s'agit surtout d'exercices d'improvisation, mais aussi d'exercices de centrage, d'entraînement à la perception et de techniques de relaxation. Je crois qu'il est important d'acquérir une bonne technique de mouvement sans perdre la capacité de se déplacer librement. Afin de contribuer à la santé physique, je veille à une utilisation équilibrée du corps dans mes chorégraphies ; et je conçois les spectacles de telle sorte que les participants puissent s'identifier à ce qu'ils exécutent en les impliquant activement dans les processus de conception créative par le biais d'éléments de Tanzhologie. En conclusion, de nombreuses écoles de danse souffrent d'un manque d'hommes. Vous avez consacré votre thèse pour le MAS Dance Science de l'Université de Berne au thème "Attitudes masculines envers la danse récréative - une étude sur les réfractaires à la danse". Avez-vous des conseils pour les femmes qui veulent motiver leurs hommes à danser? Malheureusement, NON! D'une certaine manière, j'ai conçu cette étude parce que je cherchais un truc pour transformer les réfractaires à la danse en danseurs .... mais, au bout du compte, cette étude a surtout permis d'améliorer ma compréhension des réfractaires à la danse. Les hommes sont mal préparés à l'art de la danse dans notre société. Dans les années décisives, lorsque les compétences de base en musique et en danse sont bien ancrées, les garçons des pays germanophones sont découragés de danser plutôt qu'encouragés à le faire. Et plus tard, sans avoir intériorisé les compétences de base, ils sont censés "assumer l'entière responsabilité de la réussite de la danse de couple" - pour reprendre l'expression d’un réfractaire auto-proclamé. Pas étonnant qu'ils n'en aient pas envie, même s'ils aiment essentiellement le contact physique lorsqu'ils dansent et qu'ils aiment aussi danser avec un partenaire. Juste danser, sans pas fixes et sans responsabilité : c'est ce que la plupart des hommes aiment presque autant que les femmes. Nous ne pouvons que nous efforcer, en tant que société, de promouvoir à l'avenir l'éducation corporelle par la danse pour les garçons dès leur plus jeune âge. Il y a encore beaucoup à faire et de nombreuses recherches à mener en la matière. Référence source: TVS / Corinna Janson 03/2021 Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie "Voilà l'ours qui danse" I Dans le cadre de sa formation en pédagogie de la danse en Suisse, Tamara Gassner a créé une opportunité unique pour former des enseignant·e·s de danse. Son nouveau matériel pédagogique « Da tanzt der Bär » s’adresse aux enseignant·e·s de maternelle et du primaire, en montrant comment la danse favorise le développement global des enfants dès le plus jeune âge. Pourquoi la danse est-elle si sous-représentée à l’école et comment peut-on changer cela ? Matchless forme des pédagogues de la danse depuis plus de 20 ans. Cette formation est encore unique en son genre en Suisse. Comment cela s'est-il produit ? Il y a vingt ans, il n'y avait que quelques écoles de danse et très peu de professeurs de danse. Sans parler des professeurs qualifiés. La formation de pédagogue de la danse faisait défaut sur le marché suisse. Lorsque nous avons voulu agrandir notre équipe, la recherche s'est avérée très difficile. Ainsi, nous avons eu l'idée de former nous-mêmes nos professeurs de danse. Grâce à mon savoir-faire de professeur d'école, à ma longue expérience de la danse, à des études adaptées à Berne et à une équipe précieuse disposant de nombreuses ressources, cela a finalement été possible. La formation offre une connaissance de base solide pour entrer dans le monde professionnel en tant que pédagogue de la danse. Nous sommes fiers que notre centre de formation ait fait ses preuves depuis vingt ans. Actuellement, nous sommes heureux d'annoncer que, malgré la Corona, nous pourrons, "espérons-le", commencer un nouveau cours en avril. L'accomplissement d'un stage constitue une composante importante de la formation. Pourquoi est-ce si important ? On ne devient pas pédagogue de la danse comme ça, on ne le devient vraiment que par la pratique. Il est donc d'autant plus important d'acquérir une première expérience professionnelle à un stade précoce. Le stage sert au pédagogue à mettre directement en pratique ce qu'il a appris et lui assure ainsi une entrée directe dans la vie professionnelle. Un stage est une activité qui permet d'acquérir une expérience professionnelle pratique et donne aux apprenants la possibilité de développer leurs compétences parallèlement à leurs cours et de mettre en pratique ce qu'ils ont appris. De plus, un stage peut faciliter la recherche d'un futur emploi ! Si vous avez déjà pu montrer vos compétences dans une école de danse et faire vos preuves, il est évident que vous obtiendrez un emploi par la suite. Du point de vue des participants, quelles sont les principaux obstacles à l'exercice du métier de pédagogue de la danse? On ne devient pas riche avec ce métier! Il est toujours difficile d'intégrer la profession dans sa vie de telle sorte qu'il soit possible d'en vivre. Combien d'heures puis-je et dois-je enseigner par semaine? Combien d'heures sont synonymes de passion pour moi et à quel moment cela devient-il une routine? Que peut faire mon corps, que puis-je attendre de lui? C'est toujours formidable de voir comment les diplômés évoluent pendant le cours, comment ils apprennent à mieux se connaître, comment ils perçoivent leur corps différemment. Par le travail sur soi-même et la confrontation avec la matière, des questions peuvent soudain trouver une réponse. On élabore des plans, on change de direction, on atteint des objectifs et on relève des défis. L'heure est aux conseils! Il faut souvent beaucoup de temps aux participants pour trouver leur voie. L'organisation et la structure, trouver son propre rythme de travail, c'est un grand défi. Récemment, vous avez également commencé à proposer des formations en ligne dans le domaine de la pédagogie de la danse pour enfants. Qu'est-ce qui vous a poussé à faire cela? Cela fait déjà deux ans que nous travaillons sur un concept de formation en ligne dans le domaine de la pédagogie de la danse et de la danse aérienne. Notre objectif serait que les personnes intéressées du Tessin, de la Suisse romande, des Grisons ou même des pays environnants puissent participer à notre formation. Avec les formations en ligne, nous osons un premier pas dans cette direction. Nous proposons ainsi des contenus pédagogiques ciblés qui peuvent également être enseignés en ligne. La période du Corona nous a donné un coup de pouce supplémentaire. Nous avons eu un peu plus de temps et d'énergie et nous sommes maintenant enthousiastes pour la prochaine édition. Il s'agit d'un cours de formation continue sur "l'improvisation comme méthode d'enseignement" qui se déroulera sur deux vendredis soirs à la fin du mois d'avril. Vous avez désormais développé un outil d'enseignement de la danse qui commence dès l'âge de l'école enfantine. Pourquoi si tôt? Danser rend heureux et favorise le développement global! On ne peut donc jamais commencer assez tôt. Bien avant que nos enfants n'apprennent à parler, ils communiquent avec leur environnement par le biais de leur corps et développent un besoin naturel de bouger. Le mouvement est le moteur d'un développement sain. La danse a encore très peu de place dans l'enseignement obligatoire. C'est très dommage et les raisons en sont certainement diverses. C'est peut-être dû au manque de formation des enseignants, qui ne sont exposés à la danse que pendant une courte période au cours de leurs études. Ou encore à la tâche exigeante d’offrir un domaine d’action particulièrement sensible car proche du corps, qui a une position difficile auprès du public et qui n’est généralement reconnu que dans son orientation professionnelle comme danse de scène et de spectacle ou dans le contexte de clips musicaux. Avec le projet Dance4School, je commence exactement par ça et je veux surmonter les obstacles. Les enseignants doivent pouvoir accéder facilement à l'enseignement de la danse à l'aide de supports et d'aides pédagogiques appropriés. Il n'est pas nécessaire d'avoir une longue expérience de la danse pour donner envie aux enfants de danser. Avec le dernier outil pédagogique " Voilà l'ours qui danse ", je vais un peu plus loin. Même les enseignants d'école enfantine et de jardin d'enfant peuvent initier les enfants à la danse avec facilité. Il ne s'agit pas seulement de montrer et d'imiter, mais plutôt d'expérimenter et de trouver. Le matériel pédagogique se compose de cartes d'animaux qui permettent aux jeunes enfants d'expérimenter des modèles et des formes de mouvement importants et qui leur enseignent les bases de la danse. L'utilisation des cartes permet de couvrir les objectifs du programme scolaire 21 du domaine de la musique et de la danse de l'école enfantine et de l'école primaire. "Voilà l'ours qui danse" est actuellement testé en pratique. La suite de cet article suivra bientôt... Plus d'informations sur le projet "Dance4school" en alleman Plus d'informations sur la formation en pédagogie de la danse pour adultes en alleman Plus d'informations sur les cours en ligne en alleman Référence source: TVS / Tamara Gassner 03/2021 Share
Promotion de la santé Psychologie Danse et santé mentale à l’âge adulte Anna Pilchowski, chercheuse en éducation sociale, ouvre dans son article les possibilités que la danse peut avoir dans le travail social. Le potentiel de la danse réside dans la combinaison du mouvement, de la musique et de l'interaction sociale et se présente comme un équilibre émotionnel et psychologique et comme un moyen créatif de réduction du stress. Les personnes âgées de 30 à 60 ans sont confrontées à des événements critiques de la vie, spécifiques à l'individu et au développement, et à des structures sociales basées sur la performance, ainsi qu'à une pluralisation des plans de vie qui génère des pressions en matière de performance et de prise de décision et relègue les mesures de développement personnel au second plan. Cela risque d'avoir un impact négatif sur leur santé mentale. Le désir des individus de pouvoir agir qui en résulte met en évidence le besoin du groupe cible. La pédagogie de la danse commence par le développement de la personnalité et peut, sur la base des dimensions pédagogiques de la danse, représenter une façon de faire face à la vie selon Lothar Böhnisch, qui a un effet sur le bien-être mental, ce qui permet de présenter des approximations de l'effet potentiel sur la santé mentale. Dans ce contexte, la question se pose de l'importance de l'enseignement de la danse dans le travail social. Car l'engagement physique dans l'enseignement de la danse peut - malgré les limites existantes - ouvrir des approches à bas seuil. Vers l'article complet en allemand Référence source: Anna Pilchowski, Kulturelle Bildung Online (2020) Share
Corporéité & somatique Psychologie Des adolescentes dansent pour améliorer leur santé mentale La danse régulière peut-elle soulager la dépression, le stress et les symptômes psychosomatiques chez les adolescentes ? Une étude suédoise le montre clairement : huit mois d'entraînement à la danse augmentent non seulement le bien-être, mais renforcent aussi l'estime de soi et la résilience, même plusieurs mois après une telle intervention. L'étude intitulée "Influencing Self-rated health among adolescent girls with dance intervention" a été menée par Anna Duberg, physiothérapeute à l'hôpital universitaire d'Örebro et doctorante à l'université d'Örebro en Suède. En savoir plus Référence source: Anna Duberg et. al., The American Journal Archives of Pediatrics and Adolescent medicine JAMA (2013) Share
Inclusion & accessibilité Social Adapter les styles d'enseignement pour accroître son accessibilité Comment le ballet peut-il devenir plus inclusif malgré ses exigences élevées en termes de performance et d'esthétique ? Clare Guss-West est présidente du comité de l'IADMS "Dance for Health" et chargée de cours internationale à l'université de Berne. Dans cet article intéressant, elle parle des développements et de l'inclusion dans l'enseignement du ballet. Plus que toute autre forme de danse, le ballet, avec son accent prédominant sur la performance physique, la forme et la conformité à l'esthétique traditionnelle, présente peut-être les plus grands défis à tous les aspects de l'accessibilité, et pourtant la demande de pratique adaptée du ballet augmente rapidement. Des institutions telles que la Royal Academy of Dance et le programme de danse adaptée de la Joffrey Ballet School adoptent cette tendance et, dans de nombreux cas, intègrent les enfants ayant des difficultés motrices dans les classes ordinaires. Vers l'article original en englais Référence source: Clare Guss-West, IADMS Blog (2020) Share
Dimensions sociales dans la danse Dance Science Impact d'un projet de danse d'une semaine sur l'interaction sociale entre élèves et enseignants dans une école publique Comment la danse influence-t-elle les interactions sociales entre les élèves et les professeur·e·s à l'école ? Dans sa thèse de MAS en Dance Science à l’Université de Berne, Anouk Lehner montre que même une seule semaine de projet de danse renforce les interactions entre les élèves, favorise de nouvelles amitiés et surprend positivement les professeur·e·s. Les résultats de mon étude suggèrent que danser ensemble peut favoriser l'empathie et les liens entre pairs. Lire le résumé de l'étude d'Anouk Lehner, MAS Dance Science, en anglais: Effect of a one-week-dance-project on the social interaction between students and teachers in a public school Référence source: MAS Thesis Anouk Lehner, Universität Bern (2018) Share
Corporéité & somatique Médecine L'influence de l'entraînement à la danse sur l'image corporelle des patients souffrant de troubles alimentaires La danse peut-elle aider à améliorer le rapport à son propre corps et l'estime de soi ? Une étude menée auprès de six participant·e·s montre comment la danse peut aider à développer une image corporelle positive et à surmonter les troubles de la perception du corps. Dans notre société de consommation, on met beaucoup l'accent sur l'apparence extérieure, le corps devient de plus en plus une marchandise et "se perd en tant que corps de sensations". (Zitt, 2008, p.143). Une augmentation générale de l'insatisfaction à l'égard de son propre corps conduit souvent au développement d'une image corporelle négative et culmine par des tableaux cliniques tels que l'anorexie et la boulimie, qui surviennent principalement dans les pays industrialisés (DGPM, 2010, p.20). Elles se caractérisent par une aliénation pathologique de son propre corps et de ses besoins et s'accompagnent généralement de graves troubles de la perception corporelle. Afin d'illustrer l'effet de la danse sur le développement d'un corps et d'une estime de soi positifs, six sujets souffrant de troubles alimentaires ont été examinés dans le cadre de ce projet. Télécharger l’étude en allemand: Einfluss von Tanztraining auf das Körperbild von Patientinnen mit Essstörungen Référence source: Projektarbeit Corinna Janson, Zertifikat Tanzmedizin - ta.med (2011) Share
Danser en vieillissant Dance Science Danse et mouvement créatif: Effet sur l'auto-efficacité et le bien-être des personnes à un âge avancé La danse est recommandée par l'OMS (2018) comme une activité physique saine pour les personnes âgées. Néanmoins, il n'existe que quelques études traitant de l'effet de la danse sur l'auto-efficacité et le bien-être des personnes âgées. Avec ce travail, Carla Winkelmann tente de combler cette lacune dans sa thèse finale pour la MAS Dance Science. Sur les résultats de l'étude en englais: Dance & Creative Movement: its‘ effect on older adults`self-efficacy and well-being Référence source: MAS Thesis Carla Winkelmann, Universität Bern (2018) Share
Inclusion & accessibilité Social Entretien d’Alessandro Schiattarella (« Strano ») avec Catja Loepfe, directrice artistique de la Tanzhaus Zürich « La danse contemporaine peut impliquer des publics très divers à différents niveaux – que ce soit en tant que spectateur et spectatrice ou en tant que danseuse et danseur. » Catja Loepfe est la directrice de la Tanzhaus Zürich. Depuis 2017, elle affiche un engagement clair en faveur de l’inclusion. Cette interview a été menée dans le cadre de la publication « Culture inclusive. Vers l'article complet sur la page du la Réseau Danse Suisse Référence source: Catja Loepfe, Tanzhaus Zürich (2018) Share
Rehabilitation & thérapie Médecine Thérapie par la danse: Comment la danse peut-elle guérir? De quelle manière le sens e la sensorialité se rejognent-ils dans la danse pour inspirer des approches artistiques e scientifiques inédites? Lisez l'article complet en allemand: Zentrum für Gesundheit Référence source: Ina Sauther, Zentrum für Gesundheit (2020) Share
Promotion de la santé Psychologie Faites Danser Votre Cerveau! La danse n'entraîne pas seulement le cœur, mais aussi le cerveau. Le best-seller de Lucy Vincent montre comment la danse stimule la pensée grâce au rythme, à la coordination et à la chorégraphie - de la thérapie de la démence à l'enseignement scolaire. La combinaison du rythme, de l'audition musicale, du travail chorégraphique, de l'entraînement asymétrique de l'hémisphère gauche et droit, des capacités de coordination (seul, en couple ou en groupe) et de l'entraînement de l'endurance favorise et défie de manière subliminale l'appareil de pensée. Elle peut être merveilleusement mise en œuvre dans le cadre de la gérontologie et de la thérapie de la démence, mais aussi dans un contexte scolaire ; elle offre une alternative aux leçons de violon. Pour de plus amples informations, veuillez consulter le site de Goldmann Verlag Référence source: Lucy Vincent, Goldmann Verlag (2020) Share
Rehabilitation & thérapie Médecine L'effet de la danse! C'est quoi? Comment, pourquoi, pour qui et dans quel contexte social faisons-nous de la recherche ? Le 11 mai a eu lieu la Journée de la recherche sur la thérapie par la danse 2019 : "La danse, ça marche ! La danse fonctionne-t-elle ?" a eu lieu. Il a été organisé par l'Association professionnelle des danseurs thérapeutes en Allemagne (BTD) en coopération avec la Gesellschaft für Tanzforschung (gtf) et la faculté de médecine de Hambourg. L'objectif de la Journée de la recherche en thérapie par la danse 2019 était de faire le point sur l'état actuel de la recherche en thérapie par la danse, de rendre plus visibles les différentes formes de recherche en thérapie par la danse et de poser la question suivante : comment, pourquoi, pour qui et dans quel contexte social faisons-nous de la recherche? Sur le site de la Gesellschaft für Tanzforschung GfT, vous pouvez trouver la contribution complète en englais, avec les rapports des participants sur la conférence et les ateliers Référence source: Gesellschaft für Tanzforschung GfT (2019) Share
Planification pédagogique Pédagogie Perspectives pour les professeurs de danse « Les professeur·e·s de danse ont la possibilité d’adapter leur enseignement sur la base de données probantes et selon les normes scientifiques les plus récentes. » La Dre Andrea Schärli, directrice du MAS en sciences de la danse à l'Université de Berne, évoque les axes de recherche actuels et les nombreuses opportunités de développement pour les enseignants·e·s de danse. Depuis 2015, vous dirigez le MAS en sciences de la danse à l'Université de Berne. Qu'est-ce qui a changé au cours de ces quatre dernières années? L'intérêt pour la science de la danse est constant et s'est même accru. Nous avons commencé il y a quatre ans avec un groupe de plus de 20 étudiants qui ont tous obtenu leur diplôme il y a un an. Pour la troisième session, nous avons à nouveau plus de 20 étudiants. Depuis, de plus en plus d'études sur les différents styles de danse et de travaux interdisciplinaires sont disponibles, qui, en plus de la médecine, incluent également les domaines de la psychologie, des sciences du mouvement et de la formation, de la pédagogie et de la biomécanique. Nos étudiants reflètent cette tendance. Le background s’étend de la breakdance, la danse orientale, la danse contemporaine, la danse jazz à la danse musicale. Par ailleurs, l'intérêt ne se porte plus exclusivement sur la danse professionnelle, mais aussi sur la spécialisation dans différents groupes de population. Les effets de la danse sur la santé des personnes âgées sont un sujet dont j'ai parlé récemment à maintes reprises avec les journalistes, en particulier. Cela semble être un " sujet de grande actualité ". La danse est encore souvent considérée comme un entraînement de fitness. Comment percevez-vous cela? La danse peut bien sûr être utilisée comme entraînement de fitness, selon le style de danse et le professeur. Cependant, le plus souvent, l'accent n'est pas mis sur le travail physique mais sur l'apprentissage de séquences de mouvements complexes basés sur la musique, l'imagination ou l'interaction avec les autres partenaires. Il est intéressant de noter, comme le montrent de nombreuses études, que les danseurs de ballet en particulier n'ont pas le même niveau d’endurance que la moyenne des personnes actives dans le domaine du fitness. L'affirmation selon laquelle la danse est un entraînement physique doit donc être prise avec une certaine prudence. Si on recherche un entraînement physique complet avec des éléments d'endurance et de musculation, la danse n'est certainement pas le premier choix. Dans le domaine des neurosciences, l'intérêt pour la danse a fortement augmenté. La découverte des neurones miroirs en est-elle responsable? Comment expliquer cette évolution? La danse est en effet très intéressante pour les neurosciences. Ceci est dû au fait que les danseurs peuvent mémoriser des chorégraphies incroyablement longues et qu'ils ont un répertoire de mouvements presque infini. Les neurones miroirs sont un aspect important de l'apprentissage de ces séquences de mouvements. De plus, des études récentes montrent clairement que la danse en tant qu'activité se distingue des autres formes de mouvement, comme le jogging ou l'entraînement physique, surtout dans la lutte contre les maladies neurodégénératives comme la démence. Dans la danse, les fonctions exécutives (p. ex. la capacité d'accomplir une double tâche) sont continuellement abordées. Et ce sont précisément ces activités avec une coordination complexe en rapport avec les défis cognitifs qui entraînent de manière optimale notre cerveau et notre corps, aussi bien dans l'enfance que dans la vieillesse. Selon vous, quelle domaine de la recherche est encore absent à l'heure actuelle? Où aimeriez-vous voir de nouveaux projets de recherche? Il existe encore peu d'études bien conçues du point de vue méthodologique sur les effets de la danse sur la santé et le bien-être de différents groupes démographiques. Il y a certainement encore un manque à combler dans ce domaine. J'aimerais aussi que le domaine de la motricité soit de plus en plus rattaché à la danse et que des études spécifiques à la danse en fassent le développement. Le MAS en science de la danse offre un vaste programme de formation continue qui va bien au-delà des aspects moteurs et biomécaniques du mouvement sur la musique. Quel est votre objectif avec cette formation? Avant tout, nous voulons doter les praticiens du domaine de la danse de concepts théoriques sur diverses disciplines telles que l'anatomie, la physiologie, les neurosciences, la biomécanique, les sciences du mouvement et de la formation, la psychologie et la pédagogie afin qu'ils puissent réfléchir sur leur travail et recevoir de nouvelles stimulations. Il est également important pour nous de faire connaître les méthodes de recherche ainsi que la lecture et la compréhension d'articles scientifiques afin que les participants puissent choisir à l'avenir leur contenu et leur méthode sur la base de ces données. Cela permet par exemple de créer de nouveaux programmes de danse pour les seniors dans les établissements pour personnes âgées. Nous offrons par ailleurs deux ateliers sur ce sujet en octobre et novembre. Quelles sont les possibilités offertes aux professeurs de danse en Suisse dans le cadre d'une formation et d'un perfectionnement de qualité? Les professeurs de danse ont la possibilité de suivre une formation fondée sur des données factuelles et sur les normes scientifiques les plus récentes, ce qui leur permet de se démarquer des autres enseignants de danse. La formation continue en science de la danse, peut, entre autres, servir à développer des idées pour de nouvelles offres. Avant de commencer la recherche, vous étiez très impliquée dans la pédagogie de la danse et vous étiez professeur de danse au lycée. Quelles sont vos expériences? Oui, en effet. J'ai aussi enseigné la danse aux Pays-Bas et cette discipline était même une branche menant à la Maturité. C'étaient surtout les filles qui venaient danser spontanément et qui étaient inspirées par la danse. Une enquête menée au Royaume-Uni montre que la danse est la deuxième activité physique la plus populaire après le football. C'est par là qu'il est important de commencer. Les jeunes doivent être motivés pour s'exercer au moyen d'activités de danse de qualité. En ce moment, j'enseigne aussi la danse pour les étudiants en sciences du sport et c'est merveilleux de voir que les jeunes hommes font aussi des progrès formidables et qu'ils apprennent à apprécier la danse. Quelqu'un a dit un jour: "C'est dommage que je n'aie pas remarqué avant à quel point la danse est cool". Pour vous, quel rôle la danse joue-t-elle dans le cheminement éducatif des enfants et des jeunes? La danse est importante pour le développement de la motricité chez les enfants et les adolescents. Malheureusement, en Suisse, elle est négligée. Le nouveau programme scolaire prévoit, d'une part, la musique et, d'autre part, le sport. Cependant, la danse devrait sans aucun doute être une matière distincte, ce qui donnerait aussi aux professeurs de danse une reconnaissance supplémentaire. La plupart des professeurs de sport et de musique ne peuvent offrir que peu de possibilités dans ce domaine. L'ISPW mène des recherches sur l'influence de l'enseignement de l'activité physique et du sport sur les performances cognitives des élèves (groupe du Prof. Dr Mirko Schmidt). Il a été démontré que des tâches de mouvement complexes peuvent conduire à de meilleurs résultats à l'école. La danse jouerait donc un rôle important si seulement elle y était proposée. Quel est le rôle de la danse en matière de prévention pour la santé? Les mouvements en général et la danse en particulier peuvent prévenir de nombreuses maladies et problèmes. Comme nous l'avons déjà mentionné, l'exécution de mouvement complexes peuvent être déterminantes pour la fonction cognitive et, par exemple, dans la lutte contre la démence. J'y vois un potentiel énorme, qui n'est pas encore pleinement exploité. Il est à espérer que nous pourrons étayer les faits par des recherches et convaincre les politiciens et les représentants des compagnies d'assurance maladie que l'enseignement de la danse peut être une prévention et/ou une réhabilitation très efficace. En quoi le programme MAS contribue-t-il à ce développement? Avec des études, nous essayons de montrer les avantages de la danse comme discipline et de convaincre les politiciens un jour ou l'autre ! Plus d'informations en englais : Formation continue en sciences de la danse à l'Université de Berne Référence source: TVS / Dr. Andrea Schärli 10/2019 Share
Promotion de la santé Médecine Danse et santé du point de vue de la médecine et de la psychologie du sport "Bouger c’est la santé", un slogan devenu très populaire ces dernières années et qui est fondamentalement correct d'un point de vue médical et scientifique. Mais dans quelle mesure la danse tient-elle ses promesses ? Une revue courte et critique de l'état actuel des études par le Dr. Wolfgang Schobelsberger. Lire la suite en allemand Référence source: Dr. Wolfgang Schobelsberger, Verein für Gesundheitsfördernden Gesellschaftstanz (2019) Share
Entraînement & apprentissage Dance Science « Dancing to Health » – une revue scientifique Comment la danse, en tant que pratique favorisant la santé, peut-elle avoir un impact positif sur différents groupes d’âge et diverses conditions médicales ? Le rapport « Dancing to Health – A Review of the Evidence » analyse des études scientifiques sur la danse de loisir, qui encourage à la fois l’activité physique et la santé mentale, et fournit des pistes précieuses pour de futures recherches. Ici vous pouvez télécharger le rapport complet Dancing to health - a review of the evidence du la fondation People Dancing UK. Référence source: People Dancing, The foundation for community dance, UK (2019) Share
Planification pédagogique Pédagogie Une analyse qualitative de l'enseignement de la danse thérapeutique pour les patients atteints de la maladie de Parkinson Quels sont les avantages et les limites des leçons de danse pour les patients atteints de la maladie de Parkison et comment les leçons devraient-elles être conçues de manière à ce que les participants en en tirent tout le bénéfice possible? En plus d'améliorer la motricité, des cours de danse bien structurés peuvent également améliorer la santé sociale. Du point de vue des participants, une planification minutieuse et une adaptation du contenu du cours aux opportunités et aux besoins des personnes concernées sont essentielles à la qualité des cours. Cette étude sera fournie gratuitement aux membres de TVS sur demande. Référence source: Priscila A. Rocha et al. Complemetary Therapies in Medicine (2017) Share
Danser en vieillissant Dance Science Une étude de l’Université de Bochum sur la santé des seniors La danse vous maintient en forme et fonctionne comme un véritable entraînement cérébral, ce qui est connu depuis longtemps. Mais dans quelle mesure aide-t-elle efficacement les personnes âgées, par exemple ? C'est exactement ce que les chercheurs de Bochum ont maintenant testé - avec des résultats étonnants : si les personnes âgées ne pratiquent qu'une fois par semaine un programme de danse spécialement développé pour les personnes âgées, cela améliore leur forme mentale et augmente leur attention et leur réactivité. Lisez l'article complet en allemand dans le portail de connaissances de Neuronalfit Référence source: NeuronalFit, Marcel Liechti, Gehirntrainer GfG (2019) Share
Promotion de la santé Médecine La danse devrait être prescrite par votre médecin Comment la danse peut-elle non seulement renforcer les muscles et la souplesse, mais aussi stimuler le système immunitaire et le cerveau ? Cet article explique comment la danse améliore non seulement la forme physique, mais renforce également le système immunitaire, stimule les capacités cérébrales et apporte de la bonne humeur. Certains médecins généralistes et compagnies d'assurance le savent déjà : danser de façon globale favorise la santé ! Muscles: Le mouvement améliore le fonctionnement de vos cellules musculaires. Il favorise votre capacité de coordination. Les tensions se dissolvent et sont moins fréquentes. De plus, vos muscles peuvent réagir mieux et plus rapidement au stress. Appareil de support: Grâce au mouvement rythmique les tendons et les ligaments sont plus fortement alimentés en sang en protégeant vos articulations. Mais ils profitent aussi de la danse: votre mobilité sera maintenue et même améliorée. Colonne vertébrale: La danse est un sport qui exige une posture correcte et droite. Cela augmente la mobilité de votre colonne vertébrale. Vous constaterez que vous vous tiendrez généralement plus droit. C'est ainsi que vous empêcherez les disques de se dérégler. Organes: Le mouvement rend votre cœur plus puissant. Votre circulation sanguine s'améliore. L'apport accru d'oxygène assure un meilleur fonctionnement de vos poumons, l'air vicié est excrété plus rapidement. Système immunitaire: La danse augmente le nombre de cellules tueuses dans votre système immunitaire. Cela permet à votre corps de repousser les infections plus rapidement : vous ne seras plus aussi vite malade. Brûler les graisses: En raison du rythme rapide de certaines danses (Disco-Fox, Jive) vos enzymes changent. Beaucoup plus d'enzymes qui brûlent les graisses se forment. A long terme, vous vous débarrasserez de vos poignées d'amour. Augmentation de la mémoire: Votre cerveau est mieux alimenté en sang comme pour tout entraînement d'endurance. De cette façon, vous vous réveillerez, vous pourrez être efficace tout de suite et de vous souvenir de beaucoup plus de choses. Au cours de votre vie, la connexion entre les cellules nerveuses diminue généralement - le réseau neuronal est rompu. La danse améliore la connexion entre les cellules de votre cerveau. Les mouvements coordonnés et rythmés maintiennent votre cerveau jeune. Il est même possible que des zones affaiblies du cerveau se régénèrent à nouveau. Il a été démontré que la danse améliore l'apprentissage et la mémoire. Hormones: Les mouvements augmentent la production de sérotonine. Cela vous rend heureux et créatif. En outre, vous produisez plus d'hormone de créativité. Cela détend votre corps, mais votre esprit devient très efficace. Les danseurs sont aussi des personnes qui résolvent les problèmes de façon plus créative que les autres - ils ont l'habitude d'utiliser l'hémisphère droit et créatif du cerveau. Endorphines: Le tempo de la danse assure que les endorphines soient libérées après quelques heures de pratique. Il s'agit de substances endogènes dont l'effet est comparable à celui des drogues. Cependant, ils sont beaucoup plus inoffensifs. Ils vous font "seulement" vous sentir détendu, heureux et satisfait. Référence source: Gesundheitswissen.de Share
Danser en vieillissant Médecine Portrait d'un groupe de danse du genre spécial « Parfois, j'ai déjà mal au niveau des membres. Mais après l'échauffement, tout s'envole ». Bon pour votre condition physique, votre psychisme et votre mémoire : la danse peut être plus qu'une simple expression de joie de vivre, surtout pour les personnes âgées. Vers l'article complet en allemand de la Deutsche Ärztezeitung Plus d'informations sur le groupe de danse ArtRose Référence source: Jörg Schurig, Deutsche Ärztezeitung, 2017 Share
Entraînement & apprentissage Pédagogie Bienfaits de la danse sur l'enfant La danse favorise le développement physique, mental, émotionnel et social des enfants et fait partie de leur expressivité avant même qu'ils ne parlent. Comment canaliser au mieux l'énergie inépuisable des enfants ? La danse, à la fois amusante et stimulante, offre une excellente alternative aux sports d'équipe. Les enfants bougent de façon innée : pour se déplacer, pour exprimer une pensée ou une sensation, parce que c'est amusant ou parce qu'ils sont joyeux. Quand leurs mouvements deviennent structurés et effectués de manière consciente, cela devient de la danse. Si vous avez des enfants, vous vous demandez peut-être quelle est la meilleure façon de canaliser leur inépuisable énergie. La danse est une excellente alternative aux sports collectifs pour les filles et garçons de tous âges. Vers l'article original sur la site de Partenaire de danse Référence source: www.partenaire-danse.fr Share
Inclusion & accessibilité Social Positions fondamentales sur la diversité et l’inclusion par et dans la danse Dans les débats actuels sur l'éducation, la science, la politique et la culture, la diversité, la participation et l'inclusion sont des concepts directeurs centraux et des moteurs de développement social. La diversité joue depuis longtemps un rôle important dans la danse, que ce soit en tant que thème artistique, en tant qu'impulsion pour un travail créatif, dans le cadre de processus de médiation pédagogique ou dans des contextes thérapeutiques. De plus, la danse se caractérise par son fort potentiel de participation et d'inclusion. Le livre peut être téléchargé sur Open Access en langue allemande Référence source: Susanne Quinten & Christiana Rosenberg, Transcript Verlag (2018) Share
Inclusion & accessibilité Social Un projet de danse qui célèbre l'humanité Le fait que la danse ne soit pas réservée au corps athlétique, acrobatique et dynamique est démontré par le projet de danse de Jeannine Elsener et de la Madone Massimiliano au Festival de danse 2019 à Zoug. Un spectacle unique qui a célébré l'humanité, l'acceptation de l'individu et la passion commune au premier plan. La série de photos du projet est à la fois touchante et inspirante. Lisez l'article complet en allemand dans le Zuger Zeitung. Référence source: Zuger Tanzfestival, Tanzprojekt "So und nicht anders" (2019) Share
Motivation & développement Dance Science Études actuelles sur les interventions de danse auprès des enfants Des études récentes montrent comment des initiatives basées sur la danse et le mouvement dans différents contextes scolaires peuvent favoriser à la fois le bien-être et les capacités d'apprentissage des enfants. Une étude menée en Allemagne a prouvé que l'activité physique créative avec des élèves appartenant à des groupes à risque n'assurait pas seulement la réussite scolaire, mais avait également des effets positifs sur la confiance en soi et les relations sociales. L'étude du Dr. rer. soc. Iris Bräuninger est disponible en téléchargement sur le portail de la recherche (uniquement en allemand). Référence source: Dr. Iris Bräuninger, Interkantonale Hochschule für Heilpädagogik (2019) Share
Danser en vieillissant Médecine Plus de santé en cadence Qui danse, entraîne le corps, l'esprit et fait du bien à son âme. Andrea Schärli, professeur et directrice de la danse à l'Institut des sciences du sport de Berne dit : "Danser est l'un des sports les plus efficaces et les plus sains de tous. Par rapport au jogging, au cyclisme ou à la musculation, par exemple, la danse a l'avantage de combiner l'activité physique et l'activité cognitive, défis et composantes sociales." Ingrid Peter (73 ans) tourne doucement la hanche sur la musique d'échauffement "079" de Lo & Leduc. Puis de la salsa cubaine. Des pas rapides, des petits cercles et des sauts. Le tout en talons rouges. "Après cette heure, je suis trempe. Je me donne à fond et en même temps, je recharge mes batteries", dit la retraitée de Bolligen (BE).Tous les mercredis soirs, elle fréquente un cours de salsa pour femmes à l'école de danse bernoise de Muévete. Ici vous pouvez télécharger l'article complet dans le Drogistenstern Cela pourrait également vous intéresser: Senioren Tanz Bern - ein interdisziplinäres Projekt Référence source: Vanessa Naef, Drogistenstern, 02/2019 Share
Inclusion & accessibilité Social Sophie danse. Et danse. Et danse. Un étudiant en danse est en fauteuil roulant après une maladie grave. Mais abandonner est hors de question pour Sophie Hauenherm. Aujourd'hui, la jeune femme de 18 ans a réussi son baccalauréat à l'Université Palucca. Lorsque Sophie Hauenherm, 18 ans, s'incline pendant son examen de bachelor, elle doit rester assise - dans un fauteuil roulant. Le public est envoûté. Le spectacle émouvant est suivi d'un moment de silence. Suit alors une standing ovation. Lire l'article complet en allemand de la Deutsche Ärztezeitung Référence source: Jörg Schurig, Ärzte Zeitung online und Spiegel Online 07/2018 Share
Aspects neurologiques Psychologie Le pouvoir guérisseur du Groove L‘être humain est un danseur. Mais pourquoi? Les chercheurs commencent à démêler ce comportement enivrant. Les expériences démontrent que le mouvement rythmique séduit et se connecte à la musique - et peut même aider les malades. C'est une célébration du corps, une ode à l'esthétique, au sexe et à la passion dansés. Vers le texte original en allemand sur Spiegel Online Référence source: Philip Bethge, Spiegel Online, 02/2018 Share
Danser en vieillissant Médecine Moins de chutes grâce à la danse Pourquoi faut-il considérer la danse non seulement comme un loisir, mais aussi comme un moyen thérapeutique pour améliorer la coordination et les interactions sociales ? Dans un projet mené par la Haute école zurichoise de sciences appliquées ZHAW, la danse a été utilisée comme méthode de prévention des chutes chez les personnes âgées ayant une mobilité réduite. Lisez l'article de presse en allemand sur Freiämter Vous trouverez des offres de mouvement et de danse pour les personnes âgées sur Equilbre-en-marche.ch, une initiative de la BFU, de Pro Senectute et de Promotion Santé Suisse Référence source: Der Freiämter (2017) Share
Motivation & développement Dance Science Les danseurs ont une conscience accrue de l'intéroception L'interoception fait référence à la perception des signaux corporels et joue un rôle central dans la conscience de soi. Une étude a montré que les danseurs professionnels avaient une précision interoceptive (IAcc) plus élevée que les personnes de contrôle, indépendamment de leur forme physique. Quel rôle l'entraînement artistique pourrait-il jouer dans le développement de ces compétences ? La tâche de perception des battements cardiaques est un outil pour mesurer la précision intéroceptive des individus (IAcc). L'IAcc est en corrélation positive avec les mesures de la conscience de soi et avec des attributs comme la sensibilité émotionnelle, l'empathie, le comportement prosocial et la prise de décision efficace. L'IAcc n'est que modérée dans la population générale, et les tentatives visant à identifier les groupes de personnes qui pourraient avoir un IAcc plus élevé en raison de leur entraînement spécifique (p. ex. yoga, méditation) n'ont pas été fructueuses. Cependant, une étude récente menée auprès de musiciens suggère que les personnes formées dans le domaine des arts pourraient présenter un taux d’IAcc élevé. Ici, nous avons testé l'IAcc chez 20 danseurs professionnels et 20 participantes de contrôle sur une tâche de perception des battements du cœur. Les danseurs avaient un IAcc plus élevé, et cet effet était indépendant de leur fréquence cardiaque plus basse (une mesure indirecte de la condition physique), de leur capacité de compter et de leur connaissance des FC. Une analyse supplémentaire entre les groupes après une répartition médiane du groupe de danseurs (fondée sur les années d'expérience en danse) a montré que le IAcc des danseurs juniors différait de celui des témoins, et que le IAcc des danseurs seniors était supérieur à celui des danseurs juniors et des témoins. L'expérience générale de l'art est corrélée positivement avec l’IAcc. Aucune corrélation n'a été trouvée entre les mesures de l'empathie, de l'expérience émotionnelle et de l'alexithymie de l’IAcc et du questionnaire. Ces résultats sont discutés dans le contexte des théories actuelles de l’intéroception et de l'émotion - soulignant les caractéristiques de la formation artistique qui pourraient être liées à l’IAcc. Vers l'étude complète de Julia F. Christensen (inscription gratuite sur Researchgate requise, uniquement en englais) Référence source: Julia F. Christensen, Psychophysiology, 2017 Share
Aspects neurologiques Médecine Not all about sex? La danse bouge et beaucoup ressentent une joie naturelle en dansant. Cette étude traite de l'hypothèse selon laquelle la danse a des effets neurobiologiques remarquables sur le corps, qui vont bien au-delà d'une augmentation à court terme de l'humeur et d'un sens accru de l'esthétique. Un survol intégratif des résultats de la recherche neuroscientifique et des résultats de la recherche comportementale fournit des éclaircissements sur les effets de la danse sur les gens, peu importe leur origine culturelle. Dans la première partie, l'importance centrale de la danse pour la vie humaine est présentée dans un contexte d'archéologie, de psychologie comparée, de psychologie du développement et de psychologie interculturelle. Dans la deuxième partie, nous examinerons les données empiriques sur six fonctions neuronales et bio-comportementales de la danse : (1) concentration de l'attention, (2) expériences émotionnelles de base, (3) images, (4) communication, (5) auto-initiation, et (6) cohésion sociale. Sur cette base, différentes perspectives sur la fonction de la danse pour les gens sont discutées : (1) La danse est un pur plaisir, (2) la danse n'est qu'une question de sexe, (3) la danse sert exclusivement à la gestion de l'humeur et augmente le bien-être subjectif, et (4) la danse est réservée aux experts seulement. Comme il s'agit d'un jeune domaine de recherche, les preuves sont encore incomplètement concluantes. Ce survol vise à faire un pas vers la systématisation d'un nouveau champ de recherche : une science neurocomportementale et bio-comportementale de la danse. Cet article est disponible gratuitement aux membres de la TVS sur demande. Référence source: Julia F. Christensen, Annals of the New York Academy of Science, August 2017 Share
Aspects neurologiques Médecine L'histoire émouvante d'un garçon atteint du syndrome de Tourette Quand Dominik danse, il est dans son monde. Il n’y a ni maladie ni anomalies gênantes. Seules peu de personnes savaient depuis longtemps qu'il était atteint du syndrome de Tourette. Aujourd’hui, sa mère écrit un livre émouvant sur la façon dont il a surmonté ses tics avec le ballet. Lire l'article en allemand dans la Deutsche Ärztezeitung Référence source: Ruth Ney, Deutsche Ärztezeitung, 02/2017 Share
Aspects neurologiques Médecine Un programme pour les personnes atteintes de la maladie de Parkinson : Dance for PD® Comment la danse peut-elle aider à améliorer la qualité de vie des personnes atteintes de la maladie de Parkinson ? Dance for PD® fait appel à la danse créative pour encourager la liberté de mouvement et l'équilibre, offrant ainsi une stratégie efficace contre les limitations physiques de la maladie. Dance for PD®, une collaboration entre le Brooklyn Parkinson Group et le célèbre Mark Morris Dance Group, travaille à alléger ce fardeau. Le programme fait appel à des danseurs professionnels dans des studios de danse pour travailler avec des patients atteints de la MP afin d'élaborer des stratégies pour naviguer dans le monde grâce à une utilisation créative et expressive de leur corps. L'article sera mis gratuitement à la disposition des membres de la TVS sur demande. Les cours de danse pour les personnes souffrant de la maladie de Parkinson peuvent être trouvés sur la site de Parkinson Suisse. Référence source: Carrie A. Butt Share
Aspects neurologiques Médecine La danse peut-elle soulager la dépression? Et si danser régulièrement, quel que soit le style, était une thérapie efficace contre la dépression ? Plusieurs études scientifiques sont parvenues à cette conclusion. Les résultats en un coup d'œil sur Partenaire de danse Référence source: Partenaire de danse Share
Danser en vieillissant Médecine Tanzheimer: les aînés se balancent La danse est-elle une activité impossible en vieillissant? Pas du tout ! C'est ce qu'ont pensé trois étudiantes de la ZHAW qui ont organisé six leçons de danse pour les aînés. Même les participants munis d'un déambulateur ont pu participer au programme. Un travail de terrain. Plus d'informations sur le projet Tanzheimer en allemand sur le site de la Haute école spécialisée de Zurich (ZHAW) Référence source: Melina Brunner, Tabea Eichelberger & Celia Schneider, ZHAW (2016) Share
Motivation & développement Pédagogie Le développement de la personnalité par la danse La danse, en particulier la danse contemporaine, favorise le développement personnel des élèves grâce à de nouvelles expériences corporelles, à la créativité et à l’interaction sociale. Comment cette forme de danse renforce-t-elle la confiance en leurs capacités, et quels effets ces expériences ont-elles sur le plan psychologique ? En général, les élèves du projet de danse montrent de nouvelles expériences de mouvement et des expériences joyeuses dans la gestion de la physicalité et du contact corporel. Une expérience sociale est offerte pendant la danse. L'influence d'accompagnement sur ses propres attentes en matière d'auto-efficacité peut être en partie comprise de manière empirique. Une confrontation consciente avec l'expression et la créativité vise à, mais ne peut être mesurée indirectement. La danse contemporaine, en particulier, met l'accent sur la promotion individuelle et le développement du potentiel créatif de chaque élève et donne ainsi des impulsions pour le développement de la personnalité. Des expériences spécifiques déclenchées par la confrontation avec la danse, telles que "faire de nouvelles expériences de mouvement" ou l'expérience de se présenter devant un public, deviennent visibles. Mais surtout, les élèves sont introduits à un domaine de la société qui peut leur apprendre à gérer la physicalité d'une manière ludique et libre de pensées de performance, ce qui est existentiellement important comme base pour la santé et le bonheur. Vous pouvez télécharger ici la thèse de doctorat complète d'Isolde Cäcilia Reichel en allemand : Persönlichkeitsentwicklung durch Tanz Référence source: Doktorarbeit Isolde Cäcilia Reichel, Universität Bern (2016) Share
Processus cognitifs Dance Science Danse et cerveau: une étude La danse permet l'exploration fascinante de la plasticité du cerveau, notamment en ce qui concerne son interaction avec le comportement. Des études montrent que l'entraînement à la danse influence l'activité cérébrale à court et à long terme et active différentes régions du cerveau. Comment ces connaissances pourraient-elles contribuer au développement de programmes de thérapie basés sur la danse ? Plusieurs études ont examiné les corrélations comportementales de la danse, mais on en sait moins sur la base cérébrale de la danse. Des études sur l'observation de la danse suggèrent que l'entraînement de la danse à court et à long terme affecte l'activité cérébrale dans les réseaux d'observation et de simulation d'action. Malgré les défis méthodologiques, la faisabilité de la neuro imagerie pendant la danse a été démontrée, et plusieurs régions du cerveau ont été impliquées au cours de l'exécution de la danse. Les travaux préliminaires de notre laboratoire suggèrent que la formation à long terme en danse modifie à la fois la structure de la matière grise et de la matière blanche. Cet article présente un résumé critique des travaux sur les corrélations neurales de la danse. Il couvre les études de neuro imagerie fonctionnelle de l'observation et de la performance de la danse ainsi que les études de neuro imagerie structurelle de danseurs experts. Afin de stimuler un dialogue continu entre la danse et la science, les orientations futures de la recherche sur la danse et le cerveau ainsi que ses implications sont discutées. La recherche sur les neurosciences de la danse mènera à une meilleure compréhension des relations cerveau-comportement et de la plasticité cérébrale chez les experts et les non-experts et pourra être appliquée à l'élaboration de programmes thérapeutiques axés sur la danse. Vers l'étude complète en englais Annals of the New York Academy of Sciences Référence source: Falisha J. Karpati, Annals of the New York Academy of Sciences, 2015 Share
Processus cognitifs Dance Science La danse favorise l'attention et change notre perception Daria Höhener, danseuse passionnée, a travaillé sur un projet de danse dans le cadre de sa thèse de maturité au gymnase de Trogen et l'a confirmée au moyen d'un test de concentration scientifiquement prouvé : "La danse attire l'attention des élèves du primaire, des élèves cantonaux, des jeunes et des adultes". Lire le résumé de l'étude de Daria Höhener en allemand Référence source: Daria Höhener, April 2014 Share
Évolution du style & esthétique Social La façon dont quelqu'un danse en dit long sur sa personnalité Que peut révéler le style de danse sur la personnalité ? La danse ne se limite pas à être une forme d'expression culturelle ; elle reflète également des traits personnels et des caractéristiques liées à l'évolution. Une étude a montré que des mouvements variés et dynamiques sont perçus comme particulièrement fascinants, en particulier lorsqu’ils mettent en valeur la force du haut du corps. Vers l'article en allemand dans le journal Bild der Wissenschaft Études scientifiques sur le sujet : Male dance moves that catch a woman's eye, The role of huan body moevements in mate selection Référence source: Eva Tenzer, freie Wissenschaftsjournalistin (2014) Share
Évolution du style & esthétique Culture La danse comme moyen d'éducation esthétique et expressif « La clé d'un nouveau départ réside souvent dans le fait de briser des schémas de pensée bien ancrés et de se concentrer sur l'essentiel ». Claudia Fleischle-Braun, anciennement chargée de cours de gymnastique et de danse à l'université de Stuttgart, écrit sur les fondements, la valeur et la variété du travail de médiation pédagogique et artistique de la danse dans le cadre de l'éducation culturelle. La danse est une forme non verbale de représentation et d'expression humaine, au centre de laquelle se trouve la mise en scène esthétique subjective du corps et la mise en forme du mouvement dans l'espace et le temps. Les manifestations et les fonctions de la danse sont façonnées par leurs environnements historiques et socioculturels respectifs. Par conséquent, les diverses formes de danse traditionnelle et les variétés stylistiques de la danse contemporaine reflètent chacune leur propre compréhension de la physicalité et du mouvement, qui s'exprime dans différents idéaux, normes et pratiques esthétiques. Les différents styles de danse contiennent et montrent donc toujours des manières collectives ou individuelles de percevoir et de traiter le corps ; et ils peuvent rendre tangibles l'esprit du temps et les sentiments de vie d'une génération. Lire la suite en allemand Référence source: Claudia Fleischle-Braun, Kulturelle Bildung Online (2013) Share
Promotion de la santé Médecine Entretien avec Gunter Kreuz, chercheur en cognition musicale à l’Université d’Oldenburg Qu'est-ce qui rend la danse si essentielle pour nous les humains - juste bouger ou bien plus que ça ? Avant même que les gens puissent écrire, ils dansaient. Le mouvement de la musique donne de la force et de la confiance en soi, dit Gunter Kreutz de l'Université d'Oldenburg. Dans une interview, le chercheur en cognition musicale explique pourquoi la danse détend et comment elle aide à lutter contre la maladie. Lisez l'interview en allemand de Gunter Kreuz, chercheur en cognition musicale, sur Spiegel Online Référence source: Frederik Jötten, Spiegel Online (2013) Share
Danser en vieillissant Dance Science Une heure de danse par semaine pour garder l'esprit et le corps en forme Des chercheurs de l'Université de Bochum ont pu prouver il y a quelque temps que la danse est un moyen pour garder la forme. Ils ont depuis testé un programme de danse spécialement conçu pour les personnes âgées avec des résultats étonnants : même les personnes âgées auparavant inactives sont parvenues à augmenter considérablement leur forme physique, mais aussi leur attention et leur capacité de réaction et ceci une fois par semaine pendant une heure après six mois de formation. Lire l'article en allemnd de la revue de presse de l'Université de Ruhr Bochum. Vers l'article de recherche original sur Frontiers in Aging Neuroscience. Référence source: Kattenstroth et al., Ruhr-Universität Bochum (2013) Share
Planification pédagogique Pédagogie Le rôle de la danse dans le processus éducatif Aimeriez-vous savoir comment la danse peut influencer positivement votre développement personnel ? Cette étude a pour but d'encourager une révision de l'approche méthodologique utilisée dans le contexte scolaire, car elle met trop l'accent sur les processus cognitifs et néglige les expériences physiques, ludiques et créatives qui sont extrêmement précieuses pour le développement de la personnalité. Nulle autre activité n'a une telle influence sur le corps, l'esprit et les émotions que la danse. Plus que toute autre forme d'expression, la danse peut aider les enfants à habiter leur corps et à développer leur potentiel encore inexploité. Vous pouvez télécharger ici l'étude de Marzia Candela en englais: The role of Dancing in the educational process Référence source: Marzia Candela et.al., 4th International Conference on new Horizons in Education, Procedia, Social and Behavioural Science, 2013 Share
Danse pour enfants & adolescents Pédagogie Danse créative pour enfants: livre recommandé Il n'y a guère de professeur de danse en Allemagne qui n'ait pas travaillé avec Gisela Peters-Rohse ! Elle enseigne dans le monde entier : Indonésie, Philippines, Russie, Chine. Notre livre conseil sur le sujet : L'enfant et sa danse par Gisela Peters-Rohse Gisela Peters-Rohse est une légende dans le domaine de la danse pour enfants - comme aucun autre professeur allemand, elle jouit de la plus haute réputation internationale dans cette profession. D'une part, cela repose sur sa personnalité, qui est spéciale à bien des égards, sur l'imagination, l'empathie, l'intuition et toutes les "bonnes qualités" dont un éducateur a besoin pour obtenir des résultats convaincants. Mais la base de son succès est aussi sa méthodologie, élaborée au fil de nombreuses années d'expérience et de développement. Commandez ici Référence source: Tanznetz.de, Patricia Kapp (2011) Share
Entraînement & apprentissage Pédagogie La danse comme culture quotidienne La danse en tant que culture quotidienne et ce qu'elle peut apporter aux enfants et aux jeunes : De la promotion des compétences sociales et de l'utilisation responsable de son propre corps à l'acceptation d'autres cultures. Résumé par Ulla Ellermann et Barbara Flügge-Wollenberg. La danse en tant que culture quotidienne ne peut être comprise que si l'on sait d'abord qu'il n'existe pas de danse, mais plutôt une variété de manifestations et de styles différents, comme par exemple : Danse historique, danse classique, danse moderne, danse artistique contemporaine, danse-théâtre, formes de danse contemporaine telles que le hip-hop, le jazz, le show, etc., danse de salon avec la valse, le tango, la rumba, le cha¬-cha-cha, etc. jusqu'à la danse folklorique allemande ou internationale. En outre, l'enseignement dans tous les domaines s'adresse d'une part aux artistes de la danse, aux danseurs professionnels de scène et d'autre part aux amateurs qui dansent avec des motivations et des capacités différentes - des tout-petits aux adultes. Lire la suite (en allemand) Référence source: Ulla Ellermann & Barbara Flügge-Wollenberg, Kulturelle Buildung Online (2013) Share
Inclusion & accessibilité Social Le fauteuil roulant danse aussi « Les pas de base des danses de salon ont été adaptés pour que les pieds et les roues du fauteuil roulant se coordonnent harmonieusement, sans se gêner. » Pendant quelques heures, oubliez les difficultés de la vie quotidienne et mettez-vous au défi physiquement et mentalement tout en dansant : La professeur de danse saint-galloise Irene Gasser poursuit cet objectif avec ses cours de danse en fauteuil roulant. Lire l'article en allemnd dans le Tagblatt Plus d'informations sur les cours de danse de l'association Rollstuhltanz Référence source: Yvonne Foster, Tagblatt, 2012 Share
Histoire de la danse & diversité Dance Science La danse populaire comme processus d'apprentissage interculturel La danse peut-elle contribuer à l'acquisition de compétences interculturelles et quels domaines couvre-t-elle ? Tolga Candas Altinok a écrit sa thèse sur cette question à l'Université sportive allemande de Cologne. Elle montre que la danse folklorique est une méthode efficace pour déconstruire les préjugés et approfondir la compréhension des autres cultures. Ces questions sont précédées par l'hypothèse que la danse est un moyen approprié pour promouvoir les aptitudes à la communication. C'est là que réside une différence décisive entre la danse et le sport: le sport met l'accent sur l'idée de compétition, tandis que la danse se concentre sur l'aspect social. Les études sur le thème de "l'apprentissage interculturel" aboutissent à l'affirmation suivante : "La danse est un médium qui permet une approche holistique et une rencontre avec les cultures étrangères, car en expérimentant et en s'appropriant les mouvements et danses du corps culturellement spécifiques et codifiés, on peut transmettre des informations complémentaires sur la culture d'origine et sa société respectives. Vers la thèse de Tolga Candas Altinok à l'Institut européen pour le développement du sport et de la recherche sur le loisir (uniquement en allemand). Référence source: Dissertation Tolga Candas Altinok, Sporthochschule Köln (2011) Share
Motivation & développement Dance Science À quel point nous sentons-nous en sécurité lorsque nous dansons ? Différences liées au genre et à l’âge La confiance en soi dans la danse est une estime de soi propre à ce domaine et qui mesure la façon dont une personne se sent par rapport à ses capacités sociales et récréatives dans le domaine de la danse. Cette étude s'intéresse à la façon dont la confiance en soi dans la danse varie en fonction du sexe et du groupe d'âge. Treize mille sept cent quinze personnes ont regardé une vidéo et ont ensuite répondu à un sondage en ligne. Les résultats montrent que la confiance dans la danse varie en fonction du sexe et du groupe d'âge, de sorte qu'en général, les femmes ont des niveaux de confiance dans la danse plus élevés que les hommes, et la confiance dans la danse change à des moments importants du cycle de développement. Chez les femmes, les niveaux de confiance en soi commencent à être élevés au début de l'adolescence, chutent considérablement après 16 ans, puis augmentent régulièrement jusqu'à la fin de l'adolescence et au début de la vingtaine avant de se stabiliser au milieu de la vie. Il y a une baisse significative de la confiance des femmes dans la danse lorsqu'elles atteignent le milieu ou la fin de la cinquantaine. Chez les hommes, le niveau de confiance en soi dans la danse commence à un bas niveau, puis augmente régulièrement à la fin de l'adolescence et au début de la vingtaine, avant de se stabiliser au milieu de la trentaine. Il y a une augmentation significative de la confiance dans la danse chez les hommes lorsqu'ils atteignent le milieu de la soixantaine. Les résultats et le lien entre la danse sociale et l'estime de soi sont discutés dans le contexte de deux modèles théoriques d'estime de soi, le "Modèle d'évaluation réfléchie" et le "Modèle des compétences". Cette étude en englais sera mise gratuitement à la disposition des membres de la TVS sur demande. Référence source: Lovatt, P., Science Direct, Personality and Individual Differences, 2011 Share
Processus cognitifs Dance Science Une étude scientifique sur l'influence de la danse sur la performance cognitive L'efficacité de la danse en bref. Richard Powers résume les résultats de différentes études sur l'effet extraordinaire et positif de la danse sur la performance cognitive. Il est au courant de tout ! Richard Powers enseigne la danse sociale historique et contemporaine à la Division de danse de l'Université Stanford depuis plus de 40 ans. Lisez ou allez danser! Jusqu'à présent, la danse a été principalement attribuée à des effets positifs sur le bien-être physique et les bénéfices sociaux. Depuis quelque temps déjà, des études ont démontré que la danse a aussi une influence significative sur la performance mentale. Une comparaison avec d'autres activités cognitives et physiques montre que la danse a non seulement une très grande influence sur la formation de nouvelles voies nerveuses dans le cerveau et peut même prévenir la démence, mais aussi augmenter les performances mentales des enfants. La clé réside dans le fait que la danse active simultanément plusieurs fonctions cérébrales - kinesthésique, rationnelle, musicale et émotionnelle. Le style de danse n'est pas pertinent. C'est plutôt le type et l'intensité de la participation de l'individu, le développement du mouvement et la rencontre avec le partenaire de danse qui sont décisifs. Et - plus nous dansons souvent et plus tôt nous commençons à danser, plus le bénéfice est grand! Lire l'article complet de Richard Powers en anglais: Use It or Lose It: Dancing Makes You Smarter, Longer Qui veut traiter en détail du sujet "Les loisirs et le risque de démence chez les personnes âgées" vient ici à l'étude originale dans le New England Journal of Medicine. Référence source: Richard Powers, Stanford Dance, 07/2010 Share
Promotion de la santé Dance Science Une exploration des avantages de la danse sur le bien-être Des recherches antérieures ont révélé des influences positives de la musique sur la santé et le bien-être des gens. Ces études empiriques se sont concentrées sur des activités musicales comme l'écoute et le chant, négligeant les effets potentiels de la danse. L'analyse quantitative et qualitative a montré que la danse a un effet potentiellement positif sur le bien-être à plusieurs égards. Des effets positifs sur les plans physique, social et spirituel ont été constatés. En particulier, une meilleure estime de soi et de meilleures stratégies d'adaptation dans les situations de conflit ont été observées. Cette étude exploratoire fournit un point de départ pour une meilleure compréhension de l'impact de la danse amateur sur le bien-être général et fournit des arguments convaincants sur la raison pour laquelle la danse devrait être incluse dans le programme de promotion de la santé publique. Vers la publication en anglais dans le magazine Arts & Health Sur le texte original allemand dans la thèse de Cynthia Quiroga Murcia (Schrift B) Référence source: Cynthia Quiroga Murica, C, Arts & Health, 2010 Share
Régulation émotionnelle Dance Science L'effet psychobiologique de la danse La présente étude examine les réponses émotionnelles et hormonales à la danse tango et les influences spécifiques de la présence de la musique et du partenaire sur ces réponses. Vingt-deux danseurs de tango ont été évalués dans quatre circonstances, dans lesquelles la présence de musique et d'un partenaire de danse pendant la danse a été variée dans un design 2 X 2. Avant chaque circonstance et 5 minutes par la suite, les participants ont fourni des échantillons salivaires pour l'analyse des concentrations de cortisol et de testostérone et ont rempli le tableau des effets positifs et négatifs. Les données suggèrent que le mouvement avec un partenaire à la musique a des effets plus positifs sur l'état émotionnel que le mouvement sans musique ou sans partenaire. De plus, des diminutions des concentrations de cortisol ont été observées avec la présence de musique, alors que des augmentations des taux de testostérone ont été associées à la présence d'un partenaire. Les travaux des auteurs mettent en évidence des réactions psychobiologiques positives à court terme après la danse du tango et contribuent à la compréhension de l'influence différentielle de la musique et du partenaire. A la publication en anglais dans la revue Music and Medicine ou au texte original en allemand dans la thèse de doctorat de Cynthia Quiroga Murcia (Schrift D) Référence source: Cynthia Quiroga Murcia, MSc, Music and Medicine, Juli 2009 Share

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